СтильКак возрождаются легендарные дома моды начала XX века
Paul Poiret, Vionnet, Schiaparelli, Charles James и другие дома моды, вернувшиеся из небытия
- Олеся Ива , 5 ноября 2014
- 11964
- 1
закрытые по разным причинам легендарные марки по-прежнему таят в себе огромный потенциал, благодаря которому привлекают новых инвесторов. Так, дом моды легендарного Поля Пуаре, закрытый в 1930 году, недавно был выставлен на продажу. До 28 ноября потенциальные покупатели могут заявлять свои предложения цены через онлайн-аукцион, организованный нынешним владельцем бренда, французским предпринимателем Арно де Люмменом, за плечами которого успешное возрождение дома Vionnet в 2006 году и перезапуск старинного французского производителя сумок и чемоданов Moynat. Рассказываем подробнее о нем и еще о пяти домах, перезапуск которых стал долгожданным или, наоборот, неожиданным.
Автор: Жансая Толеухан
Paul Poiret
Поль Пуаре — последователь и ученик родоначальников кутюра, двух главных модельеров XIX века: Чарльза Фредерика Ворта и Жака Дусе. Первый стремился упразднить кринолины, предлагая на замену им юбку со шлейфом, а Дусе цитировал искусство Востока и шил так называемые домашние чайные платья. Пуаре, начавший свою карьеру в их ателье, продолжил развивать их идеи, а свой дом моды основал в 1903 году.
Пуаре освободил женщин от корсета и стал важной фигурой для более раскрепощенных в одежде femmes libérées. Кутюрье изменил не только фасоны того времени, но и стандарты женской красоты. С желания женщин хорошо выглядеть в его платьях началась мода на тонкую спортивную фигуру, не скованную корсетом, — в 1905 году он предложил рубашечный покрой женского платья, а затем наряды с ориентальными мотивами. На волне ошеломительного успеха гастролей «Русского балета» в Европе с постановкой Дягилева «Шехерезада» Пуаре, большой поклонник театрального искусства, начал внедрять восточные мотивы.
Яркие цвета, изящные узоры, шаровары и туники, расшитые золотыми нитями, тюрбаны, украшенные жемчугами и дорогими перьями, с восторгом были встречены европейскими женщинами. Среди клиенток прославленного мастера была и Айседора Дункан, которая называла его не иначе, как гением. Еще одно изобретение Пуаре — узкая «хромая юбка» (так называемая hobble skirt), напоминающая хвост русалки, которая позволяла передвигаться только мелкими шажками и вызвала ажиотаж среди клиентов. Носили ее с широкополой шляпой с перьями. Поль Пуаре еще и первый модельер, выпустивший собственную марку духов в 1911 году, назвав их в честь своей старшей дочери Розин. Вдобавок Пуаре был маркетологом: дизайн флакона, упаковку и рекламу он придумал сам.
После Первой мировой войны интерес к работам Пуаре угас. Его модели, символизировавшие вечный праздник, становятся неуместными для послевоенного времени, а бренд Пуаре не выдерживает конкуренции с новыми домами моды, среди которых и Chanel. Решительно не желавший создавать простую одежду, Пуаре был вынужден закрыть свой дом в 1930 году. Последние дни Пуаре провел в бедности и умер в 1944 году. Интерес к работам Пуаре возродился в 50–60-е годы с подачи его вдовы и музы Денизы Пуаре — винтажные вещи дизайнера начали расти в цене, выставки его творчества собирали толпы почитателей, а коллекционеры скупали всё, что было связано с его именем. Но о настоящем возрождении бренда можно будет говорить лишь после аукциона в конце ноября 2014 года. По словам его нынешнего владельца Арно де Люммена, называющего легендарные закрытые бренды «спящими красавицами», Пуаре настолько известен по всему миру, что может привлечь инвесторов даже с пока неизвестных нам рынков.
Jean Patou
История модного дома Jean Patou полна взлетов и резких падений. Основанный в 1912 году дом моды вынужден был прервать свою работу в 1914 году в связи с началом Первой мировой войны. Накануне военных действий Пату успел продать последнюю коллекцию практически целиком американскому байеру и уйти на фронт. Вновь дом Жана Пату был открыт в 1919 году. Как показала история, наиболее значимые изменения в моде (впрочем, как и в других сферах) происходят именно после войн: охваченные ликованием, люди жаждут больших перемен. И олицетворением таких перемен стал Жан Пату.
Именно вещи Пату стали основой гардероба девушек-флэпперов 20-х годов и подспорьем для появления андрогинных силуэтов. Укоротив привычные юбки в пол, он одним из первых выставил напоказ женские ноги и создавал не только красивую, но и удобную одежду, в том числе и спортивную: наряду с Коко Шанель и Эльзой Скиапарелли Пату работал над созданием женских вещей для игры в теннис. Именно в его плиссированной юбке французская спортсменка и чемпионка Сюзанн Ленглен выиграла золото в Антверпене в 1920 году. Пату как один из родоначальников спортивной одежды верил, что новаторский стиль заключается в атлетическом силуэте.
Новаторские идеи Пату пользовались большой популярностью среди либеральных американцев, что пошатнуло стабильность его бизнеса после краха Уолл-стрит в 1929 году. Пережить экономический кризис компании Пату помогла его другая инновационная идея — парфюмерная линия, которая остается на плаву многие десятилетия спустя: его самый известный аромат Joy производят до сих пор. Вернуть же былое величие одежде под маркой Jean Patou в разные годы пробовали Марк Боан, Карл Лагерфельд и Жан-Поль Готье.
Возглавивший дом Jean Patou в 1981 году Кристиан Лакруа вернул компании известность и высокие доходы. Но и за этим взлетом последовало стремительное падение, а в 1987 году после ухода Кристиана Лакруа, решившего основать собственный бренд, дом Jean Patou был закрыт. Через 25 лет после закрытия бренду суждено было снова возродиться — за его реанимацию взялся нынешний вице-президент дома Бруно-Жорж Коттар. Правда, пока сложно предположить, насколько успешной будет деятельность марки, ведь, как известно, историческое наследие — еще не гарантия успеха.
Vionnet
История дома Vionnet начинается в 1912 году. Основательница бренда француженка Мадлен Вионне совершила революцию в моде своим уникальным косым кроем платьев, благодаря которому ткань ложилась волнистыми складками, а вещи идеально повторяли изгибы женского тела. Прежде чем открыть ателье, она, как и Пуаре, набиралась опыта в ателье Жака Дусе. Не умевшая рисовать, Вионне создавала платья, которые строила с точностью архитектурного чертежа, драпируя каждый раз по-новому ткань прямо на манекене: первостепенным принципом кутюрье было создавать одежду по фигуре.
Ее вдохновляли античность и балетные наряды Айседоры Дункан, она хотела упразднить корсеты и утверждала, что концепция освобождения женского тела принадлежала именно ей, а не Полю Пуаре. Хотя, скорее всего, идея просто витала в воздухе: ее приписывали себе многие модельеры. В 1920-е годы в ее работах появляются отсылки к Востоку и кубизму, она цитирует кимоно и создает геометричные платья из трех основных форм: прямоугольника, квадрата и круга. Во многом благодаря тому, что Вионне одной из первых начала нанимать манекенщиц, профессия моделей стала престижной. Дефилировали модели без корсетов, босиком или в сандалиях. На время Первой мировой войны бизнес был свернут и возобновлен уже с новым размахом в 1922 году. Вслед за парижским ателье на авеню Монтень Вионне открыла собственный магазин в Нью-Йорке на Пятой авеню, где готовые платья клиенткам подгоняли по фигуре. В 1929 году численность сотрудников дома достигала 1200 человек.
С началом Второй мировой войны в 1939 году дом моды Vionnet был закрыт. Спустя 49 лет компания была куплена бизнесменом Ги де Люмменом, а в 2006 году его сын Арно де Люммен предпринял попытку возрождения былого величия бренда. К работе над маркой привлекли греческого дизайнера Софию Кокосалаки, которая известна мастерством драпировки. Затем на ее место пришел Марк Одибе с опытом работы в Prada и Hermès. Однако нанятый для этой цели арт-директор Марк Одибе не смог добиться поставленной задачи. Не справился с ней и следующий дизайнер марки — Родольфо Пальялунга, который сейчас возглавляет дом Jil Sander.
В 2009 году дом моды у семейства де Люммен приобрел наследник итальянской династии Маттео Марзотто, на счету которого уже был перезапуск Valentino в начале 2000-х. В 2012 году бренд выкупила Гога Ашкенази и лично заняла кресло дизайнера, пригласив в кутюрную линию Хуссейна Чалаяна, который параллельно работает над собственной маркой. Видение Чалаяна во многом похоже на стиль Мадлен Вионне. «Есть вещи, которые нужно сначала создать, а потом зарисовать», — говорит Чалаян, использующий в своих моделях сложный многослойный крой и многочисленные драпировки.
Schiaparelli
Работы основательницы Schiaparelli и создательницы понятия коммерческой готовой одежды, итальянки Эльзы Скиапарелли можно назвать реформаторскими. Соперница Коко Шанель изменила отношение к трикотажной одежде — ее черный вязаный пуловер с геометричными рисунками (от банта до черепа) совершил революцию в моде в 1927 году и стал бестселлером в Америке, где Эльза впоследствии открыла множество бутиков. Наравне с Жаном Пату и Коко Шанель она развивала идею спортивной одежды и ready-to-wear в моде, показывая в своем бутике Pour le Sport в конце 20-х годов теннисные платья, юбки-брюки, купальники и наряды для катания на лыжах. Кроме того, она одной из первых использовала застежку-молнию для своих платьев. К 30-м годам на нее трудилось более двух тысяч сотрудников.
Эльза более всего известна как дизайнер-сюрреалист, чьи экстравагантные идеи используют до сих пор. Увлечение сюрреализмом и дадаизмом в 30-е годы находило у нее отражение то в пуговицах в виде леденцов и арахиса, то в сумках в виде музыкальных шкатулок или шелковом платье с лобстерами, нарисованными Сальвадором Дали. Этим сотрудничество с Дали не ограничивалось: он рисовал для нее рекламные афиши помад и духов, а Эльза конструировала вещи по его эскизам — например, шляпу-ботинок. К послевоенным требованиям ей, как и многим дизайнерам того времени, было непросто адаптироваться. И хотя основанная ею в 1928 году парфюмерная линия имела успех и некоторое время помогала развивать дом, в 1954 году дом моды Schiaparelli был закрыт.
В 2007 году бренд купил владелец Tod’s Диего Делла Валле, но камбэк Schiaparelli отложился вплоть до 2014 года, хотя одна из попыток возрождения Schiaparelli была на счету Кристиана Лакруа. В итоге лишь в прошлом январе на Неделе высокой моды в Париже новый креативный директор дома Марко Занини представил первую кутюрную коллекцию возрожденного дома
весна-лето — 2014. Марко Занини умело работает с архивами дома (monkey fur пришел в моду благодаря Скиапарелли, и с ним же работает Занини) и уже в двух коллекциях доказал, что сюрреализм и театральность — именно то, чего не хватает современной моде. Как минимум симпатии Тильды Суинтон обновленный дом моды уже заработал.
Charles James
Несмотря на свое британское происхождение, Чарльз Джеймс известен как первый американский кутюрье. Начав карьеру с маленького шляпного магазинчика в 1926 году, Чарльз Джеймс заслужил звание одного из величайших дизайнеров всех времен. Не последнюю роль в этом сыграла Великая депрессия. После кризиса Уолл-стрит многих парижских кутюрье в Америке обложили 90-процентной пошлиной и им пришлось свернуть свой бизнес, а их место заняли местные дизайнеры. Среди них был и Чарльз Джеймс, и еще ряд знаковых кутюрье эпохи: Мэйн Бохер, Элизабет Хоз и Мюриэл Кинг.
Чарльз был не просто модельером или скульптором, но архитектором. К примеру, стеганый жакет, созданный дизайнером в середине 30-х годов в дополнение к вечернему костюму и названный Сальвадором Дали «мягкой скульптурой», стал прародителем современных стеганых курток, присутствующих даже в гардеробах людей, далеких от моды. Помимо стеганых курток визитными карточками Джеймса стало бальное платье «Четырехлистный клевер», которое было практически инженерным сооружением. Платье состояло из четырех слоев: подъюбника из тафты, жесткой нижней юбки, нижний юбки клиньями и верхнего платья. Двигаться в нем было затруднительно, но выглядело оно умопомрачительно.
Дискомфорт женщин не останавливал дизайнера, скрупулезно создававшего предметы искусства из ткани: его бальные платья могли весить до 8 кг. Чарльз Джеймс в какой-то степени был фанатиком и перфекционистом: он мог переделывать одну и ту же модель по несколько раз, выверяя с математической точностью каждую деталь, подолгу работать над идеальным кроем рукава и потратить на это кучу денег. В 50-х годах карьера Чарльза Джеймса пошла на спад, и причиной тому стало его нежелание принимать изменения в моде. Джеймс не смог смириться с наступлением эры массового производства и отказаться от сложного кроя ради удешевления моделей. А долги и неуплаченные налоги заставили его окончательно покинуть мир моды в 1958 году.
В 2014 году мир снова заговорил о марке Charles James. После бала, организованного Институтом костюма Met Gala в честь легендарного кутюрье, было объявлено, что возрождением марки займется американский кинопродюсер и сооснователь Miramax Films Харви Вайнштейн — он заключил договор с детьми Чарльза Джеймса на покупку лицензии с возможностью последующего приобретения бренда. Возвращение марки планируется под управлением креативных консультантов: сооснователя и дизайнера Marchesa Джорджины Чапман и ее брата, президента Marchesa, Эдварда Чапмана.
Бренд IRFE основан в Париже в 1924 году русскими эмигрантами: племянницей Николая II Ириной и ее мужем Феликсом Юсуповым. Сложенные начальные буквы их имен и дали название аристократическому во всех смыслах дому. Будучи когда-то клиентами парижских модных домов, чета Юсуповых знала секреты высокой моды, а в создании коллекции принимали участие их друзья и родственники. Несмотря на классический дизайн, их наряды в Париже демонстрировали андрогинные модели à la garçon, а на уме у кутюрье была разработка спортивной одежды. В 1926 году IRFE представил собственную парфюмерную линию из четырех ароматов: Blonde — для блондинок, Brunette — для брюнеток, Titiane — для шатенок и Grey Silver — для женщин «элегантного возраста». В отличие от других домов IRFE прямо назвал цвет волос и уделил внимание немолодым женщинам, посвятив один из ароматов императрице Марии Фёдоровне.
Экономический кризис конца двадцатых сказался на многих секторах мировой экономики, и в 1931 году IRFE, вслед за многими другими компаниями, пришлось объявить о банкротстве и закрыть все свои филиалы. Однако парфюмерная линия бренда просуществовала вплоть до начала 60-х, а одно из платьев дома попало в Институт костюма музея Метрополитен в Нью-Йорке.
Возвращение марки после 90-летнего перерыва произошло в некоторой степени благодаря историку моды Александру Васильеву. Из его книги «Красота в изгнании» о доме узнала Ольга Сорокина, а после встречи с внучкой Юсуповых Ксенией Шереметевой-Сфири взялась за возрождение легендарного дома моды. В прошлом году, к 400-летнему юбилею дома Романовых, обновленный дом IRFE сделал свой первый шаг — на Парижской неделе моды состоялся показ его новой коллекции. На сегодняшний день креативная команда дома старается не только сохранить, но и осовременить коллекции IRFE.
Мода 20 века: самые яркие события
Прошлое столетие было самым красочным и ярким, таким, что до сих пор дизайнеры и дома моды вдохновляются коллекциями прошлого для создания новых. Все, что мы носим сейчас, пришло к нам из моды 20-ого века. Вот сидите вы сейчас дома, читаете эту статью и даже не подозреваете о том, что ваши яркие лосины пришли в моду из 80-х, впервые футболку создали в Америке в 40-х, а фривольный молодежный стиль появился в 60-х годах.
Первый период, мода начала 20 века: 20-е – 30-е годы
Эмансипация оказала большое влияние на одежду людей того времени. Женская мода в начале 20 века – это воплощение стиля модерн и «прекрасной эпохи». Образ женщины нес нечто неземное, казалось будто каждой особе были чуждой земные проблемы, рутина, быт и любая физическая работа. Отличительными особенностями моды были:
- мужские костюмы на девушках;
- применение косого кроя, который делал фигуру идеальной;
- некая вульгарность, вычурность, которая четко прослеживалась в нарядах.
- самым ярким законодателем женской моды начала 20 века стала легендарная Марлен Дитрих – настоящая икона стиля.
Второй период, 30-е – 40-е годы
Вторая мировая война внесла свои коррективы не только в жизнь людей, но и оказала влияние на моду и стиль. Отличительные особенности того времени:
- простота, которая сменила вульгарность;
- удобство и комфорт;
- на смену изысканности и роскоши пришли простые решения, например: колье с легкостью заменяли на элегантные платочки; чулкам предпочитали гольфы.
В этот период вступило ограничение по использованию тканей для изготовления одежды. Была серьезная нехватка тканей и haute couture в Париже были вынуждены несколько снизить активность. Представьте, даже шпильки для волос исчезли из продажи – женщинам даже нечем было заколоть волосы.
Единственная радость того времени – шляпки. Дело в том, что ограничения не коснулись материалов для аксессуаров, потому на пике популярности оказались шляпы и тюрбаны довольно смелого дизайна. Шляпы помогали дамам выделиться и проявить индивидуальность, а также отлично скрывали неприбранные волосы и добавляли одежде элегантности.
Третий период, 40-е – 50-е
Мир был полон надежд на светлое будущее. Эталоном красоты стали девушки с тонкой талией и выделяющимся бюстом. Основные особенности того времени:
- подчеркнутое декольте;
- облегающие талию наряды;
- высокие шпильки;
- украшение одежды стразами и узорами.
Кристиан Диор стал наиболее яркой личностью того времени, он сумел вернуть женщинам их изысканность и чувственность, подарил миру новый стиль и новое видение женского образа.
Период четвертый, 60-е годы
История моды 20 века особо выделяет этот период. За это десятилетие происходит настоящая культурная революция. Основными особенностями 60-х стали:
- Новое явление – молодежная мода. Теперь в качестве основы для коллекций дизайнеры использовали идеи, которые черпали прямо на улицах.
- Мини. Мэри Куант произвел настоящий фурор. Именно ему модницы благодарны за стильные платья, которые идеально подчеркивают длинные ноги. Немногим позднее Пьер Карден внес свою деталь в данный образ – высокие сапоги.
- Руди Гернрайрх – легендарный дизайнер, благодаря которому появился стиль «Унисекс», купальники без верха. Еще одно его достижение – модели, которые демонстрировали прозрачные блузки без бюстгальтера.
- Хиппи. В конце 60-х это течение стремительно набирало обороты. Яркие цвета, комфортная одежда, удобство и свобода.
Период пятый, 70-е годы
В семидесятых мода в 20 веке полностью переворачивается. Молодежная экзотика сменяется итальянской женственностью и оригинальностью. Основные отличия того времени:
- сдержанность в одежде;
- успешные сочетания комплектов: юбок и блузок, пиджаков и брюк;
- стиль «Диско»: оригинальные массивные украшения, яркий макияж, сумасшедшие цвета в одежде.
Конец 20 века: мода 80-е годы
В 2013 и 2014 годах этот уже ретро-стиль копируют многие дизайнеры. Образы молодой певицы Мадонны вновь популярны, и молодежь вновь выбирают ее иконой стиля.
- в это время популярными стали слепящие оттенки;
- стильными были признаны слегка «мешковатые», свободные наряды;
- многие женщины выражали в своей одежде агрессивную сексуальность;
- все увлекаются аэробикой и повсеместно носят яркие боди и лосины;
- необычайно яркий макияж и химическая завивка;
- кроссовки на платформе, туфли с острым носом и ботфорты.
Этот период стал одним из самых веселых и даже можно сказать сумасшедших.
Законодатель моды
Самой значительной фигурой ХХ века признана Коко Шанель. Именно благодаря ей удалось внедрить в женский гардероб строгие мужские брюки. От ее дизайнерских разработок отталкивались все известные личности мира моды ХХ века, а ее «маленькое черное платье» не потеряет своей актуальности никогда.
Запишитесь на онлайн-курсы стилистов и узнайте все о моде и стиле.
История Домов высокой моды в фотографиях начала XX века
Автор: Горюшкина Наталия
Фото: Азарова Надежда для портала Осинка.ру
Продолжаем нашу прогулку по выставке “Мода в зеркале истории” из коллекций известного историка моды и коллекционера Александра Васильева и Музея Москвы. Сегодня мы поговорим о моде XX века – времени революций и потрясений, прорывов и открытий – как в политике и науке, так и в моде. Как же все это отразилось на модных тенденциях той эпохи? Давайте посмотрим в этой статье.
Мода в зеркале истории. XX век начинается!
Продолжаем нашу прогулку по выставке “Мода в зеркале истории” из коллекций известного историка моды и коллекционера Александра Васильева и Музея Москвы.
И вот мы дошли до XX века – времени революций и потрясений, прорывов и открытий – как в политике и науке, так и в моде. Как же это интереснейшее время отразилось на модных тенденциях той эпохи? Давайте заглянем в следующий зал музея.
XX век для России начался с триумфа: на Всемирной парижской выставке 1900 года в Русском павильоне не иссякал поток посетителей – всех интересовала такая далекая и неизвестная Россия. Мировое признание получили работы русского ювелира Карла Фаберже, небывалый успех имела коллекция народных костюмов и вышивок Н. Л. Шабельской, изделия народных промыслов из различных губерний страны.
По итогам выставки французская газета Liberte написала: “Мы находимся еще под влиянием чувства удивления и восхищения, испытанного нами при посещении русского отдела. В течение немногих лет русская промышленность и торговля приняли такое развитие, которое поражает всех тех, кто имеет возможность составить себе понятие о пути, пройденном в столь короткий срок. Развитие это до такой степени крупное, что наводит на множество размышлений”.
Там же обозначился и стиль новой эпохи — модерн (от фр. moderne — современный), его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, “природных” линий, отход от старых технологий, расцвет прикладного искусства. Модерн за короткое время преобразил даже внешний вид европейских городов. За короткий срок в Санкт-Петербурге и Москве было построено множество домов в этом стиле, в том числе Дом компании “Зингер” на Невском (архитектор П. Ю. Сюзор), гостиница “Астория” , Витебский вокзал. Яркими примерами московского модерна являются знаменитые особняки Рябушинского и Дерожинской работы Ф. О. Шехтеля, особняк Миндовского и собственный дом архитектора Л. Н. Кекушева, гостиница “Метрополь”, а также множество других так называемых “доходных домов” начала века, многие из которых считаются архитектурными памятниками.
Рос интерес к народному творчеству, костюму и ремеслам. В северной столице в 1903 году прошла Первая международная выставка исторических и современных костюмов и их принадлежностей. Впервые был устроен и показ мод. Знатные дамы, балерины и актрисы надели платья русских портных. В том же году в Зимнем дворце состоялся грандиозный костюмированный бал в стиле XVII века — эпохи первых царей из рода Романовых.
В нарядных платьях этой поры короткий корсет пока еще утягивал талию, он выгибал стан, образуя S-образный силуэт и создавая, так модную у дам и их кавалеров, “голубиную” грудь. Юбки, напротив, каскадом струились вниз, принимая форму лилии.
Однако на улицах все чаще стали появляться дамы в “tailleur”, напоминавших костюмы для верховой езды. Такой наряд состоял из длинной юбки клеш и приталенного жакета. Под жакет часто надевали блузки (в начале XX века они стали важным элементом женской моды). Платья обычно состояли из двух частей – корсажа и юбки. Вот что пишет “Вестник моды” в 1904 году: “. Рукава кофточек, жакетов и некоторых корсажей стали немного уже, но рукава блуз все еще очень широки; однако, эта ширина начинается теперь немного ниже. “.
Шляпы в это десятилетие были громоздкими, на них располагались целые голландские натюрморты: чучела птиц, цветы – и неизменная вуаль. Но и они постепенно отходили в прошлое, и повлияло на это, как ни удивительно, развитие транспорта. Первые автомобили были открытыми, поэтому огромные широкополые тяжелые шляпы стремились улететь, вуаль путалась перед глазами и мешала, едва только автомобиль набирал скорость. Так постепенно развилась тенденция к переходу на более компактные и удобные головные уборы, к отказу от излишней отделки.
Большой популярностью пользовались веера. Их декор также выполнялся в стилистике модерна, характерными чертами были неровный край и излюбленные цветочные мотивы того времени – маки, ирисы и т.п. После Русско-японской войны 1905 г. в большую моду в России вошло все японское, соответственно, и веера стали часто декорироваться в японском стиле. Но и их время подходило к концу: повсеместное появление электрического освещения на балах и приемах привело к отказу от чадящих свечей и ламп. А вместе с ними отпала и необходимость в веерах.
Но модницы так называемого “серебряного века высших сословий” еще не ведали, что их мир скоро изменится неузнаваемо. Страну ждали грандиозные потрясения: Россия позорно проиграла Русско-японскую войну (1904—1905), а революция 1905 года подкосила царский трон. Важнейшим политическим итогом стало создание в России первого законодательного учреждения — Государственной думы. Менялся старый мир, и вместе с ним уходила и старая мода.
А пока русская элита по-прежнему “купалась в роскоши”, увлеченно обустраивала свои дома, проводила в них электричество, телефонную связь, покупала новинки бытовой техники и стильные предметы домашнего обихода. Модерн меняет внешний вид самых привычных предметов: формы настольных ламп, телефонов, самоваров той поры отличались присущими модерну текучими плавными линиями.
В первое десятилетие XX века в Москве были построены новые дворцы торговли: в 1906 году – “Пассаж Фирсановой” (ныне Петровский) и в 1908 году – универмаг “Мюр и Мерилиз”. Они свидетельствовали о процветании общества, которое со страстью потребляло все новинки.
Дамская готовая одежда, сшитая по заказам универсальных магазинов, пользовалась спросом у покупательниц. Ассортимент костюмов, предлагаемый для клиенток, был широким. После Русско-японской войны в продаже появились даже японские кимоно, которые носили вместо домашних халатов. Зонтики, веера, перчатки, сумки на любой вкус и к любому наряду, туфли и ботиночки, косметика и парфюмерия — весь мир “женских грез” был к услугам покупательниц. Многие вещицы можно было заказать по каталогу с почтовой доставкой – так модные веяния быстро распространялись даже в самые отдаленные уголки Российской Империи.
В России было несколько знаменитых парфюмерных фирм, таких как фабрика Брокар (теперь она называется Новая Заря), поставщик двора; фабрика Остроумова; фабрика Ралле и др. Исторически сложилось так, что находились они не в Петербурге, а в Москве. Многие из них были открыты еще 1850-60-е гг. и, зачастую, были основаны выходцами из Франции после наполеоновского нашествия. Они выпускали мыло, одеколоны, пудры, шампуни, духи, кремы, помады и румяна. Все эти фирмы участвовали во Всемирной выставке в Париже в 1900-м г. и были отмечены дипломами, а духи фабрики Брокар и фабрики Рале получили золотые медали. О высоком уровне парфюмерного дела в России того времени говорит, в частности, такой факт – автор всемирно известных духов “Шанель № 5” Эрнст Бо был до революции парфюмером на фабрике Ралле в Москве.
Многие такие торговые каталоги выпускались с приложениями — руководствами по домашнему рукоделию. Дамы уделяли много времени шитью нарядов и их отделке в виде вышивки, мережки, кружев и аппликации. Большой популярностью пользовались суконные пелерины и полупальто для гулянья. Их также отделывали аппликациями из сутажа и тесьмы, кружева и шелка. Москвички часто покупали их в магазине на Петровке у знаменитой Щеславской.
В престижных частных магазинах была широко представлена и готовая мужская одежда — от шуб, подбитых драгоценным мехом, до визиток и фраков. Многие из вещей шились по заказам самих магазинов, на многих костюмах столетней давности до сих пор сохранились бирки — “Мюр и Мерилиз”, “Торговый дом “Платье” В.П. и Д. Митрофановых”, “Бризак” и др. Приказчики в таких магазинах вежливо обслуживали клиентов, предлагая множество готовых мужских сорочек, цилиндров и котелков, тростей, моноклей, табакерок и кисетов. Постоянно устраивались скидки и распродажи – все это способствовало распространению модных тенденций и в другие слои общества.
Развитие транспорта, науки, связи, индустриальный рост повлияли и на образ жизни населения: он стал более мобильным. Появилась неформальная мужская (а позже – и женская) одежда для путешествий — свободного покроя пиджаки, брюки разной формы и длины, костюмы-тройки из пестрых тканей. Предназначенная первоначально только для отдыха – постепенно такая одежда стала завоевывать место в деловом гардеробе сильного пола, и со временем она превратилась в традиционную одежду XX века.
Все активнее в жизнь людей входил спорт: катание на велосипедах, лыжах и коньках, игра в крикет и теннис – все это требовало особой одежды, свободной, удобной, не стеснявшей тело в движении и функциональной. Естественно, что со временем такие удобные модели стали появляться и в повседневном гардеробе.
Открытое загорелое тело постепенно стало символом активного образа жизни, прогресса – так постепенно в моду входят водные и солнечные ванны, а значит – и появляются специальные костюмы “для отдыха у воды”. Дамы шили их из синей саржи, поверх панталончиков надевали короткую юбочку до колена. Купальные шедевры той поры напоминали детские матросские костюмчики. Позднее в моду вошли и мужские трикотажные купальные костюмы в полоску.
В России регулярно выходили журналы мод. В них, помимо модных новинок, печатались и многочисленные полезные советы по кройке и шитью, уходу за домом, воспитанию детей, обсуждались интимные проблемы, а также размещалась и первая реклама той поры.
Революция 1905 г. в России стала началом женской эмансипации – женщины начинают критически оценивать отведенное им в обществе место. Однако борьба за равноправие полов докатилась до России с опозданием, и, возможно поэтому, не была такой острой, как в Европе. Да, русские женщины стали более активными: начали заниматься спортом, путешествовать, во многих городах открывались женские курсы, женщин стали принимать и в университеты. Женщины стали и более высокообразованными – ведь появилось много чисто “женских” профессий: учительницы, стенографистки, телефонистки (“барышни”, так известные нам по книгам и кинофильмам), секретарши, машинистки и т.д. Увеличилась численность работающих дам – они создали свой dress code для деловой жизни — жакеты, блузки и юбки. Многие такие “интеллектуалки” были против “дамских оков” – корсетов: они никак не вязались с новым мобильным и спортивным образом жизни.
Серьезной критике корсета также поспособствовало изобретение в конце 1890-х гг. немецким доктором Рентгеном хорошо знакомого нам сегодня аппарата, названного его именем. Ведь одним из первых рентгеновских снимков стал снимок женщины в корсете, что позволило врачам с ужасом констатировать, как сильно сжимает и деформирует внутренние органы жесткий и очень узкий корсет начала 1900-х годов.
Важным поворотом в истории моды, стали “Русские сезоны” 1909 года в Париже. Знаменитый импресарио Сергей Дягилев, по выражению французского драматурга Жана Кокто, “привел общественность в экстаз”. Специально для “русских сезонов” им был поставлен одноактный балет “Шехеразада” на музыку Римского-Корсакова, для которого известный художник и иллюстратор Леон Бакст создал весьма откровенные для того времени костюмы – без корсетов и пачек, подчеркивающие тело и эротичную пластику танца.
Историк костюма Александр Васильев пишет в своей книге “Красота в изгнании”: “. Бакст снял корсеты с танцовщиц, одел их в гаремные шаровары и тюрбаны, украшенные эгретами и мерцающим жемчугом”. Постепенно таким “гаремным” стилем увлекся весь Париж – даже в интерьерах появились низкие диваны с горами подушек. Забавно, но художники тех лет часто называли свои шедевры в восточном стиле – “а la russe”.
Таким образом, были созданы предпосылки к революции в моде: в 1910 году произошел гигантский скачок в формах женской одежды. Корсет, перетягивающий фигуру, сдал свои позиции. Танцовщица-босоножка Айседора Дункан, выступавшая в античных туниках, мода на национальный фольклор, распространившаяся в ряде стран Европы, шумные выступления эмансипе, появление нового общественного транспорта – трамвая, – всё это вместе сделали наконец возможным появление нового фасона дамского платья: свободного, без длинного путающегося под ногами и метущего тротуар шлейфа, не деформирующего фигуру, скроенного по античным, восточным или народным образцам.
Дамы с облегчением сняли жестокие корсеты и высокие воротнички, плотно облегавшие шею (даже на ночной рубашке). В русской среде стали распространяться платья нового покроя “реформ” — с завышенной талией, не утянутой корсетом. Модные наряды 1900-х теперь ниспадали с плеч, не фиксируя талию — вычурные наряды прошлых лет ушли в небытие. К новым силуэтам подходили вышивки в народном русском стиле, кружева — вологодские ручной работы и елецкие машинные. К этому времени отечественная промышленность уже освоила их выпуск.
Одним из первых новые модели внедрил выдающийся реформатор женского костюма Поль Пуаре. Изысканные отделки виртуозно использовала и подруга Поля Пуаре — московская портниха Надежда Ламанова, поставщица Двора Ее императорского величества. Она во всем стремилась к уникальности, к художественной законченности создаваемых ею нарядов. Не удивительно, что не только аристократки, но и жены промышленников, актрисы, танцовщицы заказывали в Модном доме знаменитой Ламановой свои модные туалеты.
Большое влияние на моду оказали театр и появившееся недавно немое кино. В модных журналах все чаще стали публиковать фотографии отечественных звезд сцены, за их туалетами публика пристально следила, их личная жизнь, наряды и украшения обсуждались в прессе. Мужчины также восторгались модными красотками, но сами копировали кожаные одежды и трикотажные свитера победителей престижных соревнований “Санкт Петербург – Монте-Карло” (1912, 1913) на автомобилях марки “Руссо-Балт” и русских авиаторов.
Помимо сплетен и “желтой” прессы источником модный веяний в народе по прежнему оставались модные журналы – к концу первого десятилетия века они стали очень доступны. Во многих публиковали и бумажные выкройки, позволяющие сшить понравившийся наряд самостоятельно. Это не могло не отразиться и на модных тенденциях той поры: упрощается крой моделей, их отделка, в моду начинает вторгаться прямая линия. Мода становится как более практичной, так и более демократичной. Однако ручная работа не утрачивает своей популярности и в этот период.
Но внезапно обретённая свобода тела тяготила женщин, отвыкших легко двигаться. В моду входит силуэт “бильярдный кий”. Юбки (их метко называли “юбки-рукава” (jupes-manches)) становились так узки, что ходить в них было почти невозможно.
Но, как писал журнал “Модный свет” в 1912 году: “. Что бы ни говорили противники нынешней “узкой” моды, но в этих узких юбках, обтягивающих бедра, в покатых плечах, в прическах, в шляпках, есть свой стиль, стиль XX века. “
Сто лет моды. Как одевались женщины в 1801 – 1901г.г.
Стоит разговору зайти о моде девятнадцатого столетия, как большинство представит себе белое платье с кружевами и кринолином. Вот только все не так просто. Копнув глубже, можно узнать, что по сути кринолин был в моде всего шестнадцать, а не сто лет, да и белые платья в эпоху кринолина были диковинкой – на пике моды были яркие цвета и орнаменты. Разберемся же в том, что действительно носили дамы XIX века.
1801 – 1828
Платья этой эпохи являются продолжением раннего ампира 1790-х. Талия – очень высокая, прямо под грудь, женщины обычно обходятся без корсетов, а если и носят их, то не затягивают так сильно, как в предыдущие и последующие эпохи. Вырезы на платьях глубокие, чаще квадратные, хотя встречаются и закругленные; рукава – либо простые длинные, либо совсем короткие «фонарики». Нередко встречаются длинные шлейфы, длина юбки варьируется в зависимости от года. Расцветка платьев в основном пастельная, яркие оттенки встречаются куда реже. В качестве верхней одежды для теплого сезона леди пользуются коротенькими жакетами-спенсерами, которые становятся одним из отличительных штрихов ампирной эпохи.
В моде высокие прически с кудрями на висках, для украшения которых дамы часто используются нежные цветки, подчеркивающие легкость и женственность образов. В эти же десятилетия в женской моде появился по тем временам «диковинный зверь» – короткие стрижки а-ля римский император Тит, то есть с мелкими кудряшками. Из конкретно головных уборов носятся «восточные» тюрбаны, шляпки а-ля Памела и объемные чепцы родом все из тех же 1790-х.
1828 – 1838
Эпоха ампира закончилась, но мода на утонченную женственность еще жива, и в это десятилетие писком моды являются пышные юбки, которые, кстати, стали короче – всего до щиколотки – и рукава-буфы, показывающие изящество плеч и шеи. Чаще появляются вечерние платья с открытыми плечами. Талия всё ещё завышена, но уже не так сильно, как в предыдущие тридцать лет, вырезы становятся скромнее, и только преимущественно светлая расцветка остаётся неизменной. Потихоньку входят в моду рюши и кружева.
Прически становятся больше, увеличивается количество кудрей, а пучки появляются самые разнообразные, для украшения прически дамы пользуются перьями страусов. Именно эти десять лет являются той «пушкинской эпохой», о которой столько сказано и написано.
1838 – 1851
С наступление сороковых в свои права вступает романтизм. Юбка становится ещё пышнее, на ней появляется множество складок. Корсет затягивается туже, и немолодые уже модницы с грустью вспоминают о своей ампирной безкорсетной юности. В моду окончательно входят открытые плечи. Платья наконец становятся цветными, очень часто – даже темными, белый теперь надевают только на свадьбу (или выпуск из института), да и прочие светлые цвета оставлены исключительно для торжественных случаев. В начале десятилетия в моду входят шали и национальные платки, прикрывающие нижнюю часть юбки. Изредка встречаются платья с кринолином.
В Англии 1838 год ознаменовывается вступлением на престол королевы Виктории, которая в ближайшие десять-двадцать лет сильно повлияет на моду в Европе. Благодаря её вмешательству из женского гардероба исчезнут огромные шляпы, чепцы станут скромнее. В моду входят прически с гладкими прядями, кудри остаются приданьями старины. Одно из новых веяний – прическа а-ля Клотильда, с косичками около ушей, которая становится популярна благодаря всё той же Виктории, избравшей именно её для своей коронации.
1851 – 1867
В моде окончательно укореняются кринолин и шали на восточный манер. В журналах появляются не только взрослые, но и детские модели платьев. Светлые цвета почти полностью уходят в небытие, используются клетчатая и даже полосатая материи, а для пошива однотонных платьев берут в основном ткани темных цветов, белый же вне свадеб теперь можно встретить только на некоторых «официальных» портретах принцесс. Постепенно наряды «обрастают» всё большим количеством рюш, кружев и цветочков. Не брезгуют дамы и бахромой. Ближе к концу 1850-х в доступе наконец-то появляются искусственные красители и платья вновь обретают цвета.
Приблизительно к 1860 году наступает «кринолиновый бум», подолы некоторых платьев в диаметре достигают 180см. Помимо того, теперь кринолин носят не только дамы из знати, но и вообще все хоть сколько-нибудь обеспеченные женщины. В середине 1860-х изобретаются платья со сменными лифами: днем женщина носит что-то закрытое, а вечером к той же юбке надевает верх с открытыми плечами и руками.
Шляпки в эту эпоху становятся совсем незначительными, прически чем-то напоминают древнегреческие, волосы украшаются диадемами и гирляндами цветов. Стоит отметить, что уже к середине шестидесятых вечерние укладки обязательно открывают шею, переплетения волос становятся гораздо сложнее. Также эту эпоху от предыдущих отличает преднамеренная асимметрия в прическах.
1867 – 1878
Кринолин постепенно сменяется кринолеттом, просуществовавшим не слишком долго, а затем и турнюром. И тот, и другой увеличивают фигуру в области ягодиц, спереди же юбка становится более узкой (с кринолеттом это не слишком заметно, с турнюром – куда заметнее). Рукава тоже сужаются, а вот обилие деталей остается все тем же. Периодически встречаются аляповатые платья, в которых намешано ужасное количество разных украшений, тканей и орнаментов.
В моду снова входят более темные цвета, причем чаще всего почему-то используется синий. Вырезы – достаточно большие, нередко – квадратные. Снова начинают использоваться шлейфы, каблук под платьем становится выше.
В прическах древнегреческие мотивы сменяются средневековыми, появляются первые посылы к тем укладкам, которые будут модны в следующем десятилетии.
1878 – 1891
Популярность турнюров все набирает обороты, теперь их можно встретить даже в детских платьицах. Силуэты модниц окончательно становятся вытянутыми, строгими и узкими спереди, где юбка сужается до смехотворной ширины, но турнюр сзади наоборот увеличивается. Декольте, открытые плечи и даже короткий рукав становятся допустимыми только в вечерних платьях, дневные же скрывают кожу женщины от подбородка до самых кистей рук. И снова в моде темные оттенки…
Прически этой эпохи очень сложные, для их создания нередко пользуются накладными локонами, часто встречаются короткие кудрявые челки. Сзади волосы укладываются петлями или косами.
1891 – 1901
Из моды наконец выходят турнюры, постепенно уменьшавшиеся к концу 1880-х. Им на смену приходят юбки-колокольчики, свободно спадающие и расширяющиеся к низу. Вполне возможно, что целое поколение великосветских дам, с детства носивших турнюры, были удивлены тем, что и без них можно выглядеть женственно, элегантно и изящно. Но радоваться рано. На смену турнюрам приходит другая, тоже диковатая мода – на рукава в стиле «баранья ножка», широкие у плеч, но сужающиеся к локтю. Количество мелких деталей тоже уменьшается. Неизменным в начале десятилетия остается туго затянутый корсет, однако к концу 1890-х и эта мода потихоньку начнет исчезать.
Прически, как и платья, становятся проще. Мир приближается к переломным десятилетиям XX века, когда женщины наконец получат многие желанные свободы. Как ни странно, одна из самых модных в 1890-х укладок – простой, в некоторых случаях даже слегка небрежный пучок на макушке.
Все тексты в блоге моего авторства, иллюстрации взяты со свободных ресурсов интернета, из источников, не указывающих своих авторских прав (если иное не указано под иллюстрацией). При копировании прошу указывать ссылку на мой блог.
Фотоистория моды
Эволюция фэшн-фотографии с 20-х годов прошлого века до наших дней.
Мультимедиа Арт Музей и организованное им биеннале «Мода и стиль в фотографии» этой весной вновь приобщают московскую публику к истории глянца и моды, показывая работы лучших мировых фотографов. Trendymen не мог пропустить это событие и решил проследить за эволюцией fashion-фото с 20-х годов прошлого века до наших дней.
Барон Адольф де Майер
Бурное развитие фото-технологий и упрощение процесса печати в начале XX столетия способствовали появлению журналов мод, самыми известными из которых стали Vogue и Harper’s Bazaar. Барон де Майер был первым фэшн-фотографом в современном понимании этого слова: работал со знаменитостями по заказу модных журналов и прославился на весь мир. В его снимках, созданных с использованием особой линзы мягкого фокуса, прослеживается влияние популярного в то время художественного стиля ар-нуво.
Эдвард Штайхен
Эдвард Джин Штайхен в течение 20-х годов был главным фотографом крупнейшего издательского дома Condé Nast. Штайхен, которого часто называют «дедушкой гламура», заложил основы для дальнейшего развития модной фотографии: привнес драматичность в образы моделей и изобрел современное студийное освещение. За возможность работать со Штайхеном соперничали все главные дивы того времени: от Греты Гарбо до Марлен Дитрих.
Эрвин Блюменфельд
Эрвин Блюменфельд был одним из первых яростных экспериментаторов в мире модной фотографии. Поклонник дадаизма, он впервые использует технику коллажа и абстракции, повлиявшую впоследствии на множество фотографов и художников, включая Энди Уорхола. Циклы, которые Блюменфельд создавал для себя, были преимущественно черно-белыми, а коммерческие фотосессии для Vogue и Harper’s Bazaar выполнялись в цвете.
Джон Ролингс
Джон Ролингс — американский фотограф-модернист, который работал на Condé Nast более 30 лет, экспериментируя с разными техниками и всегда следуя за духом времени. Практически ни один выпуск Vogue не обходился без работ Ролингса, а героями его фотографий стали многие знаменитые актрисы и модели со всего мира.
Норман Паркинсон
Норман Паркинсон сотрудничал с Harper’s Bazaar с 30-х годов. Одним из первых он перенес съемку из замысловато освещенных студий в условия улиц и узнаваемых городских локаций. В своих работах Паркинсон стремился уйти от образа холодной и потусторонней модели, показывая женщин, занятых земными заботами и повседневной суетой.
Сесил Битон
Сесил Битон — гордость английской модной фотографии. Имя Сесила Битона, который родился в самом начале века, постоянно фигурирует в истории моды вплоть до 80-х — полвека работы для английского, французского и американского изданий журнала Vogue. Свой первый снимок он опубликовал там в 1924 году, будучи еще студентом Кембриджа, а в 1980-м, за месяц до смерти, отснял для него в Париже коллекцию haute couture. Среди героев съемок Битона — и английская королева, и персонажи свингующего Лондона.
Хельмут Ньютон
В 70-е годы фэшн-фотография впитывает либеральный дух времени: откровенная агрессивная сексуальность, намеренное нарушение табу, сознательный вызов условностям. Главным выразителем этих тенденций становится немецкий фотограф Хельмут Ньютон. Его провакационные фотографии, всегда выполненные в драматичной черно-белой гамме, взбудоражили мир моды и искусства, принеся автору множество поклонников, ненавистников и подражателей.
Патрик Демаршелье
Патрик Демаршелье, один из самых известных современных фэшн-фотографов, работал в Нью-Йорке с середины 70-х годов, однако пик его славы пришелся на 90-е и 2000-е годы. Он создавал фотопроекты для таких знаменитых брендов, как Louis Vuitton и Ralph Lauren, работал со звездами в диапазоне от Мадонны до Лу Рида. Одинаково успешно совмещая черно-белую и цветную манеру, коммерческую фотографию и высокое искусство, Патрик Демаршелье остается одним из самых востребованных фотографов мира.
Мода начала XX века — век расцвета кутюрье
Что вы знаете про историю моды? Вы лишь знаете, что происходит сейчас. Чтобы узнать, как все было на самом деле, нужно знать, как все начиналось! Тема пойдёт о моде начала 20 века, именно в этот период история моды подарила миру великих кутюрье: Коко Шанель, Кристиана Диор, Поля Пуаре, Мадлен Вионне, Эльзу Скиапарелли, Юбер де Живанши и других.
Благодаря этим талантливым людям, мода приобрела тот лик, который мы видим сегодня. Мы ежедневно облачаемся в модную и современную одежду, не задумываясь над её историей. Только представьте себе, через что пришлось пройти модельерам и какие совершить революции, чтобы одежда приобрела совершенный вид. Давайте перенесёмся в начало 20 века и посмотрим, что происходило в истории мира моды.
Назад в прошлое: мода 20-30 годов XX века
Мадлен Вионне: мастер косого кроя
Первый кутюрье который нашёл способ раскраивать ткань по косой, была Мадлен Вионне. Благодаря косому крою, платья в 20-х годах прошлого столетия обрели облегающие силуэты и спадали вниз мягкими складками. Из-за растяжимости ткани, глубокого декольте спереди и сзади платья легко надевались без использования молнии.
Эту гениальную находку раскраивать ткань «по косой» подхватил весь мир. Никто ещё не знал, что такое «лайкра» и поэтому косой крой отлично применялся в пошиве вечерних платьев. Платья из блестящего сатина великолепно сидели по фигуре, облегали грудь, талию и бёдра, переходя в низ плавно расширились.
Такие платья надевали через голову или ноги, благодаря вырезам спереди и сзади. Мода на изумительные платья быстро распространилась в Америке, особенно в Голливуде. Киноцензура не позволяла обнажать грудь, поэтому данное новшество идеально вписывалось в ту пору.
Голливуд активно демонстрировал платья с оголённой спиной, чему стали подражать во всём мире. Особенно этому были рады модницы 20-х годов, которые любили танцевать и проводить время в клубах. Оголённая спина привлекала внимание и давала телу возможность дышать на танцполе.
Знаменитые модельеры любили создавать роскошные платья для звёзд, например Вивьен Ли из фильма «Унесённые ветром». Подробнее о биографии актрисы вы можете прочитать в моей статье: Кто такие унесённые ветром?
Мода на танцы
Танцы вошли в моду, после Первой мировой войны народ хотел веселится и не думать больше о проблемах. В 30-х годах в моде был свинг, и двигались под звуки биг-бенда. Появились фокстрот и румба, и по-прежнему любимым оставалось танго. Первыми из танцоров, кого показали в кино были Фред Астер и Джинжер Роджерс.
Джинжер большинство костюмов для выступлений шила своими руками, что не соответствовало требованиям партнёра. Она обильно расшивала рукава костюма Фреда жемчугом, что значительно утяжеляло его. Кроме этого Джинжер не скупилась на страусиные перья от которых у Фреда была жуткая аллергия.
Посмотрите видео, какие танцы были в моде в течении 100 лет
В высшем обществе, танцоры не воспринимали голливудских излишеств. Вечерние платья были элегантными, строгими длинными и узкими, что придавало образу женственность. Спереди было глубокое декольте эффектно украшенное единственной ниткой жемчуга.
К концу десятилетия в сочетание к декольте, в платьях добавились длинные шлейфы, драпировки напоминающие турнюры. Самой необычной и неизменной оставалась модель платья от Вионне, которое не нуждалось в украшениях, так как держалось на одной бретели через шею.
Мех — признак богатства и роскоши
Изящным украшением был, конечно мех – лучше всего их серебристого песца. Большим шиком было окутаться в меха двух использованных целиком животных. Вне всякого сравнения использовалась восхитительная накидка из песца.
Кому не позволяли финансы иметь в гардеробе, такие дорогие вещи, довольствовались бархатной пелериной или яркой шифоновой шалью. А кому не доступен был даже шёлк, одевались в хлопчатобумажные платья от Шанель, которые входили в коллекцию вечерних платьев.
Те, кто не мог себе позволить купить модное платье, нашли выход из положения. Дамы искусно удлиняли вышедшие из моды короткие платья до нужной длины с помощью лент, оборок или меха. Использовались даже мельчайшие кусочки меха, они нашивались по низу рукавов и горловине, что придавало наряду роскошь.
Состоятельные дамы надевали мех по любому случаю и для дневного выхода. Шубы шили из каракуля, каральчуги, бобра и выдры, а также пришивали их на опушку облегающих платьев. Платья были в основном цельнокроеными и подпоясывались в талии узким поясом.
Так силуэт выглядел более стройным и естественным, а ткань ниспадала мягкими складками к низу. Рукава вшивались, они были узкими и длинными, с манжетами по низу из рюшей. Для достижения нужной длинны, применяли вставки «годе», ниже бёдер до низа. Данная модель платья позволяла легко двигаться, так как женщины всё чаще принимали участие в общественной жизни.
Шляпа и перчатки
Обязательным атрибутом дамского ансамбля служили перчатки и шляпа. Женщины 30-х годов использовала самые безумные головные уборы, в отличии от практичной одежды. Вначале шляпы были маленькими и плоскими, закреплялись поверх причёски шпильками. Затем в моду вошли различные береты и круглые шапочки, шляпы в форме колокола или тарелки, и всё что возможно представить. Единственное, что их объединяло – все их носили слегка косо, надвинув на лоб.
Женские костюмы начала XX века
Фасон костюмов кроился сильно приталенным и узким, как и шляпы. Талию, в этих случаях подчёркивали поясом. Лацканы жакетов были широкими, а вырез глубоким, особенно летом. Под жакет надевали лёгкую блузу. Объём в верхней части костюма достигался пышными бантами или шляпами, которые завязывались на объёмный узел.
Таким образом женская фигура визуально казалась полнее, а в талии ещё тоньше. Из-за чего возобновилась мода на корсеты и осиную талию. Теперь сжатие фигуры достигалось с помощью передовых материалов — латекса, что обеспечивало лёгкость и комфорт. В этом случае корсеты надевали ниже уровня груди, что позволяло груди приподняться.
Нижнее бельё
Первая в мире фирма, которая начала выпускать бюстгальтеры всех размеров называлась «Уорнес» в Америке. Неотъемлемой частью нижнего белья были чулки. Они изготавливались из натурального и искусственного шёлка, только с 1939 года их заменил нейлон.
Чтобы лучше представить, как выглядело нижнее бельё женщин, посмотрите видео ниже:
Лучшие друзья девушек не только бриллианты
Невозможно было представить даму без модных аксессуаров, тем более они единственные были доступны обычной моднице. На пике моды были узкие сумочки-конверты без ручки, маленькая сумочка-кошелёк с защёлкой-рамочкой из серебра или из пластмассы.
В качестве украшений применялись изделия в сочетании драгоценных и искусственных камней. Нужно отдать должное этой находке Коко Шанель. Стразы, как и бриллианты отлично подходили к вечернему туалету. Кроме этого стразы нашивались на дорогие ткани в сочетании с металлическими блёстками, а также при вышивании.
Модные аксессуары того времени
Удивительным новшеством того времени были солнечные очки. Без них невозможно было представить даму, отдающую предпочтение активному или пассивному отдыху на морских пляжах.
Грандиозная революция в мире моды
В моду входят брюки
В 1933 году знаменитая теннисистка Элис Мэрбл выступила на Уимблдонском турнире в коротких брюках, после чего все стали носить шорты.
Но мадам Шанель, сочла эту идею смешной и нелепой. Она гордо расхаживала в своих свободных, длинных брюках «слаксах» даже на пляже.
Уже давно широкие брюки плотно вошли в привычный гардероб городской женщины, в комплекте к шёлковой пижаме и считались признаком элегантности. Но приверженцы старых нравов не воспринимали их как часть женского гардероба, даже вечернего, а уж тем более появится в них на публики. Но в 1939 году модный журнал «Vogue» впервые представляет на своих станицах непривычные образы для дам: брюки с пуловером.
Так история мира моды, шагая из одного десятилетие в другое, из века в век, несла всё самое лучшее, что придумано человеком. Иногда, всматриваясь в детали одежды, не знаешь, что она в себе хранит, через какие модернизации её пришлось пройти, чтобы предстать в идеальном свете. Мода начала 20 века постоянно менялась, развивалась и двигалась вперёд. Это было время смелых идей и фантастических решений.
Такого времени больше не будет, когда отказавшись от корсетов узнать больше про историю корсетов и кринолинов, модельеры предлагали свои нескончаемые замыслы на благо народа. Только тогда обычный портной мог заявить о себе, как о революционере моды и стать кутюрье. Каждый из них видел по-своему одежду будущего, и всех их объединяло одно: создание упрощённых силуэтов и функциональность вещей, не теряющих привлекательность.
Видеообзор: как менялась мода на протяжении 100 лет
Это интересно! Обязательно посмотрите видео:
P.S. Понравилась статья?!
Оставляйте свои комментарии и расскажите друзьям!
А также подписывайтесь на новости блога.
Искренне ваша, Мария Новикова
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
Привет! Меня зовут Мария и я автор данной статьи.
Хватит быть серой мышкой, вступай в ряды модных и стильных! Не знаешь как? Я помогу тебе! Прямо сейчас, сделай заказ на персональную выкройку или консультацию по пошиву и раскрою одежды. В том числе консультацию по выбору ткани, фасона и собственного имиджа.
Дома высокой моды второй половины XIX — начала XX в.
Вторая империя пала 4 сентября 1870 г. в результате буржуазнодемократической революции, начавшейся после разгрома французской армии прусскими войсками под Седаном. Многие клиенты домов высокой моды эмигрировали, включая семью императора, и, казалось, исчезла та среда, в которой родилась высокая мода. Однако падение монархии, напротив, помогло кутюрье ощутить свою самостоятельность и независимость от прихотей титулованных заказчиков. Именно в эпоху Третьей республики (1870—1940) во Франции модных портных стали считать законодателями моды. В 1890-е гг. их называли «маленькими Боттичелли» за то, что они создавали образ женщины своего времени. Лидерами моды были не только коронованные особы и аристократки, но и представители богемы. Новые модели часто демонстрировали в свете известные актрисы. Например, в Доме «Ворт» одевалась Элеонора Дузе и Сара Бернар, в Доме «Жак Дусе» — Элеонора Дузе. Не менее знаменитые, чем актрисы, парижские кокотки (дамы полусвета) также были клиентками домов высокой моды (именно дамы полусвета в 1870-е гг. первыми стали носить облегающие платья нового силуэта «русалка», которые считались безнравственными и неприличными). В этих условиях Ч.-Ф. Ворт ощутил себя настоящим законодателем моды: именно он ввел в моду многочисленные заимствования из исторического костюма, большим знатоком которого он был (турнюры в 1870—1880-е гг., покрой «принцесс», а также рытые бархаты, напоминавшие ткани эпохи Возрождения). С одинаковым блеском Ворт умел одевать как дам высшего света, так и полусвета. Своим клиенткам он предлагал полный гардероб, начиная от домашних платьев и костюмов для путешествий до бальных и парадных туалетов. Имя Ворта было гарантией хорошего вкуса и элегантности. Дом Ворта сохранял лидирующее положение вплоть до начала XX в. После смерти Ч.-Ф. Ворта семейное предприятие возглавили его сыновья: Гастон Ворт и Жан-Филипп Ворт (с 1871 г. он работал в салоне вместе с отцом). Ж.-Ф. Ворт славился своими изысканными бальными платьями с невероятно трудоемкой отделкой. Братья Ворт ввели практику продажи моделей для копирования в другие страны — в Нью-Йорке, например, на копиях моделей Дома «Ворт» специализировался салон «Кэти Донован».
В 1900 г. Дом «Ворт» предложил своим клиенткам духи «Parfum coutur».
В конце XIX в. в Париже работало множество домов высокой моды, модели которых становились образцами для подражания во всех европейских странах и в Америке: «Лаферье», «Пакэн», «Жак Дусе», «Сестры Калло» и др. — всего около ста. Каждый дом высокой моды создавал модели в русле общего направления моды, но все-таки имел свои особенности. Например, Ж. Дусе, будучи большим любителем и коллекционером искусства XVIII в., ввел в моду платья в стиле рококо и пастельную гамму, напоминающую об эпохе маркизы Помпадур. Сестры Калло предлагали модели из ламэ с отделкой из серебряного кружева. Однако принципиальных различий в стилях разных домов моды не существовало — парижские модели отличались отточенными силуэтами, изящными отделками, которые никогда не нарушали общих линий костюма. Различия были заметны между моделями столичных и провинциальных салонов: если в Париже в моде были, например, в 1890-е гг. оттенки сиреневого и фиолетового цветов с отделками в тон, то в Ла-Рошели могли сшить платье красного цвета с контрастной вышивкой.
Стиль начала XX в. создавался по-прежнему для представителей высшего света и нуворишей. На моду начинает оказывать влияние Северная Америка, ставшая лидером в области экономики. В США сформировался более практичный стиль одежды, чем в Европе, связанный с активным образом жизни. Однако и американские аристократки, и известные актрисы были клиентками домов моды в Париже, который стал интернациональным центром моды. Костюм в начале XX в. был одним из основных знаков социального статуса — в моде социальная дифференциация проявлялась особенно отчетливо. Высшие слои одевались у парижских кутюрье, средние слои шили одежду на заказ, а низшие слои уже носили готовую одежду. Роскошные туалеты «от кутюр» соответствовали стилю жизни высшего общества, которое проводило время в праздных занятиях — балы, приемы, охота, скачки по-прежнему составляли смысл жизни светского человека. Модные портные предлагали чрезвычайно обширный гардероб — для каждого случая предполагался особый туалет. Модная женщина должна была переодеваться несколько раз в день: с утра в домашнее платье, затем в платье для визитов или костюм для прогулок, в обеденное платье, «чайное платье» (платье для чаепития в пять часов — «файв о клок»), в театральное платье (рис. 1.4), платье для приемов, бальное платье.
Рис. 1.4. Вечернее платье графини де Греффюль. Дом моды «Ворт», 1896 г. (а). Театральное платье. Дом моды «Джон Редферн», 1902 г. (6)
В 1900 г. мадам Пакэн возглавляла отдел моды Всемирной выставки в Париже, отбирая модели для «Павильона элегантности», в котором были представлены образцы творчества парижских кутюрье. Она придумала вывозить своих манекенщиц в новых туалетах в места скопления модной парижской публики: весной — на открытие Вернисажа, осенью — на скачки в Лоншане в день розыгрыша Гран-при, на оперные премьеры. В 1914 г. в Лондоне мадам Пакэн организовала первый показ моделей под музыку.
Англичанин Джон Редферн в 1881 г. открыл в Париже салон, в котором шил дамские костюмы для верховой езды. Он предложил прогулочные костюмы из шерстяных тканей в английском стиле, состоявшие из юбки, блузки и жакета, ставшие впоследствии классическими (так называемый английский классический костюм). Салоны подобного уровня существовали и в других странах, но они не имели права называться домами высокой моды. В Вене, например, был салон «Морис Штайнер», в Пизе — «Элена Паренти», в Неаполе — «Рафаэлла де Лука», в Санкт-Петербурге — «А. Т. Иванова», «Госпожа Ольга», «А. Л. Бризак», в Москве — «Н. П. Ламанова», в Нью-Йорке — «К. Донован» и др.
Распространению моды способствовали модные журналы. Помимо привычных журналов с модными картинками, выкройками, рисунками для вышивки и полезными советами появляются колонки модных обзоров в популярных газетах и элитарные журналы мод, предназначенные читательницам из высшего общества. В Париже в начале века выходил журнал «Les Modes», в Америке — «Harper’s Bazaar» (основан в 1867 г. Ф. Харпером) и «Vogue» (основан в 1892 г. К. Настом). Эти журналы помещали обзоры светских новостей, описания туалетов светских дам и известных актрис, рисунки и фотографии моделей модных портных.
К концу XIX в. сложился мужской деловой костюм, существующий до сих пор и состоящий из брюк, жилета и пиджака. Развитию массовой моды способствовало распространение новых форм торговли — в 1850-е гг. появились универмаги (первый универмаг «Бон Марше» был открыт в 1852 г. в Париже). Универмаги во второй половине XIX в. открылись во всех крупных городах Европы и Америки: «Галери Лафай- етт», «Самаритэн» в Париже; «Бергдорф Гудман», «Сакс на Пятой авеню» в Нью-Йорке; «Хэрродз», «Свэн и Эдгар», «Селфриджс» в Лондоне; «Мюр и Мерилиз» в Москве.
Начало XX в. ознаменовалось не только бурным развитием промышленности, связанным с «электротехнической революцией» (переходом в энергетике от пара и каменного угля к электричеству и жидкому топливу), развитием новых видов транспорта (автомобили и самолеты), распространением электрического освещения и телефонной связи, но и расцветом культуры. Это время во Франции получило название «бель эпок» — «прекрасная эпоха», в Британии — «эдвардианская эпоха» (время правления короля Эдуарда VII). В России этот период получил название «серебряный век» — время расцвета архитектуры, изобразительного искусства, поэзии и музыки.