Авангардный принт на тканях начала 20 века

Стиль авангард в одежде, примеры, фото

Смелые расцветки, необычные силуэты, неповторимые аксессуары и неожиданные причёски – всё это гармонично смешивает и объединяет стиль авангард.
Являясь одним из самых выдающихся и неординарных направлений в мировой моде, создавая экстравагантные, а порой, даже шокирующие образы, он просто не может оставаться незамеченным.

История стиля

Изначально «авангард» был исключительно военным термином, обозначавшим передовую часть армии. Позднее это понятие стало использоваться в архитектуре и живописи. И лишь в первой половине прошлого столетия это слово приблизилось к мировой моде, знаменуя собой появление нового стиля дизайнерской одежды.

Историки утверждают, что зарождение этого неординарного направления происходило в Японии. Это был своеобразный вариант объединения колоритных национальных нарядов с европейскими новинками.

Торжественный выход на мировые подиумы условно датируется шестидесятыми годами прошлого столетия. Основоположником стиля официально признаётся известный французский модельер – Пьер Карден. В дальнейшем его последователями стали Ив Сен-Лоран, Александр Маккуин, Вивьен Вествуд и некоторые другие дизайнеры, оценившие и полюбившие этот экстравагантный стиль, позволяющий создавать великолепные коллекции, напоминающие произведения искусства.

Концептуальные особенности стиля

Авангард в одежде далёк от общепризнанных стандартов. Он смело ломает все стереотипы, выбиваясь из привычной действительности, гармонично объединяя фантазии и реальность.

Стиль авангард в одежде

Узнаваемые особенности стиля авангард в одежде:

  1. Игра форм с использованием геометрии. Острые углы, круги и прочие геометрические фрагменты – являются неотъемлемыми приметами стиля. Хаос и порядок в таких авторских моделях переплелись настолько тесно, что их просто невозможно отделить друг от друга.
  2. Нестандартный, замысловатый силуэт. Образ будет неполным без неожиданной, но гармонично дополняющей общую картину, причёски, головного убора, аксессуаров и обуви, производящих неизгладимое впечатление и поражающих своими очертаниями.
  3. Абсолютная симметрия или её полное отсутствие. Как правило, для создания необычных и стильных костюмов на помощь приходят приёмы использования асимметрии или, наоборот, подчёркнуто-безукоризненная симметричность.
  4. Яркие оттенки и смелые цветовые композиции. Авангард даёт возможность сочетать несочетаемое. Монохромная палитра здесь с успехом дополняется неожиданными штрихами контрастных цветов. Зачастую используются шокирующие кислотные вкрапления, причём не только в одеянии и аксессуарах, но и в макияже, и в цвете волос.
  5. Броские аксессуары. Авангардная одежда не может восприниматься адекватно без соответствующих дополнений. Как правило, это украшения ручной работы, оригинальные, вызывающие, порой даже весьма гипертрофированные. Материалы – абсолютно любые.
  6. Объединение различных стилевых направлений. Создавая оригинальный и неповторимый образ, дизайнеры-авангардисты порой смешивают воедино самые далёкие друг от друга стилистические течения, добиваясь поистине удивительных результатов.
  7. Нестандартные материалы, сложные фактуры. Стиль авангард подразумевает использование самых неожиданных материалов. Кроме привычных тканей, это могут быть: мех, кожа, клеёнка, пластик, бумага и даже металл.

Главное правило создания образа в стиле авангард – аутентичность и продуманность всех элементов.

Направления авангарда

Стиль авангард настолько многогранен, что просто не вписывается в определённые рамки. Не имея возможности выражаться однозначно, он включает в себя три близких, но в то же время совершенно разных направления:

Деконструктивизм. Подразумевает демонстрацию необычных конструкций и кроя, нарушение традиционных форм, нестандартное использование привычных материалов, применение новейших технологических достижений.
Для таких образов характерны: неопределённость цвета, многослойность, асимметричность и необработанные края.

Яркие представители направления – Йоджи Ямамото, Иссей Мияки, Мартин Маргиела, Анн Демельмейстер и др.

Концептуализм. Призван через художественный образ продемонстрировать индивидуальность, характер или настроение конкретной личности. Это направление позволяет воплотить в жизнь самые смелые дизайнерские фантазии. Для изготовления одежды в духе концептуализма используется не только ткани, но и весьма неожиданные материалы – клеёнка, бумага, пластик, металл.

Такие модели можно увидеть в коллекциях Пако Рабана и Александра МакКуина.

Минимализм. Это направление авангардного стиля, максимально приближенное к повседневному использованию. Отличается незначительным количеством деталей, сдержанностью линий, несложным силуэтом. Это могут быть однотонные, но незаурядные по форме костюмы, или наоборот, одеяния, незамысловатые по крою, но впечатляющие расцветкой или комбинацией материалов.

В этом направлении оставили яркий след Гарет Пью, Лукас Насименто, Ицин Инь.

Как правило, стиль авангард в чистом виде можно встретить лишь на подиумных показах. Он являет собой своеобразное опережение времени модой. При создании повседневного образа в этом направлении, используются лишь характерные оригинальные фрагменты, привлекающие внимание и производящие впечатление.

Стиль авангард в одежде для женщин

Модели в стиле авангард для женщин – это одежда для самых смелых. Платья и юбки, выполненные в духе этого направления, в первую очередь производят впечатление необычным кроем. Помимо нестандартной формы, изделия могут выделяться необработанными краями, косыми швами, неожиданными воротниками, вызывающими разрезами, смещённой линией талии, огромными карманами, разными рукавами.
Длина юбки, в зависимости от идеи, варьируется от символического мини, до невероятного макси, дополненного эффектным шлейфом. Актуальны модели с оригинальными каркасами.

Стильный эпатаж: что нужно знать об авангардной моде

11 октября 2018

  • Описание
  • Комментарии 1

Показы авангардных дизайнеров иногда кажутся гротескными и слегка безумными. Кто-то восхищается полетом дизайнерской мысли , а кто-то ее не понимает. Разбираемся вместе в тенденциях авангардной моды.

Что такое авангардизм

Авангардизм — движение в искусстве, для которого характерны новаторские, экспериментальные идеи и радикальные способы их воплощения. Направление появилось в начале ХХ века и стало некоей революцией в кино, музыке, живописи, литературе и, конечно, моде. Авангардизм был призван изменить традиционные представления об искусстве, и ему это отчасти удалось.
Со временем авангардное искусство утратило свой бунтарский дух и сформировалось в полноценное популярное течение со множеством направлений.

Читайте также:
Роберто Кавалли – биография и коллекции

Авангардизм в моде

Многие историки моды сходятся во мнении, что авангардный стиль в одежде появился в Японии в начале 1920 годов. В необычных нарядах было заключено видение японскими дизайнерами европейской моды.
Но свое становление на мировых подиумах авангардизм начал в 60-х годах, когда Пьер Карден, вдохновленный успехами человечества в освоении космического пространства, создал легендарную коллекцию «Космос». Одежда выглядела футуристично, имела четкие линии, геометричные вырезы и была представлена в ярких цветах.

Коллекция вызвала фурор и стала одной из самых известных в карьере кутюрье.
После такой бурной реакции на коллекцию Кардена, многие именитые дизайнеры обратились к авангардизму. Например, Вивьен Вествуд с начала 1970-х создает совершенно необычные наряды, продвигая в них бунтарские идеи панк-культуры.

Вивьен Вествуд — гранд-дама авангардной моды

Особенности авангардного стиля

Хотя авангаризм отрицает все шаблоны и ищет новые, нестандартные пути, в авангардной одежде все же можно выделить несколько неизменных особенностей:

  • Геометрически формы
  • Сочетание разных фактур
  • Контрастность
  • Смелые цвета
  • Асимметрия
  • Нестандартные детали

Направления авангарда в моде

Деконструктивизм

В 1981 году Йоджи Ямамото и Рей Кавакубо представили миру свои коллекции, которые совершенно отличались от привычной моды. На подиум вышли модели в многослойных асимметричных нарядах необычной конструкции. С тех пор в авангардной моде появилось направление деконструктивизм, для которого характерны сложные формы, фрагментарность, асимметричность, нарушение привычной геометрии одежды. Например, можно встретить жакет, переходящий в платье, рубашку с одним рукавом, футболки со смещенным вырезом или наружными швами.

Концептуализм

Самое яркое проявление авангардизма. Главная задача концептуальных коллекций — выразить дизайнерскую мысль, показать видение современной моды, донести через модели какие-то взгляды и идеи дизайнера. Такую одежду не встретить в обычной жизни. Концептуализму свойственны метафоричность и необычные конструкторские решения, множество драпировок и нестандартные материалы. Концептуальные вещи предназначены для подиума и должны рассказывать какую-то историю, а иногда и шокировать.

Минимализм

Достаточно лаконичное направление, которому характерно минимальное количество деталей, традиционные материалы и монохромность. Сейчас минимализм — одно из самых востребованных направлений авангардной моды. Возможно, в силу своей сдержанности и универсальности.

Современные авангардные бренды

Нельзя сказать, что кто-то из дизайнеров работает только в авангардизме, но можно выделить тех, кто особенно часто обращается к этому стилю в своих коллекциях

Yohji Yamamoto

Легендарный Йоджи Ямамото мог и вовсе не стать дизайнером. Прежде чем он занялся дизайном одежды, он получил диплом юридического университета. Хорошо, что жизнь распорядилась по‑другому и Ямамото стал модным революционером. Дизайнер первым создал женскую одежду мужского кроя и силуэта. Это нашло отклик мире моды и необычным конструкциям и формам Йоджи Ямамото стали подражать многие бренды.

Comme Des Garçons

Французско-японский бренд, созданный Рей Кавакубо. Марка ориентирована в основном на женскую одежду и часто экспериментирует с цветом, формами и пропорциями. На показах можно увидеть молодых людей в розовых париках, девушек в мужской непропорциональной одежде.

Viktor & Rolf

Дуэт нидерландских дизайнеров, которые заявили о себе в самом начале карьеры и за первую же свою коллекцию удостоились трех наград.
Одежду дизайнеров отличает скульптурность форм, изобилие плиссировок и необычный подход к представлению коллекций. Например, во время показа коллекции «Черная дыра» все модели были выкрашены в черный цвет, а цветовая гамма вещей была исключительно черной.

Alexander McQueen

С самого начала своей карьеры Маккуин зарекомендовал себя как новатор, не желающий мириться с традиционным понятием моды.
Его модели отличаются необычностью форм и текстур. Маккуин не боялся экспериментировать с тканями и часто использовал нестандартные материалы. Коллекция осень-зима 2009 почти вся состояла из птичьих перьев.
Каждый показ Маккуина имел свою концепцию — на показе весна-лето 2010 дизайнер продемонстрировал свое видение мира после глобального потепления. Все модели были представлены в текстурах, напоминающих кожу рептилий.

Rick Owens

Одежда дизайнера в основном спокойных цветов. Как правило, черная, серая и белая, но несмотря на такую сдержанность в цветах, модели Рика Оуэнса совсем нельзя назвать стандартными. Особенности образов дизайнера — неровный крой, асимметричные вещи, сложные и необычные формы. Деталями Оуэнс тоже не пренебрегает: на его жакете можно встретить, например, три рукава, один из которых выступает в качестве украшения.
Свои коллекции Рик предпочитает демонстрировать в свойственной авангардистам манере. На показе весна-лето 2016, дизайнер буквально скрепил моделей друг с другом. Кого-то несли на спине, кто-то был пристегнут валетом. Этим дизайнер хотел показать, что на каждой женщине висит тяжелое бремя, с которым ей приходится справляться.

Как собрать авангардный образ

Если вы готовы слегка отойти от модных стандартов и открыть для себя авангардный стиль, вот несколько критериев, которые нужно учитывать при создании смелого образа.

В первую очередь, нужно понять, что авангардный стиль — это не столько способ обратить на себя внимание, сколько самовыразиться, а иногда и передать через свой образ какую-то мысль. Так что необходимо позаботиться обо всем виде в целом, а не только об одежде. Как бы необычно ни выглядело ваше платье, скучные аксессуары и повседневный макияж смажут весь образ. Лучше заранее продумать макияж, подобрать объемное ожерелье или интересную сумку.

Смешение текстур

В авангардном стиле часто можно встретить смешение текстур и материалов. Но в смешении тканей нужно быть очень осторожным, а то стильный эпатажный образ может стать обычной безвкусицей. Чтобы научиться этому, стоит поэкспериментировать с одеждой и попробовать разные варианты.

Читайте также:
День влюбленных
Многослойность

Авангардному стилю тоже свойственна многослойность. Начните с ключевой части образа и постепенно добавляйте дополнительные элементы. Играйте на контрастах, комбинируйте, экспериментируйте с драпировками.

Непривычные материалы

Часто в авангардном стиле можно встретить вещи, сделанные из несвойственных им материалов. Начиная от тканей и заканчивая пластиком. Любой элемент вашего гардероба может стать частью авангардного образа, если нестандартно подойти к выбору материалов.

Другое применение

В авангардном стиле приветствуется использование вещей не по назначению. Например, ремень от вашего любимого тренча вполне может стать отличным авангардным аксессуаром, если обвязать его вокруг руки. Собирая модный авангардный образ, подумайте, как еще можно носить привычную одежду: может, стоит сделать из рубашки топ, а платье надеть как юбку?

Асимметрия: модный тренд сезона

Авангардизм — одно из самых интересных и необычных течений не только в моде, но и в культуре в целом. На моду это направление повлияло не меньше, чем на любой другой аспект искусства. Благодаря авангардистам многие вещи, казавшиеся когда-то слишком вызывающими, теперь вышли в массы.

З.б. Мода и авангардное искусство

На моду 1920-х гг. большое влияние оказало авангардное искусство — от футуризма и кубизма до абстракционизма. Если говорить об официальной моде, то это влияние выразилось прежде всего в популярности геометрического орнамента. Платья с абстрактным декором и ткани с беспредметными рисунками были самыми модными; современникам казалось, что именно они выражают дух нового времени. Однако идея заменить традиционный изобразительный декор абстрактными формами не была совершенно новой. Уже стиль модерн предложил свою декоративную систему. Стремление к «органическому единству формы и орнамента», к функционально оправданной форме делало традиционный орнамент необязательным. В 1908 г. австрийский архитектор и критик А. Лоос опубликовал статью «Орнамент и преступление», в которой отвергал украшательский декор во имя простоты и рациональности формы, выявления природной красоты материалов. Эти идеи предвосхищали отношение к орнаменту в функционализме. С развитием стиля модерн в 1910-е гг. усилилась тенденция упрощения декора. Несомненно, например, сходство рисунков обивки кресел Ф. Шехтеля в спальне и кабинете особняка Дерожинской с тканями в стиле «ар-деко»; геометрических орнаментов в костюмах по эскизам Л. Бакста для Русских сезонов — с супрематическими и конструктивистскими тканями. Первые беспредметные рисунки появились еще в 1910-е гг. под влиянием футуризма и супрематизма. Футуристы (прежде всего Джакомо Балла) и после войны разрабатывали образцы тканей и одежды с геометрическими рисунками.

В 1920-е гг. в интерьерах «ар-деко» были популярны декоративные ткани Р. Дюфи, также представленные на Выставке декоративного искусства в Париже. Р.Дюфи, который начал разрабатывать рисунки для тканей еще в 1910-е гг. для П. Пуаре, использовал свой опыт живописца — во второй половине 1900-х гг. он принадлежал к группе фови- стов. В рисунках тканей Дюфи соединял стилизованные формы и яркие цвета, добиваясь выразительного декоративного эффекта.

Новые идеи декоративного оформления пространственного окружения человека возникли в супрематизме. Мысль о замене традиционного декора абсолютными геометрическими формами принадлежала К. Малевичу и явилась логическим следствием развития концепции супрематизма: «Супрематизм начал свой выход в предметный мир, не превращаясь из плоскостного в объемный, а разрывая рамки картины. Супрематические элементы выходили из картины в предметный мир не в реальное. а в иллюзорное пространство, которым могла стать поверхность любых предметов» [1] . Попытки внедрить новый декор в повседневный обиход были предприняты супрематистами еще до революции. Эскизы вышивок с абстрактными мотивами для дамских сумок, шалей, папок для бумаг, отделки платьев, авторами которых были К. Малевич, О. Розанова, И. Пуни, Л. Попова, Н. Удальцова, А. Экс- тер, Е. Прибыльская, Г. Якулов и др., экспонировались на выставках художественной индустрии и декоративного искусства в 1915—1917 гг. Газета «Раннее утро» писала о Второй выставке современного декоративного искусства, организованной в Москве в декабре 1917 г.: «Вторая выставка современного декоративного искусства (салон Михайловой) составлена с большим вкусом. Все вышивки исполнены по эскизам художников крестьянами села Вербовки (Киев. губ.). Большинство художников, по эскизам которых исполнены вышивки, примыкают к «левым» течениям. Любопытно, что публика, возмущающаяся их картинами, охотно раскупает подушки, переплеты и т.д., которые очень часто являются чуть ли не точной копией картин «супрематистов» [2] .

В 1920 г. в Витебске эти попытки получили логическое завершение: супрематизм стал концепцией единства мирового творчества, концепцией «нового образа Земли» и «вышел» в предметно-пространственную среду в виде плоскостного орнамента на поверхности предметов — стен, посуды, тканей, одежды. В витебских Государственных свободных художественно-промышленных мастерских изготавливались образцы тканей по эскизам К. Малевича, Н. Суетина, И. Чашника с «супрематическими узорами» — «орнаментом 1920-х гг.». К. Малевич разрабатывал и эскизы «супрематических платьев», которые должны были стилистически соответствовать новому окружению человека, быть частью новой среды обитания. Проекты Малевича представляли собой традиционные формы одежды с супрематическим декором.

Александра Экстер, начинавшая как живописец-кубофутурист, затем обратившаяся к беспредметной живописи, близкой конструктивизму, новое ощущение построения пространства претворила в театральных декорациях и костюмах для постановок Камерного театра А. Таирова «Фамира Кифаред» (1916), «Саломея» (1917), «Ромео и Джульетта» (1921), а также в эскизах бытового костюма. Театральные костюмы А. Экстер были совершенно новым явлением — они представляли собой жесткие трехмерные объекты, своеобразные движущиеся цветные скульптуры. Известный критик Я. Тугендхольд написал о сценографии «Саломеи», что «костюмы Экстер не «нарисованы» и «сшиты», но сконструированы. из различных поверхностей так же, как и ее декорации. она задумывает свои костюмы почти всегда динамически. точкой отправления ее при создании того или иного костюма является то или иное доминирующее движение по сцене данного персонажа, его ритм, его темп — согласованный с общим ритмом и темпом всей пьесы. Костюмы Экстер — это и есть застывшие в линиях и красках человеческие ритмы» [3] .

Читайте также:
5 способов носить пуховик стильно

Экстер создала конструктивистские костюмы для балетов Э. Крюгер и для кинофильма «Аэлита». Это были костюмы-конструкции, каркасы из простых геометрических форм, в которые было заключено тело актера (рис. 3.10). Экстер здесь не отделяла одно от другого: костюм от образа. Она придумывала не костюм, а персонаж.

Рис. ЗЛО. А. Экстер. Рисунки из журнала «Ателье», 1923 г. (а).

А. Экстер. Эскиз костюма Аэлиты, 1924 г. (б)

Опыт театрального художника чувствуется в эскизах индивидуального платья, созданных А. Экстер для Мастерской современного костюма и Ателье мод «Москвошвея» в 1922—1923 гг.: в декоративности цветового и пластического решения, в ассоциациях с историческими костюмами, которые Экстер использовала как творческий источник, продемонстрировав блестящий дар стилизации. Мотивы костюма Древнего Египта или костюма эпохи Возрождения она трансформировала в остросовременные формы, в которых угадывалась динамика 1920-х гг.

На Западе одежду с абстрактным декором разрабатывали не только итальянские футуристы, но и С. Делоне (рис. 3.11). Соня Делоне (Терк) родилась в 1885 г. в Одессе, обучалась живописи в Петербурге, затем в Германии. С 1905 г. жила в Париже, где училась в Академии Ла Палетт. В 1910 г. вышла замуж за французского художника Робера Делоне, который разработал теорию «симультанного искусства».

С. Делоне применяла положения этой теории в своем творчестве, создавая еще до Первой мировой войны беспредметные композиции (их друг — французский поэт Г. Аполлинер придумал для этих «симультанных» композиций термин «орфизм»). Во время Первой мировой войны, находясь в Испании и Португалии, она познакомилась с С. Дягилевым. В 1917 г. вместе с Р. Делоне она разработала декорации и костюмы для балета «Клеопатра» вместо сгоревших во время гастролей в Латинской Америке декораций Л. Бакста.

Рис. 3. 77. С. Делоне в модели из ткани с «симультанным» рисунком (а). Дж. Балла. Эскиз футуристического костюма, 1914 г. (б)

В 1920 г. С. Делоне создала костюмы для оперы «Аида» для театра Лисео в Барселоне, в которых, как и в костюмах для «Клеопатры», использовала беспредметный декор. Эти театральные работы пробудили у нее интерес к возможностям применения геометрического орнамента в современной одежде. В 1922—1925 гг. С. Делоне придумывала модели платьев и шелковых шарфов с «симультанными» рисунками.

В 1925 г. во время Всемирной выставки декоративного искусства совместно с Ж. Эймом С. Делоне открыла на мосту Александра III «Симультанный бутик», в котором продавались ткани и модели одежды с абстрактными рисунками. Такие ткани выпускали лионские фирмы «Бьянкини-Ферье» и «Родье». Огромный поток заказов побудил С. Делоне открыть в 1925 г. свое ателье мод, выпускавшее модели платьев из тканей с геометрическими рисунками, вышивками и аппликациями. Оно существовало до 1931 г. Во второй половине 1920-х гг. подобные модели, как и «футуристические» платья Дж. Балла, считались самыми авангардными. С. Делоне пользовалась славой как колорист, создавая выразительные цветовые сочетания для вышивок и декора моделей, в которых чувствовалось влияние украинского народного костюма (в раннем детстве она жила в Полтавской губернии).

С. Делоне, как и К. Малевич, мечтала о том, чтобы одеть весь мир в новые орнаменты. Р. Делоне писал об этом в 1923 г.: «Для Сони платья или пальто являются частью пространства, имеющего определенные размеры, форму и содержание. Она создает органичное целое по законам, ставшим обязательными для ее искусства» [4] . Одна из ее идей — автомобиль, разрисованный «симультанными» рисунками, составляющий единый ансамбль с платьем. С. Делоне выпускала альбомы с рисунками для тканей. Эти ткани очень напоминали супрематические ткани и ткани русских конструктивистов.

В Париже в 1920-е гг. был дом моды, который специализировался на оформлении интерьеров и изготовлении моделей с абстрактным декором (как правило, аппликациями) по эскизам П. Пикассо, Ф. Леже, Ж. Миро и др., — «Мырбор». Основала этот дом моды супруга французского сенатора Мария Куттоли. В отделе моды «Мырбор» несколько сезонов работала русская художница Н. Гончарова.

В Баухаузе в Германии (первой дизайнерской школе на Западе) на текстильном отделении проектировали декоративные ткани и ковры с абстрактными геометрическими орнаментами. Беспредметный декор воспринимался тогда не только как «самый модный орнамент», но и должен был заменить традиционный изобразительный декор. Это входило в программу функционализма — нового художественного направления, родившегося в 1920-е гг.

Авангардный принт на тканях начала 20 века

На развитие дизайна в начале XX века огромное влияние оказал европейский художественный авангард. Благодаря ему на смену модерну пришел холодный и бессодержательный стиль формальных абстрактных конструкций. К европейскому авангарду начала XX века обычно относят такие направления, как абстракционизм, кубизм, футуризм (все три в Европе), конструктивизм (в России). Авангард стал революцией в искусстве, и это во многом было отражением революционных процессов, которые происходили тогда в Европе и России. Авангард стал поиском нового искусства для нового общества, переживающего революционные преобразования.

Кубизм – первая ласточка авангарда. Его рождение связывают с именем Пабло Пикассо и работами, датированными 1907–1914 годами. Радикальным отступлением Пикассо от предшествующей художественной традиции был отказ от перспективы и иллюзии пространства, а с ними – и уход от предметности, содержательности живописи. Пикассо восстал против привычек человеческого зрения. Вместо перспективы – вывернутый на плоскости за счет геометрического «разложения» объект во всех его измерениях. Теперь мы видим объект целиком, однако он немедленно и странным образом начинает исчезать. Пикассо искал новых горизонтов видения через эксперименты с чистой формой. И потому кусочность и геометрическая нарезка его картин первым делом заставляют зрителя отказаться от привычки смотреть, и видеть предмет, привычные формы, а также повествование или сюжет, которые заставили бы зрителя испытать некие чувства. Пикассо нередко использует коллажи и задействует в них самые разнообразные материалы (всегда обычные и доступные) для моделирования иного, интеллектуального зрения. Смотрящий на его работы как бы обнаруживает (не без удивления!) различные модальности зрения кроме той, к которой он привык. Его визуальный опыт вдруг решительно расширяется. Возникает эстетический эффект «зримого ради зримого», «визуальности ради визуальности».

Читайте также:
Как улучшить цвет кожи лица

Элемент интеллектуальности зрения усиливается и абсолютизируется в абстракционизме. Это направление в истории представлено группами «Де Стейл» (De Stijl, Голландия) и «Синий всадник» (Германия). Первым идейным абстракционистом историки считают русского художника, участника группы «Синий всадник» (1911) Василия Васильевича Кандинского (1866–1944). В его живописных работах (серия композиций 1910–1912) и философских текстах (книга «Касаясь духовности искусства», 1911) уже ясно присутствует абстрактность как основа чистого искусства, лишенного всякой конкретной предметности и претендующего достижение высот духовного опыта. Для Кандинского абстрактное искусство – духовная игра, забава, пренебрегающая реальностью. Он считал, что искусство принадлежит современной ему эпохе и отражает ее на самом глубинном уровне. Поэтому нет смысла подражать классике, идеалам прошлого, потерявшим свою актуальность. Художник обязан творить современное оригинальное искусство.

Близок к Кандинскому идейно и по духу нового искусства был еще один великий русский художник – Казимир Малевич (1878–1935). Малевич предложил свой термин – супрематизм – для искусства, основанного на беспредметном конструировании абстрактных чистых форм. Его эксперименты в живописи, его «архитектоны» – супрематические композиции, переведенные в трехмерные скульптуры – оказали огромное влияние на все развитие европейского авангарда

Голландская группа «Де Стейл» (De Stijl, «Стиль») была основана в 1917 году известным художником Тео ван Дусбургом (1883–1931). В нее входили живописцы, архитекторы, артисты, поэты, дизайнеры, видевшие в абстракционизме новый универсальный язык искусства. Важным объединяющим началом группы служил одноименный журнал, который выходил с 1917 по 1931 год. В манифесте «Де Стейл» (1918) был провозглашен отказ от естественных природных форм в пользу простых и упорядоченных геометрических конструкций. Один из лидеров группы – Пит Мондриан – предложил термин «неопластицизм» (новое пластическое искусство) для характеристики стиля Де Стейл. Мондриан считал, что следует исключить из искусства естественную человеческую чувствительность и восприимчивость. Только элементарные абстрактные формы на плоскости, только чистые цвета (синий, красный, желтый, черный, белый), их баланс и гармония могут выразить индустриальную культуру современного общества (Иллюстрация). Геррит Томас Ритвелд – ярчайшая фигура в голландском дизайне – перевел абстракционизм де Стейл в уникальные дизайнерские проекты. Его мебель (например, знаменитое «Красно-синее кресло») и сегодня можно увидеть в музеях современного искусства. Ритвелд смело экспериментирует с плоскостями, контрастно подчеркивает их пересечение цветами и «узлами».

Европейский авангард невозможно представить без футуризма – еще одного влиятельного направления в революционном искусстве начала XX века. Футуризм (от слова «future» – будущее) был столь же многообразен, как и абстракционизм. Среди футуристов мы встречаем поэтов (В. Маяковский считал себя футуристом), художников, музыкантов, режиссеров. Это интернациональное движение, однако зародилось оно в Италии в 1910 году. Футуризм заявил о себе манифестом, автором которого является Филиппо Маринетти. Манифест провозгласил решительный и деструктивный отказ от всей предшествующей художественной традиции (сжечь и затопить музеи как кладбища искусства) и начало эры нового искусства – искусства будущего. Главное, что вдохновляет футуристов – это развитие техники. «Новый кентавр» – человек на мотоцикле является образцом сращивания человека и технологий. Это образ будущего, где все подчинено технике и ее движущей силе. В футуризме присутствует момент почти религиозного поклонения движению и технике. Форма и формообразование должны подчиниться этому принципу первичности движения. Мир – это динамика. Ее воплощение – мчащиеся поезда, самолеты, автомобили. Именно эти образы в контексте воображаемого фантастического будущего, преображенного технологиями, стали основой футуристической графики. Человек в этом мире есть всего лишь маленький послушный винтик в громадной социо-технологической машине. Влияние футуризма на культуру XX века огромно, однако он дискредитировал себя тем, что в 30–40-х годах слился с официальной идеологией итальянского фашизма.

Европейский авангард предопределил направления развития дизайна в Европе, что произошло во многом благодаря его влиянию на образовательные стандарты первых школ дизайна.

Русский авангард

Как Малевич, Кандинский, Родченко, Татлин, Ларионов и «бубновые валеты» создали радикально новое искусство XX века

В марте 1915 года коллекционер Сергей Щукин, по слухам, купил с выставки «Трамвай В» работу Владимира Татлина, сколоченную из деревянных плашек. Некоторые исследователи сомневаются в факте покупки, но Щукин ее не опро­вергал, несмотря на широкую огласку события. Публика удивлялась и него­довала, в газете было напечатано ехидное письмо по поводу приобретения за большие деньги — цитата — «трех старых, грязных досочек». Но это озна­чало, что собиратель с безошибочным нюхом почувствовал в том новом искусстве, которое в сферу его интересов вовсе не входило.

Читайте также:
Флаконы для духов и хрусталь баккара – фото и история

Термин «авангард» для нас совершенно привычен, но в 1910-е годы он не был в ходу. Тогда чаще употреблялись слова, которые подчеркивали либо оппози­ционность искусства — «левые художники», либо новизну искусства, его вре­менной вектор — «будущники», «будетляне», «футуристы». Слово «футуристы» было главным, потому что оно интернациональное: были, например, и италь­янские футуристы, их лидер Маринетти приезжал в Россию. А после револю­ции термин «футуризм» стал распространяться на всех левых художников, и, например, критик Абрам Эфрос писал: «Футуризм стал официальным искус­ством новой России», имея в виду весь авангард.

Филиппо Томмазо Маринетти. 1909 год Wikimedia Commons

Примерно понятно, когда авангард появляется и заявляет о себе — в 1910-е; известны и его главные имена. Но довольно трудно это понятное в нескольких словах сформулировать. Вот, например, в авангардной живописи множество беспредметных версий, от экспрессивной абстракции Кандинского до супрема­тизма Малевича. Но целиком он никак не сводится к абстракции. Скажем, Ларионов, Гончарова, Филонов, и не только они, почти или совсем не отступа­ли от изображения предметного мира. А что касается художественной услов­ности, то ее мера не поддается простым подсчетам — так, чтоб сказать, что вот с этого места уже авангард, а раньше еще нет. Авангард — это разнообразие языков и концепций: и индивидуальных, и коллективных. индивиду­альная стилистика очень часто становится групповой, у крупных фигур есть адепты, ученики. И всё вместе это среда. И как раз через среду, через принятые в ней нормы поведения авангард можно попробовать охарактеризовать.

Это совершенно новый тип поведения — вызывающий, нарочито грубый. Своего рода поэтика хамства, «маяковская» интонация — оскаленное «вам» и «нате». Конечно, в первую очередь принято эпатировать буржуа, чей вкус, чье отношение к искусству и вообще жизненные принципы заслуживают лишь пощечин. Скажем, в кафе «Бродячая собака» посетителей с деньгами, за счет которых заведение существует, пренебрежительно именуют «фармацевтами» и всячески третируют. Но не церемонятся и со «своими». Глава итальянских футуристов Маринетти говорил, что художнику необходим враг — манифесты итальянского футуризма и выдержаны в терминах войны. Историю русского авангарда тоже можно представить как историю ссор и взаимных подозрений. Владимир Татлин даже днем плотно занавешивает окна своей мастерской, потому что ему кажется, что Малевич подглядывает и крадет идеи. Паранойя, конечно, но характерная. Ольга Розанова обвиняет Малевича в плагиате; она пишет: «Весь супрематизм — это целиком мои наклейки, сочетание плоско­стей, линий, дисков (особенно дисков) и абсолютно без присоединения реаль­ных предметов, и после этого вся эта сволочь скрывает мое имя». Михаил Ларионов придумывает название «Бубновый валет», но в объединении с этим именем уже не будет ни его, ни его жены Гончаровой: случилась, как писали в газетах, «ссора хвостов с валетами». В начале 20-х годов Кандинский иници­ирует создание Инхука — московского Института художественной культуры, и совсем вскоре группа конструктивистов во главе с Александром Родченко оттуда его изгоняет. То же самое было в Витебске: Марк Шагал приглашает туда Эль Лисицкого, тот приглашает Малевича, после чего Шагалу приходится Витебск покинуть. Прежде ситуация конфликта никогда не выглядела столь тотальной.

Преподаватели Витебского народного художественного училища. 26 июля 1919 годаСидят (слева направо): Эль Лисицкий, Вера Ермолаева, Марк Шагал, Давид Якерсон, Юдель Пэн, Нина Коган, Александр Ромм; стоит делопроизводительница училища. Wikimedia Commons

Но прежде и история искусства не протекала с такой скоростью. Течения в ней плавно сменяли друг друга, и если даже не плавно, то с понятной траек­торией, — а теперь она помчалась галопом. только что казавшееся новым резко объявляется отсталым: ведь авангарду, чтобы быть, нужен арьер­гард. Как писал Маяковский, «наш бог бег». Движение происходит в режиме постоянных открытий, и поэтому важно заявить свое первенство — «это мое, это я придумал», — чтобы инновацию не присвоили конкуренты. Заявить манифестным образом.

Авангард — время манифестов и деклараций. Художники пишут их, пытаясь объяснить свое искусство и обосновать свое главенство и в конечном счете свою власть. Слово — бойцовское орудие, иногда булава, иногда кувалда. Но при этом редкий художник умеет писать ясно. Часто это, если воспользо­ваться выражением Хлебникова, «самовитое слово»: шаманское, доходящее порой до полной глоссолалии Глоссолалия — речь, состоящая из бессмыс-ленных звукосочетаний; часто о глоссолалии говорят в связи с религиозным экстазом. . А раз тексты манифестов загадочны, как заклинания, то смысл их во многом зависит от интерпретации тех, кто их читает.

Это тоже увязывается с общим состоянием дел в мире: ведь вся жизнь теряет определенность, устойчивость, разумность. В ней уже не работают законы классической механики, где действие равно противодействию. Теперь парал­лельные прямые непонятным образом сходятся. От человека теперь можно ждать всего, поскольку скрытое в его душевных безднах бессознательное спо­собно заглушить голос сознания. Вышедшие в начале XX века книги Зигмунда Фрейда «Толкование сновидений» и «Психопатология обыденной жизни» даже в безоблачном детстве заставили прозревать подавленный сексуальный кошмар, и Первая мировая война, подтверждая это новое знание о человеке, окончательно обесценила ключевые понятия традиционного гума­низма. В 1915 году Альберт Эйнштейн публикует свою общую теорию относи­тельности, с которой начинается эра тотального релятивизма; теперь ничто уже не является окончательно достоверным и безусловно истинным. И худож­ник уже даже не говорит «я так вижу» — он обретает право сказать «я так хочу».

Сама живопись, которая прежде удовлетворялась традиционным понятием о картине как окне в мир, теперь ограничиться им не может. Потому что в этом окне ничего стабильного уже не обнаруживается — там пустоты, провалы и черные дыры, текучий мир непонятных энергий. Вещи сорвались с мест, распались на части, и есть соблазн собрать их заново совершенно иначе. Новое искусство пытается освоить этот мир непосредственно, нарушив понятие гра­ницы. Поверхность картины вспучивается, на ней появляются коллажные наклейки, в живопись вторгаются реальные предметы — собственно, жизнь и вторгается. Потом это назовут словом «ассамбляж», а пока что называют «живописной скульптурой». И у таких попыток соединить искусство с реально­стью — большое будущее, они пройдут через весь XX век. Одна из самых ради­кальных — реди-мейды, готовые предметы, выставленные в качестве произве­дений, вроде писсуара «Фонтан» Марселя Дюшана. Но на русской почве такого не случится. Возможно, потому, что планетарные амбиции как раз такому шагу препятствуют. В отечественном авангарде силен метафизический привкус — и он не про вещи.

Читайте также:
Почему надо купить купальник в стиле инопланетянки

Несмотря на многообразие концепций, в авангарде можно выделить два глав­ных вектора, которые не столько отрицают, сколько дополняют друг друга. Например, вектор Малевича — мироустроительный: речь идет уже не о пре­образовании искусства, но о преобразовании мира через форму и цвет. Мале­вич — безусловный харизматик и великий стратег, он подходит к своей дея­тельности как человек демиургической воли — с намерением изменить все. А рядом существуют разные формы органического авангарда — ненасильствен­ного, призывающего не менять природу, а прислушаться к ней: у Матюшина, Филонова, отчасти у Татлина. Татлин, считающийся родоначальником русско­го конструктивизма, вслушивается в голос материала, дорожит им. Его контр­рельефы — объемные композиции из деревянных, металлических и даже сте­клянных частей, прикрепленных к доске, — крайне радикальны в расставании с традиционной картинной плоскостью, и одновременно они обладают и каче­ством почти даосско-буддистского смирения перед природной данностью де­рева или железа. Существует легенда о том, как Татлин выбил стул, на котором сидел Малевич, предложив ему посидеть на абстрактных категориях формы и цвета.

Владимир Татлин. Угловой контррельеф. 1915 год State Russian Museum / Bridgeman Images / Fotodom

Первые авангардные открытия были сделаны не в России, а на Западе. Напри­мер, французский фовизм Анри Матисса, Андре Дерена и других и ранний ку­бизм Пикассо и Брака выходят на арену почти одновременно — в 1905–1906 го­дах; тогда же оформилось первое объединение немецких экспрессионистов — группа «Мост». Фовистский период потом будет у Ларионова с Гончаровой и у Малевича, хотя в целом фовизм на русском искусстве сказался не очень сильно. Кубизм, наоборот, повлиял очень значительно — и на многих, но соединился с влиянием итальянского футуризма, который сформировался к 1909 году — тогда был опубликован первый футуристический манифест Маринетти. Кубофутуризм — русское слово и русское явление. А экспрессио­низм, чью стилистику можно иногда заметить у Ларионова и Давида Бурлюка, важен для России, потому что в его становлении существенную роль сыграл Василий Кандинский, художник настолько же русский, насколько и немецкий. Именно он в 1911 году вместе с Францем Марком организовал в Мюнхене экс­прессионистскую группу «Синий всадник».

Казимир Малевич. Женщина с ведрами. 1912 год Wikimedia Commons, MoMA

О Кандинском стоит сказать отдельно. Он — пионер беспредметности: первой абстрактной картиной считается его «Картина с кругом» 1911 года. Свои аб­стракции он делит на импрессии, импровизации и композиции; первые вдох­новлены впечатлениями от реальности, во вторых выплескивается бессозна­тельное, а композиции — это вещи продуманные, срежиссированные. В дея­тельности Кандинского сильна символистская подоснова — и в картинах, и в трактате «О духовном в искусстве», где он пытается описать воздействие тех или иных цветов на сознание. «Цвет, — пишет он, — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу». Примерно в том же направлении исследовал природу цвета Михаил Матюшин.

Авангардный стиль в одежде: экстравагантные наряды современных дизайнеров

Авангардный стиль сначала появился в архитектуре и культуре. Как стиль одежды он зародился в 20-е гг. в Японии. Авангардный стиль представлял собой японский взгляд на европейскую одежду. Для данного стиля характерны прямые геометрические силуэты, либо, наоборот, бесформенные. Это – игра форм, демонстрация очень интересного силуэта и кроя.

Авангардная мода – понятие, описывающее передовые, нетрадиционные, экстравагантные течения в моде, не вписывающиеся в общепринятые нормы.

В настоящее время редко встретишь чистый стиль, стало модно миксовать стили. И это гораздо интереснее, потому что дает простор для творчества. Существуют некоторые правила, какие стили можно смешивать. Например, драма хорошо сочетается со спортом, романтика с женственным, спортивный с женственным, классику, напротив, очень трудно сочетать с другими стилями. Но каждый человек может придумать свои сочетания. Если Вы одеты во все серое, это может значить, что Вы не обращаете внимание на одежду, либо, что более вероятно, просто стремитесь слиться с серой массой. Обратите внимание, творческие люди одеты самобытно, интересно и креативно. Ведь одежда – это одно из средств самовыражения, которое не стоит игнорировать.

Основной цвет – черный, аскетичный цвет, цвет в виде фона для восприятия модели. Таким образом, выразительность моделей достигается не за счет цвета, а за счет линий, формы, кроя. В авангардном стиле используются все технологически новые ткани, сетка, бумага и картон. Этот стиль – для ярких и творческих людей, которые стремятся выделиться из толпы.

Читайте также:
Джинсы – push up, популярная модель 2021

Первое направление авангардного стиля – минимализм. Здесь используются только простые материалы, простая единообразная форма и монохромность. В минимализме, как правило, используется не более одного цвета в костюме, в основном, черный, белый и серый. Для минимализма характерны простота силуэта, чистота линий, монохромность, минимум деталей, рисунков.

Второе направление- концептуализм. Это одежда ради одежды, не для того, чтобы ее носить, а ради самореализации автора, который воплощает в своей коллекции какую-либо идею, концепцию. Одежда может быть изготовлена не только из ткани, но и из любого материала, как, например, бумага, целлофан, металлические пластины.

И третье направление авангардного стиля – деконструктивизм. Мне хотелось бы подробнее рассмотреть это направление авангардизма!

Деконструктивизм, деконструкция / англ. Deconstruction – разрушение/ – понятие, применяемое в моде с середины 1980-х и в 90-е гг., для описания творчества ряда дизайнеров, относящихся к интеллектуалам мира моды и оказывающим значительное влияние на процессы в ней происходящие. Как движение в моде Д. родился в 1986г. Идеологами движения выступили Рей Кавакубо и Хельмут Ланг, первоначально подвергшиеся критике за свои коллекции. Термин заимствован из филосовского течения- постструктурализма. Дизайнеры разрушили традиционные представления о форме, функциональности и границах одежды. Они склонны рассматривать одежду как форму чистого искусства , как объект проведения эксперимента по формообразованию или обработке материалов. Деконструктивизм- это обнажение конструкции, кроя изделий, разрушение привычных форм, нетрадиционное использование обычных материалов и поиски новых технологий. Часто используется ассемитричность в крое и композиции одежды, многослойность , необработанные края, неопределенные цвета, подчеркивающие асексуальность. Дизайнеры творят обычно в стиле унисекс. На развитие Д. оказал влияние японский дизайн. В этом направлении работают Йоджи Ямамото, Мартин Марджела, Анн Делемеестер и др.

  • Японской моде нет еще 40. Она самая молодая из существующих и, естественно, самая дерзкая. Бесстрашие Кензо (Кэндзо) Такада, Ёдзи (в привычном русском прочтении Йоджи) Ямамото, Иссеи Миякэ, Рей Кавакубо, совершивших переворот в европейской фэшн-эстетике в 80-е годы, поражает не только историков моды, но и современных дизайнеров, живущих в эпоху абсолютной свободы и вседозволенности. В каждой коллекции культовых фигур ХХ века можно найти что-то исключительное и совершенно невообразимое: скажем, немыслимое сочетание форм и орнаментов у Kenzo, уходящая в бесконечность многослойность моделей Yohji Yamamoto, фантастическая плиссировка у Issey Miyake или чудовищное обращение с вещами, которые в Comme des Gar выворачивают наизнанку, рвут, перекраивают, оставляют незаконченными и т.д. Кажется, все дело в отчаянно смелой экстравагантности. Но это не так.

Дело в исключительно свежем взгляде на европейский костюм. Японские дизайнеры с великим трепетом относятся к кроеной одежде и, разбирая классическое платье, всегда доходят до самой сути, основы, начала, до той точки, где можно любоваться самой идеей, например, швом. Самая простая, будничная деталь костюма в произведении японского дизайнера может стать главной, стилеобразующей и наоборот, важная, с привычной для нас точки зрения, может оказаться совершенно незначительной и даже вовсе ненужной. Застежки не обязательно должны застегивать платье, они могут просто его украшать. Мода становится по-настоящему непредсказуемой. И перестает быть торжественно серьезной: японские дизайнеры обладают не только уникальным чувством стиля, но и тонким чувством юмора – гигантской шляпе эпохи модерна, придуманной Йоджи Ямамото настолько большой, что ее приходится держать над головой дамы нескольким мужчинам, вооруженным длинными шестами, мог бы позавидовать Сальвадор Дали.

В 1981 г. в неделе прет-а-порте в Париже впервые приняли участие Ёджи Ямамото и Рей Кавакубо. Их коллекции вызвали шок в мире моды. Одни восприняли модели японцев как карикатуру на европейскую одежду, другие стали их горячими поклонниками, воспринимая эту одежду не как атрибут моды, а как произведение искусства, в котором выражена новая философия одежды. Тогда стиль коллекций японцев называли «destructuree look». Позднее это направление в дизайне одежды получило название «деконструктивизм».

Сам термин, который широко распространился в мире моды в начале 1990-х гг., был заимствован из философии постмодернизма. М.Хайдеггер считал, что деконструкция является способом нового восприятия жизни и образом мышления новой эпохи, для которого характерны свободная ассоциативность и отказ от рационализма. В эпоху постмодернизма самовыражение возможно только путем присвоения традиции, нового комбинирования уже известного, разрушения другого. Децентрация означает исчезновение в постмодерне понятий «центра», господствующей, «высокой» культуры. Деканонизация — борьба с традиционными ценностными центрами. Основным методом этой борьбы является деконструкция (разрушение) центрированных структур, моделей сознания и самосознания человека, общества, культуры. Соответственно в области дизайна деконструкция означает критическое и ироническое отношение к правилам и авторитетам, новую интерпретацию традиций, разрушение канонов. Метод деконструкции в дизайне можно воспринимать и как разрушение привычных связей, ведущее к созданию нового образа. Разложение целостного первоисточника на элементы, оперирование фрагментом, вырванным из контекста, стало характерным признаком метода «цитат» — одного из самых распространенных в эпоху постмодерна методов создания нового. Проектирование превращается в своеобразную игру с фрагментами, когда соединяется несоединимое, рождаются парадоксы и новые образы. В дизайне одежды это проявляется в отказе от традиций: замене ансамбля комплектом (т.е. происходит переход от закрытой системы к открытой, способной к трансформации), стирании оппозиций между различными ассортиментными группами, в функциональной трансформации вещи, в отказе от канонов «хорошего вкуса». В современной моде почти не существует строгих прежде разграничений между одеждой для дня и для вечера, для отдыха и для работы; элементы профессионального костюма проникли в повседневную одежду. Традиционные вечерние ткани (бархат, атлас, парчу) активно используют в повседневной одежде, а твид, фланель, кожа и трикотаж проникли в нарядную одежду.

  • Метод деконструкции заключается в новом подходе к моделированию одежды, который представляет собой свободное манипулирование формой и посадкой изделия на фигуре. Работы японских дизайнеров оказали сильнейшее влияние на модельеров Европы, которые с интересом использовали асимметричный крой, неровные края одежды; разрывы, всевозможные прорези и дырки; деление конструкции на правую и левую половины; инверсию (швы наружу, лацканы на спине, застежки в нетрадиционных местах, вытачки «на лицо»); элементы незавершенности; нарушение традиционной технологии. Особый интерес представляет использование инверсии (от лат. Inversio – перестановка) – метод проектирования «от противного», метода «переворота», зачастую абсурдной перестановки. Этот метод зачастую используется при деконструкции, так как разрушает привычные приемы моделирования одежды. Некоторые примеры применения этого метода:
    • Сумки с множеством наружных карманов, но пустые внутри;
    • Двухсторонние пальто. Плащи, костюмы, жилеты, которые можно носить на обе стороны;
    • Превращение нижнего белья в верхнюю одежду;
    • Вынесения лейбла фирмы на лицевую сторону изделия и т.д.
Читайте также:
Духи и парфюмерная вода от парфюмера Орельена Гишара

Инверсия способствует всестороннему развитию гибкости мышления дизайнера и позволяет получать совершенно новые, порой парадоксальные решения. Например, воротники и лацканы располагаются внизу изделия, рубашка и галстук превращаются в юбку, брюки надеваются на руки, как кофта, стеганная одежда в виде обнаженного тела и др. Особенно часто этим методом пользуются молодые дизайнеры, создающие модели для различных конкурсов, включая международные, в качестве дипломных проектов.

В 2000 – 2001 гг. деконструкция изменилась в сторону большего разрушения привычных комплексов одежды:

  • Блузы, майки, куртки с одним рукавом;
  • Брюки с одной штаниной;
  • Куртка только с левой или правой половиной;
  • Куртки без спинки, со съемными рукавами;
  • Половина юбки плюс одна штанина;
  • Половина юбки;
  • Жакет переходящий в купальник, и др.

Изменились способы ношения одежды. Сказалось сильное влияние стиля «гранж»: нарочитая небрежность, наслоение вещей с разной длиной. «Гвоздем» моды 2001 г. стал прием сильной поперечной сборки не только в трикотажной одежде, но и на брюках, жакетах платьях, юбках, в рукавах, которые «засучиваются» до локтя.

Немного подробнее о Рей Кавакубо.

Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) родилась в Токио в 1942 году. Она закончила престижный университет Кэйо по курсу философии. Сразу после окончания учебы Рей стала работать в текстильной компании “Asahi Kasei”.

В 1969 году Рей решила выпускать коллекции одежды под собственной маркой, назвав ее “Comme des Garcons” (от фран. – подобно мальчикам).

Одним из наиболее любимых цветов модельера является черный. Однако помимо основного, черного цвета, в ее первых коллекциях также присутствовали серый и бежевые цвета.

В 1973 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) уже официально регистрирует компанию Comme des Garcons Cо. Ltd. Спустя 2 года, она выпускает свою первую коллекцию и открывает бутик в Токио.

Первоначально, Рей занималась разработкой только женских коллекций. Только в 1978 году появилась ее первая мужская линия одежды. Также, в этом году был презентован аромат “Comme des Garcons Homme”, что ознаменовало запуск парфюмерной линии Дома моды.

Модели, создаваемые японским модельером, отличаются деконструктивным стилем. Одежда “Comme des Garcons Homme” характеризуется ассиметричностью, многослойностью, отсутствием или наоборот гиперболизацией каких-либо элементов.

В 1980 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) переезжает в Париж. Уже через год, она начинает представлять свои сезонные коллекции одежды класса “Prt-a-Porte” в столице моды.

Дом моды Рей быстро развивался и приобретал статус полноценного международного участника индустрии моды. В результате, в 1982 году “Comme des Garcons” стал членом парижского синдиката высокой моды (Paris Syndicate of High Fashion and Ready-Made Clothes). Модели из коллекций, созданных Рей стали экспонироваться на специализированных выставках по всему миру. В 1983 году Рей получает награду “Mainichi Newspaper Award” от газеты “Mainichi”.

В 1987 году “Journal de Textile” признал Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) лучшим дизайнером. Через 4 года, она получает титул Кавалера Ордена Искусств и Литературы (Chevalier de l”Ordre des Arts et des Lettres).

В 1997 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) получает почетную степень доктора в Королевском художественном колледже в Лондоне (Royal College of Art).

Коллекции Рей отличаются зачастую бесформенностью и излишней деформированностью. Во многом, это обусловлено тем, что дизайнер придерживается правил японской эстетики, где несовершенство считается признаком чего-то живого, настоящего. В результате, Рей создает скорее арт-объекты, которые являются, прежде всего, объектами культурного наследия ее родины и восточного воспитания. Даже создавая ароматы, Рей старается нарушить привычные законы создания и восприятия аромата. Например, в 1998 году “Odeur 53 by Comme des Garcons” отличался полным отсутствием традиционной структуры, то есть наличием начальных, серединных и конечных нот. В его состав входили 53 запаха неорганический материалов: огня песка, кислорода и других. Выпущенный в 2000 году “Odeur 71”, уже состоял из 71 запаха, таких как, например, запах факсового тонера и чернил.

Главное отличие работы этого мастера, заключается в новизне каждой коллекции. Автор как будто каждый раз заново рождается и познает мир.

Модели Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) являются частью коллекции Лондонского музея современного искусства.

Сегодня, Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) является единственным владельцем “Comme des Garcons” и официальным лицом компании. Она также регулирует основные направления ее деятельности.

Изменились способы ношения одежды. Сказалось сильное влияние стиля «гранж»: нарочитая небрежность, наслоение вещей с разной длиной. «Гвоздем» моды 2001 г. стал прием сильной поперечной сборки не только в трикотажной одежде, но и на брюках, жакетах платьях, юбках, в рукавах, которые «засучиваются» до локтя. Итак, Рей Кавакубо:

Читайте также:
БЖД куклы, игрушки для взрослых – фото и история

Ткань лен — описание полотна, фото текстуры, виды и их свойства, отзывы

На ярлыке, указывающем на состав материала, термин linen понятен каждому потребителю. Он означает, что текстиль произведен из льняных волокон, принадлежащих группе натуральной пряжи растительного происхождения.

В Советском Союзе материал пользовался популярностью и широко применялся в швейной индустрии и в изготовлении предметов технического назначения. Совершенствование технологий позволило улучшить эксплуатационные качества льняных полотен. Один из модных экологичных трендов в фешен-индустрии.

  1. Немного истории происхождения ткани
  2. Производство льняного полотна
  3. Характеристики
  4. Свойства
  5. Показатели
  6. Описание
  7. Как выглядит лен
  8. Состав
  9. Текстура
  10. Плюсы и минусы
  11. Виды льняных тканей
  12. Натуральный
  13. Бесшовный
  14. Полулен
  15. Технический
  16. Меланжевый
  17. Вишер
  18. Грубый плотный
  19. Со стрейчем
  20. Тонкий лен
  21. Тонкое полотняное
  22. Что можно пошить изо льна
  23. Вопросы и ответы
  24. Уход за льном
  25. Отзывы

Немного истории происхождения ткани

Лен по праву считают универсальной культурой: из него производят текстильные материалы, лекарственное сырье, пищевые добавки (семя) и продукты (масло), веревки и технические изделия.

Жители современных территорий Швейцарии и Германии возделывали лен в каменном и бронзовом веках. Здесь волокно применялось преимущественно для изготовления рыболовных снастей и веревок. Интересно, что в Древнем Египте существовала особая технология производства ткани из льняной пряжи. Текстиль был настолько тонким, что легко проходил через перстень, и просвечивал.

Известно также, что на Руси лен обрабатывался славянскими племенами задолго до образования государства Киевская Русь. В те времена культивирование и ткачество применяли для собственных нужд. И только в XIII веке ткани стали изготавливать для товарного обмена. В XIX веке благодаря французскому механику Филиппу Жирару, разработавшему технологию получения тонкого льняного волокна механическим способом, в России была создана мануфактура, поставляющая текстиль на экспорт. К концу XIX столетия треть выручки от поставок товаров в другие страны поступала в казну за счет продажи таких полотен.

В СССР материал относился к группе рядовых в то время как в Европе считался тканью премиум класса. Возрождение льняного производства в современной России стало одной из задач, поддерживаемой на законодательном уровне.

Производство льняного полотна

Лен (linen) что это за ткань, и каким способом ее производят, стоит рассмотреть подробно. Технология изготовления, методы отделки и окрашивания соответствуют требованиям ГОСТ 15968 – 2014, принятым в РФ и странах СНГ.

Прессованные скирды отправляют на производство, где из растительного сырья изготавливают длинную пряжу — первичную ленту-ровницу. Предварительно сырье подвергается трепанию и чесанию с целью отделения примесей. Затем первичные нити соединяют по 4 – 6 в единую ровницу.

Промежуточный этап — мокрое прядение. Он заключается в пропуске ровницы через нагретую воду (температура 50°С) для размягчения пектинов. Затем ленту вытягивают, получая гладкое волокно. Из полученных нитей ткут полотна. На заключительном этапе их отбеливают и окрашивают при необходимости (в зависимости от назначения).

ГОСТ строго определяет использование красителей и добавок к тканям, предназначенным для пошива детских вещей, а также процент каждого компонента для смесовых материалов.

Характеристики

Для описания свойств материала недостаточно рассмотреть ткань лен фото. К тому же на многих снимках некоторые виды хлопка во многом напоминают этот текстиль по способу ткацкого переплетения и фактуре. Текстура льна на качественном фото имеет отличительные черты, но не передает тактильных ощущений.

Для тех, кто серьезно относится к выбору одежды и домашнего текстиля, и тех, кто занимается швейным делом, важно знать характеристики льняных тканей. Они изложены в таблице ниже:

Свойства

Показатели

Скорость впитывания влаги Средняя
Воздухопроводимость Выше средней
Паропроницаемость Оптимальная (выше средней)
Электризуемость Умеренная
Сторона Двухлицевое переплетение (за исключением жаккардовых полотен)
Способы окрашивания и отделки Отбеленные, гладкокрашеные однотонные полотна, набивные (редко), жаккардовые
Показатели износостойкости и прочности на разрыв Высокие
Текстура полотна Слегка шероховатая поверхность, не скользящая
Сминаемость Высокая
Драпируемость Хорошая
Осыпаемость срезов Значительная
Производители Россия, Беларусь, Италия, Бельгия, США
Стандартизация ГОСТ 15968 – 2014
Цена Выше средней: от 590 р. за 1 метр для смесовых видов, и от 890 р. и выше для 100% льняных

Описание

Ткань лен, описание: полотно тонкое, плотное с шероховатой матовой поверхностью. Имеет свойство незначительно накапливать статическое электричество, не накапливает пыль. Хорошо пропускает воздух, обладает оптимальными показателями паропроницаемости. Льняная ткань согревает в холодное время и охлаждает в жару — демонстрирует терморегуляторные свойства.

Льняные ткани в 5 раз прочнее материалов из хлопка. Натуральные неокрашенные полотна серые, бежевые, молочные. В некоторых случаях оттенки обозначают “цвет лен”, и это же понятие применяют в отношении других видов текстиля. Волокна трудно поддаются окрашиванию.

Как выглядит лен

Схожесть материала с натуральным хлопком затрудняет определение состава. Для того чтобы различать два вида ткани, необходимо знать по каким признакам производят оценку:

  • в отличие от хлопчатобумажных полотен при визуальном осмотре поверхность льна слегка поблескивает. Х/б отличается матовостью;
  • по тактильным признакам: льняное полотно жестковатое на ощупь, при касании дает ощущение прохлады;
  • цвет: неотбеленные материалы имеют оттенки слоновой кости, беж, древесной коры, различные гаммы светло-серого;
  • по структуре волокон. Выдернутая из образца ткани ниточка имеет острый кончик. У хлопковой материи он будет распушенным.

Состав

Разделяют три основных вида по составу:

  • чистый лен (100%);
  • лен (92%);
  • полулен (не менее 30%).

Натуральный материал из 100% льна обладает антисептическим свойством. Один из востребованных видов по показаниям экологичности и гипоаллергенности.

Читайте также:
Джинсы – push up, популярная модель 2021

Характеристики смесовых материалов:

  1. Полулен. В классическом варианте — это смесь льняных и хлопковых нитей в равном процентном соотношении. Демонстрирует плюсы обеих видов пряжи, ткань восприимчива к окрашиванию, более мягкая и менее прихотлива в уходе.
  2. Смешанные виды с добавлением искусственного сырья — вискозной пряжи. Отличаются высокой эстетичностью, легче и мягче драпируются.
  3. Синтетические волокна в составе делают ткань более упругой и растяжимой. Снижают показатели усадки и сминаемость. Облегчают уход. Например, лавсан внешне схож с натуральным льном, и при этом смесовый материал не мнется, легко разглаживается. Процент синтетических добавок колеблется от 33 до 60.

Белорусский лен отличается по фактуре от материалов отечественного производства. Обусловлено это тем, что в стране культивируется до 15% растения, остальное поступает из Европы. По той же причине стоимость льняных полотен белорусских фабрик несколько выше цен на текстиль российского производства.

Текстура

Текстура льна выражена, и при визуальном осмотре видна даже на фото образца. При производстве материи применяется преимущественно полотняный тип плетения. Для бельевых и интерьерных видов текстиля используют мелкоузорчатый (рогожка) и жаккардовый способ. Для повышения износоустойчивости применяют саржевый тип ткацкого переплетения.

Благодаря текстуре лен часто применяют для вышивки в стиле хардангер и изготовления мережек.

Плюсы и минусы

Популярность и востребованность ткани определена ее преимуществами. Самым важным из них является экологичность материала. К другим плюсам относятся такие свойства:

  • оптимальные гигиенические показатели: способность проводить воздух (ткань “дышит”), паропроводимость, гипоаллергенность, антисептический эффект;
  • прочность на разрыв;
  • долговечность;
  • стойкость к истиранию;
  • изделия из ткани слабо электризуются;
  • достойный внешний вид.

Из недостатков отмечают такие качества:

  • сминаемость;
  • высокая усадка под воздействием температуры ≥ 60°С;
  • жесткость;
  • отсутствие эластичности;
  • высокая цена;
  • требует специального ухода.

Виды льняных тканей

Из льняной пряжи изготавливают несколько видов ткани. Они отличаются способами производства, отделки и назначением.

В изготовлении полотен технического назначения применяют нити, полученные сухим способом прядения № 5, 6 (бортовка, мешковина, брезент и др.)

Натуральный

Натуральный лен — полотно, сотканное из нитей растительного происхождения без добавления других волокон. Наиболее распространенные образцы: портьерные, бельевые, одежные и интерьерные ткани. Имеют существенный недостаток: легко мнутся и образуют трудно разглаживаемые заломы.

Бесшовный

К данной группе относится текстиль с максимально гладкой и однородной структурой. На вид трудно определить, что это натуральный лен. Иногда на лицевую поверхность наносят металлизированное напыление. Цветовая палитра подвида очень разнообразна.

Полулен

Добавление натуральных, искусственных и синтетических волокон упрощает уход за изделиями из этого материала. Наиболее популярна комбинация льна и хлопка. Их процентное содержание выражается в равных частях (50х50).

Комбинирование с лавсаном и вискозой снижает усадку, делает материю не мнущимся. По стоимости такие виды дешевле натурального.

Технический

Льняное полотно с грубой текстурой и высокими показателями плотности называют техническим или террасным. В его производстве используют толстые неоднородные волокна. Такое полотно невозможно разорвать. Для прядения нитей используют очес, полученный на первичном этапе обработки сырья.

Меланжевый

Для изготовления меланжевых видов применяют нити утка и основы разных оттенков, или окрашенные в разные цвета. Такой материал выглядит эффектно и благородно.

Вишер

Лен-вишер — это смесовый текстиль с хлопковой пряжей. Обладает эластичностью, прост в уходе, по долговечности не уступает 100%-ой материи.

Грубый плотный

Грубые плотные полотна отличаются повышенной износостойкостью и низкой истираемостью. Могут иметь в составе незначительный процент синтетических волокон.

Со стрейчем

Относительно новые виды ткани — лен и полулен с добавлением эластана, их появление продиктовано модой. Стрейчевые нити обеспечивают растяжимость и оптимальную посадку изделиям.

Тонкий лен

К данной группе относится несколько подвидов текстиля: батист, дамаск и марлевка. Их используют в пошиве предметов бельевой группы, легких блузок и туник. Отличаются низкой плотностью и гладкой фактурой.

Тонкое полотняное

Подвид вспомогательных материалов: бортовка и мешковина. Для производства применяют нити неоднородной фактуры чаще всего стопроцентного состава. Способ ткацкого переплетения — простой (полотняный).

Что можно пошить изо льна

Разнообразие видов по плотности и составу обеспечило материалу широкую сферу применения. Из тонких легких тканей шьют детскую одежду и летние изделия для взрослых:

  • платье;
  • сарафаны;
  • юбки;
  • брюки;
  • костюмы;
  • рубашки;
  • блузы, туники;
  • жакеты и пиджаки;
  • постельное белье.

Плотный гладкий материал подходит для пошива офисной одежды, преимущественно летней. В ней комфортно в любую жару. Рыхлые тяжелые материи идеальны для изделий в стиле бохо.

Натуральные и смесовые с хлопком льняные ткани используют в изготовлении комплектов постельного белья, пошиве штор, скатертей, салфеток, кухонных полотенец и других предметов обихода.

Вопросы и ответы

Уход за льном

Перед стиркой допустимо замачивание изделия. Температура воды при этом не должна превышать 40 градусов.

Отзывы

— Прежде чем выбрать ткань для постельного белья, изучила свойства льна, его описание и отзывы. Цена высокая, поэтому пришлось мотивировать выбор. В итоге получилось несколько комплектов для семьи. Трудно гладить, если материал пересушен. В остальном все устраивает. Комфортно и уютно.

— Летние вещи из льняной ткани невозможно сравнивать с одеждой из других материалов. Платья и костюмы классических фасонов и модели в стиле бохо сегодня на пике популярности. Главное, что они не вызывают аллергии и обеспечивают комфорт в жаркую погоду.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: