Современное искусство и его истинная ценность

Современное искусство: зачем ему технологии и кто его объяснит

Современное искусство вызывает шок и отторжение у одних людей и невероятный интерес — у других. Художники стали создавать высокотехнологичные проекты. Но чтобы они были успешными, приходится выбирать: ориентироваться на запросы массовой аудитории или на признание кураторов и музеев.

В подкасте общаемся с членами жюри проекта Digital Earth, виртуальной платформы цифрового искусства, запущенной Фондом поддержки современного искусства Винзавод и re: Store зимой 2020. Антонио Джеуза, доктор философии, специалист по видеоарту и куратор, рассказал, какое искусство создано для размышления, а какое — для развлечения.

Светлана Тэйлор, искусствовед, независимый куратор, директор программы на кафедре дизайна РАНХиГС, объяснила, почему иногда художник хотел бы использовать высокие технологии, но не может этого сделать.

Ведущий подкаста — Гоша Рудаков, мультимедийный продюсер РБК Трендов.

Таймлайн беседы

1:34 — Что такое технологии?

7:49 — Заменят ли роботы художников?

9:15 — Какие технологии используют современные художники?

14:48 — Чем современное искусство отличается от массового?

22:50 — Как художники могут способствовать развитию технологий?

24:27 — Конкурирует ли высокотехнологичное искусство с тем, к которому мы привыкли?

35:18 — Какие тренды будут в ближайшее время в современном искусстве?

Технологии и проблема авторства

Когда в начале XIX века изобрели фотографию, это вызвало в обществе ненависть и презрение. Эксперты говорят, что именно тогда техническое устройство впервые стало соавтором произведения. Оно эволюционировало до того, что сейчас оно есть в каждом смартфоне. Кажется, что со временем технология сможет заметить самого автора.

Раньше люди боялись фотоаппарата, будто он забирает души люди. Светлана Тэйлор замечает: сейчас похожее отношение к искусственному интеллекту. Люди боятся, что алгоритмы «украдут» у них способность что-то создавать.

Искусственный интеллект создает человек. Оценивает работу алгоритмов, удивляется и пугается их совершенству также человеческий разум. Поэтому робот не заменит художника, думает Антонио Джеуза. Но искусственный интеллект становится отдельным направлением современного искусства.

Технологичные направления современного искусства

Каждые пять лет в немецком Касселе проходит международная выставка современного искусства documenta. Крупнейшей за 60 с лишним лет существования программы стала documenta 6 1977 года — она же ознаменовала собой важный этап в развитии интерактивного, высокотехнологичного искусства. Приуроченная к 150-летию фотографии, выставка акцентировалась на визуальной стороне искусства: например, тогда состоялось первое в мире лазерное шоу.

Сегодня художники активно работают с мультиканальными интерактивными инсталляциями, с генеративным, роботическим искусством, с био-атром (интервью с его основателем Джо Дэвисом здесь) и, шире, с сайнс-артом, с голограммами (в России — в меньшей степени). Пионеры net-арта — российские художники начала 1990-х годов Ольга Лялина, Олег Шульгин. Есть также технологии мэппинга — проекции на фасадах зданий.

В перспективе будут развиваться экранные технологии, а также проекты, направленные на поиск идентичности, считают эксперты.

Какие проблемы связаны с высокими технологиями в искусства

В России мало художников, которые хорошо разбираются в техническом оборудовании для своих работ, рассказывает Антонио Джеуза. Но и те, кто хотел бы создавать высокотехнологичные проекты, сталкиваются с рядом проблем.

То, какие технологии задействованы на выставке, зависит от финансовых возможностей проекта, говорит Светлана Тэйлор. Компании, которые продают технологии, не встроены в систему поддержки современного искусства. По словам куратора, для того, чтобы это происходило, нужно менять культурную политику.

Экспериментальные разработки требуют вложений. Но если в сфере энергетики, системе безопасности или работы с данными это обусловлено экономически, то современное искусство финансируется менее охотно, объясняют эксперты.

Есть и другие проблемы. Не хватает высокотехнологичных площадок, где можно было бы показывать проекты. При мэппинге нужно договариваться с местными властями, чтобы установить технику в городе, перекрывать улицы.

В чем ценность современного искусства

Массовое искусство может нравиться публике и, следовательно, хорошо финансироваться — кураторы приводят в пример шоу «Ожившие полотна».

Современное искусство же может не быть популярным, но помогает понимать мир, объясняют эксперты. Это не только эстетическая, но и философская практика. Художник знает контекст истории искусств — авторов, с которыми он ведет диалог. И при этом он должен вести интеллектуальное общение со зрителями.

Художники видят то, что могут не замечать ученые. Например, в направлении net-арт разработали концепции, которые потом стали частью программирования и способствовали развитию интернета, говорит Антонио Джеуза.

Своеобразный «знак качества» как для классического, так и для современного искусства — музей. Причем скорее государственный: частные музеи часто подчинены логике коллекционера, уточняет Джеуза. Попав в коллекцию Пушкинского музея, «Третьяковки», Эрмитажа, Помпиду, Тейт, произведение приобретает культурное бессмертие. Даже если для художников была чуждой и враждебной концепция музея, как в случае с группой «Флюксус». Подробнее о технологиях в современном музее читайте здесь.

По мнению экспертов, искусство, которое создается прямо сейчас, должно пройти проверку временем. Кураторы и искусствоведы помогают отбирать то, что действительно ценно.

Следите за новыми эпизодами и подписывайтесь на подкаст на любой удобной платформе: Apple Podcasts, CastBox, «Яндекс.Музыке», Google Podcasts, Spotify и ВК Подкасты. А еще следите за нами в Telegram и Instagram «Что изменилось?» — там мы подробно обсуждаем то, что не успели проговорить в выпуске, и делимся интересными материалами по теме.

Деформированная реальность художников XX века: как научиться понимать современное искусство

Зачем современное искусство нарушает сложившиеся веками каноны и правила, как научиться видеть смысл в двух мазках, изрезанном полотне или объекте треш-арта? И почему в мире растет спрос на эти сомнительные, на первый взгляд, произведения, а сами работы оцениваются в десятки миллионов долларов? Магистр истории искусств, преподаватель МГУ Инна Мурашева рассказала о том, что зашифровано в объектах contemporary art и почему они не обязаны быть красивыми.

магистр истории искусств, преподаватель МГУ

Современное искусство: эмоции и факты

На протяжении многих веков художники работали в парадигме эстетики и гармонии. Вопрос красоты долгое время был основным критерием для признания художественной ценности произведений искусства. Позже к нему добавился вопрос достоверности: художники и критики начали спорить, что важнее в искусстве — красота или правда. Но после Первой мировой войны — с ее масштабом жертв и разрушений — реальность деформировалась.

Читайте также:
Как открыть интернет магазин модной одежды – с чего начать

Это метафизическое страдание ярко отразилось во всем искусстве ХХ века: человек — ничто, он заперт в клетке своей плоти, деформирован — разобран на части, раздавлен обстоятельствами. Такая идея полностью противоположна идеям эпохи Ренессанс, где человек — центр Вселенной, венец творения и демиург. Самыми яркими выразителями идеи деформированной реальности в ХХ веке стали представители авангардных направлений — Лондонской школы (Фрэнсис Бэкон, Люсьен Фрейд), дадаизма (Ханс Арп, Марсель Янко, Ман Рэй) и сюрреализма (Сальвадор Дали, Рене Магритт, Макс Эрнст): его предтечей называют сюрреалиста XV века Иеронима Босха (ок. 1450–1516), который извлекал фантасмагорические образы из глубин подсознания.

Однако понятие «современное искусство» — contemporary art — появилось только в 70-х годах ХХ века. Хотя мнения теоретиков на этот счет расходятся, в данном случае можно сослаться на авторитет представителей крупнейших аукционных домов. Так, Sotheby’s определяет произведения искусства, датируемые 1945–1970 годами как «ранние современные», а после 1970-го — как «современные». Этим же определением пользуется аукционный дом Сhristie’s, помещая более ранние работы 1950–60-х годов в категорию «искусство XX века».

Это культурное явление не требует «раскладывания» на направления: такой подход убивает спонтанность и игру со зрителем, которые составляют очарование современного искусства. Оно многослойно, имеет серьезный бэкграунд и в то же время открыто для эмоционального восприятия человека с любым уровнем подготовленности, общей эрудиции и эстетического развития.

Потому что его восприятие зависит не от набора знаний, а от эмоциональной открытости.

Важна концепция, а не объект

«„Черный квадрат“ стал символом нигилистического отрицания культурного достояния — бремени, нажитого человечеством», — говорил автор одноименной картины Казимир Малевич, обнуливший историю живописи своим произведением и созданием супрематизма. Если в ренессансном понимании картина была окном в мир, что отражалось в пейзажной живописи, портретах, натюрмортах, изображении бытовых сцен — то есть реальности, — в 1915-м Малевич закрасил это окно черной краской. И тем самым обозначил конец прежней и начало новой эпохи в искусстве. «Я счастлив, что вырвался из инквизиторского застенка академизма», — заявил он, утверждая, что художник может быть творцом лишь тогда, когда формы его картин не имеют ничего общего с натурой.

«Когда я открыл для себя принцип реди-мейдов, я надеялся положить конец всему этому карнавалу эстетизма. Но неодадаисты используют реди-мейды, пытаясь отыскать в них эстетическую ценность. Я запустил им в физиономию сушилку и писсуар — как провокацию, — а они восторгаются их эстетической красотой», — прокомментировал современник Малевича дадаист Марсель Дюшан реакцию зрителей на выставленные им в разные годы экспонаты «Сушилка для бутылок» и «Фонтан» (писсуар с подписью “R. Mutt” (Р. Дурак).

С тех пор было немало сказано о том, как писсуар Дюшана стал ключевым событием в мировом арт-пространстве, навсегда изменив его, а само «произведение» — признано одним из самых интеллектуально увлекательных и сложных предметов искусства ХХ века. Почему? Потому что в данном случае важны идея и концепция, а не объект. Именно их дал Дюшан, вырвав из контекста обычную вещь и заявив, что это тоже искусство. Своим художественным высказыванием он объявил, что искусством может быть что угодно — его не стоит воспринимать слишком серьезно. И в этом он пошел дальше Малевича.

Представители contemporary art — художники, которые идут под знаменем Малевича и Дюшана, продолжая искать новые формы в искусстве, новый изобразительный язык, проницая актуальную реальность, экспериментируя и вдохновляя других своим творчеством. Среди них — Лучо Фонтана, ЖанМишель Баския, Кит Харинг, Дэмьен Херст.

Марсель Дюшан

Зритель как соавтор

К произведениям contemporary art можно отнести практически каждую «странную» картину, но современное искусство — это не только живопись. Один из его отличительных признаков — необходимость присутствия зрителя, его эмоциональное и/или интеллектуальное участие. «Джоконда» Леонардо да Винчи может существовать сама по себе, а «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» (знаменитая акула) Дэмиена Херста — нет. Так же, как проекты «человека-собаки» Олега Кулика или «бабушки перфоманса» Марины Абрамович.

В своем творчестве Абрамович исследует отношения между художником и аудиторией, пределами тела и возможностями ума. Один из ее перфомансов — «Ритм 0» — был основан на желании посмотреть, до чего могут дойти люди, получившие абсолютную власть над другим человеком. Объектом изучения стала сама Марина, которая предложила посетителям музея «делать с ней всё, что захотят». Перед собой она поставила табличку с инструкцией, в которой было сказано: «На столе 72 объекта, которые вы можете использовать, как хотите. Перформанс „Я — объект“. В течение этого времени я беру на себя полную ответственность. Продолжительность: 6 часов». И если сначала всё было вполне невинно, то в процессе «вовлечения» зрители, пользуясь безволием экспоната, нанесли ей ножевые надрезы, а один из присутствующих приставил к ее виску заряженный пистолет. «Я хотела показать: это просто удивительно, насколько быстро человек может вернуться в пещерное состояние, если ему это позволить. Полученный опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить», — прокомментировала действия посетителей художница.

Марина Абрамович

Отнести подобные формы к объектам contemporary art позволяет тот факт, что они, как каждое значимое произведение искусства, имеют:

  • концепцию;
  • точку зрения;
  • риторическое многоточие (то есть ведут зрителя к дальнейшим размышлениям и ощущениям);
  • исторический контекст (актуальность именно в свое время).

Актуальность — важный аспект, поскольку новизна, способность сделать новое художественное высказывание в искусстве — один из критериев гениальности.

Важно понять: в настоящее время меняется природа произведения искусства. Если раньше оно всегда было объектом, сейчас это — переживание. Помимо различных направлений в живописи, которые не требуют четкой идентификации, искусством считаются такие практики, как граффити, инсталляция, перформанс, акционизм, видеоарт. Например, акционизм (Олег Кулик, Петр Павленский, «ЭТИ») вообще не стремится оставить после себя предмет: он основан на символическом действии, вырванном из повседневного контекста, и зачастую вызывает лишь недоумение и вопросы.

Читайте также:
Потребительский кредит и кредитные карты исчерпывающее руководство

Современное искусство развивается такими темпами, что теоретики не успевают дать обоснования и подвести теоретическую базу под рождающиеся формы, а сам вопрос — что же такое современное искусство? — попадает в разряд сложных философских определений.

Однако некоторые современные художники сами дают их своему творчеству. Например, икона японского поп-арта Такаси Мураками придумал термин superflat (суперплоскость), для того чтобы объяснить свой изобразительный язык. «Я думал о реалиях японского рисунка и живописи и о том, как они отличаются от западного искусства. Для Японии важно ощущение плоскости. Наша культура не обладает 3D-формами. 2D-формы, утвержденные в исторической японской живописи, сродни простому, плоскому визуальному языку современной анимации, комиксов и графического дизайна», — пояснил автор.

Рацио-эмоцио: оси реакции на предмет искусства

Современное искусство работает либо с эмоциональной, либо с интеллектуальной сферами зрителя, или одновременно с обеими. Оно нацелено на то, чтобы вызвать у человека эмоции и, как следствие, размышления об увиденном. Или только эмоции — и это уже шаг к пониманию.

Ярким примером тому служит акционизм: перформанс «Бешеный пес» Олега Кулика, который 23 ноября 1994 года впервые появился перед ошеломленной публикой обнаженным в образе человека-собаки. У названия было поэтическое продолжение: «Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером». Созданный им образ настолько впечатлил зрителей, что фамилию автора знают даже те, кто никогда не интересовался современным искусством. А сам он стал символом времени и медийной персоной. Это еще раз подтверждает: задача современного искусства — вызывать эмоции.

Олег Кулик

То же касается живописи, где на эмоциональное восприятие рассчитаны работы таких художников, как Джексон Поллок, Фрэнсис Бэкон, Марк Ротко. А также Маурицио Каттелана, чьи произведения, хотя и оказываются в центре грандиозных скандалов, высоко ценятся на аукционных торгах. Так, его «Девятый час» — скульптурная композиция, на которой изображена фигура папы римского, пораженного метеоритом, 13 лет назад была продана за 3 млн долларов. Другая не менее известная работа Каттелана — восковая статуя «Молящийся Гитлер» выставлялась в музее в экспозиции классического искусства. Этой работой он стремился показать Германии ее самый большой позор, проведя таким образом шокотерапию с целью изжить комплекс исторической вины.

Такие работы, затрагивая эмоции, заставляют задуматься об этических, религиозных, философских, политических вопросах. Либо просто оказывают сильнейшее воздействие на эмоциональный мир.

Но есть произведения, которые рассчитаны в первую очередь на интеллектуальное воздействие. Понять их непосвященному зрителю сложнее. Чтобы постичь замысел автора, стоит узнать о художнике и его концепции. Иногда эту информацию несут название и аннотация, сопровождающие работу. Например, знаменитая акула Дэмиена Херста была названа «Физическая невозможность смерти в сознании живущего». Работа, проданная за 12 млн долларов, представляет собой настоящую тушу акулы в формалине, заключенную в прозрачный куб. С одной стороны, она неподвижна, с другой — ее широко разинутая пасть как будто устремлена на зрителя и пытается его поглотить. Ее название, глубокое и парадоксальное, отсылает к теме смерти — вечной теме в искусстве. Ее корни уходят в средние века: начиная с «Мертвого Христа» Андреа Мантеньи, все художники Возрождения и более позднего периода писали в разных вариациях снятие с креста, распятие, оплакивание — пьету. К теме смерти обращался в своем творчестве и Рембрандт, создавая картину «Туша быка». Она стала зацепкой для современного художника Фрэнсиса Бэкона, который ее продолжил.

Дэмиен Херст

Другим примером интеллектуальных работ могут служить знаменитые разрезы Лучо Фонтана. Сегодня его цветные полотна можно встретить в любом музее современного искусства, а также на серьезных художественных ярмарках. На отдельных работах сделан всего один надрез, на других — несколько. Его «Пространственная концепция. Ожидание» ушла за 1,5 млн долларов. С одной стороны, кажется странным: в чем смысл и почему они ценятся так высоко? Чтобы понять это, надо познакомиться с концепцией художника. Сам Фонтана называл разрезы concetto spaziale — «пространственный концепт». К слову, такое название имеет большинство его работ. Так он дает понять, что при рассечении плоской поверхности и, следовательно, при переходе на ее обратную сторону возникает новое пространство. Погружение в эту концепцию позволяет открыть новые грани реальности: они понятны благодаря их явному изображению — смысл соответствует контексту. И этим пример Лучо Фонтаны весьма показателен.

Таким образом, погружение в интеллектуальный подтекст работ помогает понять посыл, который хотел донести автор.

Как правило, подтекст, концепция есть практически у всех работ, но большинством произведений современного искусства можно наслаждаться и без глубокого проникновения в смысл. Ведь разрезы Лучо Фонтана выполнены безупречно, а значит, воздействуют на эстетическое восприятие.

Классика vs современность

По словам художника и теоретика искусства Дмитрия Гутова, современному искусству присущ эффект узнавания. Его суть заключается в том, что, заинтересовавшись современным искусством, человек быстро начинает узнавать художников, произведения которых видел однажды. Например, невозможно не узнать характерную цветовую гамму Ива Кляйна и его отпечатки женских тел на холсте. Или работы Жан-Мишеля Баскии, а также граффити Кита Харинга. У современных художников запоминающийся стиль, благодаря чему быстро достигается тот самый эффект узнавания. А у человека возникает ощущение приобщения к искусству — одной из высших сфер деятельности духа. И это оказывает благотворное воздействие во всех смыслах: и эмоциональном, и интеллектуальном, поскольку приводит к повышению самооценки.

Ив Кляйн

Чтобы добиться того же эффекта в классическом искусстве — различать с первого взгляда работы старых мастеров — например, Хуго ван дер Гуса и Рогира ван дер Вейдена, Тициана и Джорджоне, Боттичелли и Верроккьо, — придется потратить гораздо больше времени, чем на «узнавание» произведений современных художников.

Кроме того, современное искусство дарит чувство сопричастности, пребывания на пике современности: оно пластично, текуче, развивается здесь и сейчас, и зритель растет вместе с ним. Неслучайно музеи современного искусства, которые есть практически во всех крупных мировых столицах, весьма посещаемы.

Согласно исследованиям, проводившимся в Италии, при посещении музеев современного искусства люди испытывают более яркие ощущения, чем музеев, где собраны произведения классических мастеров. Можно сказать, что традиционная живопись дает пищу для ума, а объекты современного искусства — для души и эмоциональную подпитку.

Читайте также:
Интернет и организация рабочего времени

Самые крупные художественные события — La Biennale di Venezia, Art Basel Miami — посещают те, кто получает там яркие эмоции, даже не имея специального образования. И это позволяет человеку, далекому от искусства, сделать жизнь более насыщенной, что во многом объясняет, почему произведения contemporary art так популярны и высоко оцениваются на арт-рынке.

Contemporary art: понять и принять

Современное искусство — не самая легкая для восприятия тема: чтобы его постичь, надо отбросить какие бы то ни было ожидания, стереотипы и рассудочный подход. Хорошая новость состоит в том, что оно многослойно, и всегда есть тот слой, который может быть понят практически любым человеком, свободным от предрассудков по отношению к объектам этого искусства. Один из них заключается в том, что искусство — это лишь то, что красиво, эстетично и несет очевидный смысл. Чтобы полюбить современное искусство и начать разбираться в нем, от этого стереотипа стоит избавиться, ведь мы можем воспринимать его не только умом, но и на эмоциональном уровне. Причем эмоции необязательно должны быть положительными, главное, чтобы они возникали, — и это шаг к пониманию.

Реальная стоимость произведений современного искусства

Прагматичные девушки избегают знакомств со скульпторами и художниками, на то есть веские основания – большинство творческих людей, имеют небольшие и нестабильные заработки, иногда вообще прозябают без денег. Но вместе с этим, мы можем видеть результаты торгов на аукционах, где продают предметы современного искусства. Здесь надо заметить – цены на некоторые лоты реально превосходят разумные рамки.

Порой посмотришь на картину, скульптуру или инсталляцию, проданную за многие миллионы долларов, и задашься вопросом, за что? Почему люди готовы платить такие большие деньги, за эту мерзость? Ассоциации с мерзостью возникают тогда, когда человек пытается провести параллели и сравнить произведения искусства, созданные Микеланджело, Рафаэлем и современными мастерами. Конечно далеко не все используют столь резкое слово – мерзость, но посещая галереи современного искусства, мне приходилось не раз слышать такие комментарии в адрес того или иного «шедевра»

Почему за современное искусство платят деньги и кому это надо?
Дабы понять суть явления, я расскажу немного событий и примеров из недавней истории России.

В 90е годы, когда развалился СССР, все получили свободу, появилась возможность покупать и продавать все что угодно. Это время стало раздольем для разных мошенников и проходимцев, некоторые из которых придумывали хитрые схемы изъятия денег у доверчивого населения.

Расскажу лишь один пример. В СССР выпустили множество юбилейных рублей, одни монеты были в ходу и имели огромные тиражи, некоторые выпускались небольшими тиражами, но тоже использовались как платежная единица. Но были и другие рубли, которые штамповались исключительно для коллекционеров. Иногда они выполнялись в серебре, имели глянцевую полированную поверхность, заключались в пластиковые капсулы для сохранности.

В общем, юбилейных рублей было множество, и лишь мизерная часть из них стоила каких-то денег. Основная масса стоила немногим больше, стоимости метала, из которого была сделана. Только людям свойственно фантазировать, мечтать о заработках и кладах, думать, что если они обладают какой-то монетой, она обязательно ценная.

Хитроумные комбинаторы решили воспользоваться человеческими слабостями и запустили следующую схему наживы.

Юбилейных рублей было много, имея связи их можно приобретать мешками. Я сама видела у некоторых личностей множество мешочков с этими монетами!

Далее…
В газетах бесплатных объявлений давались хитрые объявления. В одних писалось – продам юбилейные рубли с Лениным по доллару за штуку. В других наоборот, кто-то желал купить рубли по очень заманчивой цене.

Если вы звонили и предлагали купить, номер или не отвечал, или человек сообщал, что сегодня занят и просили перезвонить позже, попутно спрашивая, о других вещах, например, серебряных монетах, статуэтках, фарфоре, постепенно переводя разговор в другое русло. Если у вас не было никаких других вещей, которые его реально интересовали, он по разным причинам откладывал встречу и покупку рублей.

Благодаря объявлениям и разговорам на тему высокой стоимости юбилейных рублей, у людей формировалось мнение, что старые рубли с Лениным действительно стоят по доллару и более за одну монету. Раздобудь 100 старых монет и у тебя 100 долларов в кармане! В 90е годы 100 долларов были существенной сумой, поэтому народ суетился и при случае попадался на удочку хитрецов.

Когда о рублях говорили разные небылицы, на различных блошиных рынках стали появлятся люди, продающие всякий хлам – типа старой одежды, затрепанных книжек про Ленина, и вместе с этим хламом предлагали юбилейные рубли.

Доверчивый обыватель уже много раз видел объявления о покупке юбилейных рублей, он точно знает, что коллекционеры покупают эти монеты! Видя как мужичок в фуфайке и драной шапке-ушанке продает целый мешок рублей, наш обыватель терял самообладание, он уже подсчитывал навар, сколько он может заработать, ведь он умнее этого алкаша!

Люди вытаскивали из карманов все деньги, или даже предлагали съездить на такси, домой за деньгами, и покупали у мнимого алкоголика все рубли. Довольные они пересчитывали монеты, прикидывали, что смогут купить на заработанные деньги. Но когда звонили «коллекционерам», никто не покупал их рубли. В общем, эти рубли оставались мертвым грузом, иногда потихоньку продавались другим соискателям заработка, еще более глупым.

Подобных историй в 90е годы было множество. Самое главное, что купив мешок юбилейных рублей, ты не мог никуда пожаловаться. Куда жаловаться и что говорить, я купил рубли, мечтал заработать кучу денег, но у меня не получилось? Если пойти в милицию и написать заявление, в лучшем случае посмеются! Ситуация очень сильно напоминает Буратино, который тоже мечтал преумножить деньги, закопав их на поле чудес, поэтому жаловаться некуда.

Подобная схема работает в ценообразовании современного искусства. Существуют люди и фонды, имеющие договоренности с художниками. Все вместе они составляют определенную силу, которая формирует общественное мнение и держит цены на предметы современного искусства.

Читайте также:
Конфликт хоккеиста Варламова и модели Евгении Вавринюк

Хотя не все таковы, есть в этом механизме люди, которым на самом деле нравится современное искусство, ведь оно бывает разное. Но главная суть в следующем – произведения современного искусства не стоят тех денег, которые за них платят на аукционах.

Триптих “Три наброска к портрету Люсьена Фрейда” Фрэнсиса Бэкона продан за 142,4 миллиона долларов. Имя покупателя Christie’s не разглашает.

А как же миллионеры и миллиардеры, платящие деньги, разве они глупы?

Среди богатых людей встречаются люди разного культурного и интеллектуального уровня, но большинство участников торгов понимают, что покупая произведение искусства за миллионы долларов, они платят завышенную цену. При этом они воспринимают все как игру, им известно, что покупают не только они, а многие другие богатые люди, значит никому из них невыгодно, чтобы цены падали. В результате цены держатся или даже растут. Разве плохая игра, для тех, кому хочется сделать инвестиции и вместе с этим прикоснуться к миру искусства, завести новые контакты…

Такова модель ценообразования на все эти несуразные инсталляции, размалеванные полотна и странные скульптуры. Но пока богатеям не надоест игра в искусство, они будут продолжать играться, повышая ставки на аукционах, тем самым создавая в общественном сознании мнение – продаются величайшие «шедевры»!

Основная масса людей зависят от общественного мнения, видя несуразное произведение так называемого современного искусства, они чувствуют, что оно им омерзительно или непонятно, но они боятся это признать, в силу того, что их сочтут некультурными невеждами, поэтому они вынуждены притворяться и делать вид, что внимательно рассматривают и понимают «шедевр». Хотя со временем люди ко всему привыкают. Пройдет несколько десятилетий, вырастут поколения, которые ни разу не были в музеях с настоящим искусством, а видели искусство, лишь на страницах СМИ, где рассказывается, как очередной «шедевр» продан за 50 миллионов долларов!

Ко всему привыкают и все можно воспринимать естественно. Ни для кого не секрет, что обычный россиянин и европеец не будут убивать кошку или крысу, чтобы приготовить из нее изысканное блюдо. Только не все люди одинаковы, есть другие, которые из поколения в поколение ели дохлых кошек и тушеных крыс. Но ели они эти блюда не потому, что им так нравилось и они обладали изысканным вкусом, а в силу того, что у них ничего больше не было!

Фото сверху работа Микеланджело.

На фото снизу известный «шедевр» современного искусства, «Лежащая фигура» скульптура – Генри Мура (1951 г.). Christie’s продал «Лежащую фигуру» за 30 миллионов долларов. Это при том, что Муром было отлито 5 экземпляров скульптуры.

Так и с искусством, когда нет Микеланджело, на его место приходит современное искусство. Но если в случае с едой, есть надо каждый день и еду надо приобретать, то с искусством все проще. Чтобы понимать истинное искусство, не надо обладать этими вещами, достаточно лишь созерцать истинные произведения искусства в музеях и на страницах в интернете.

В завершении, хочу сказать, что не все нынешние художники создают произведения, которые можно назвать мерзость. Нет, есть и достойные творцы, просто в современных реалиях переплетения бизнеса, средств медиа и искусства, на поверхность чаще всего всплывает…

Подлинное искусство – известные картины русских художников.

“ТАЛАНТ ДИЛЕРА”: ПОЧЕМУ СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО СТОИТ ТАК ДОРОГО

Само название такого явления, как арт-рынок, сразу окутывает нас таинственным ритуалом: посещение богемной галереи с бокалом дорогого шампанского, где человек с молоточком в руке динамично проговаривает предлагаемые суммы за лоты. И почему люди готовы отдавать такие крупные суммы за какое-то “старьё” или “современную мазню”, да и ещё по рекомендации незнакомого человека, называющего себя искусствоведом? Журнал МОСТ углубился в теоретические аспекты арт-рынка и выяснил, как на самом деле происходит ценообразование на рынке искусства.

Для начала следует прояснить несколько терминов, которыми оперируют знатоки художественного рынка.

Арт-дилер – человек или компания, которая покупает и продаёт произведения искусства.

Арт-рынок – система социокультурных и экономических отношений, связанных с товарооборотом произведений искусства и услуг по исполнению художественных работ. Он является важным компонентом культуры – формирует материальную основу для развития искусства, существенно и разносторонне влияет на создание, распространение и бытование художественных произведений.

Аукцион – публичная продажа товаров, ценных бумаг, имущества предприятий, произведений искусства, и других объектов, которая производится по заранее установленным правилам аукциона.

Лот – единица купли-продажи во время торгов на аукционах, биржах.

Провенанс – история владения художественным произведением, предметом антиквариата, его происхождение.

Историческая эволюция арт-рынка представляет особый предмет исследовательского анализа, в котором выделяют два этапа: до-рыночный и рыночный. На первом этапе сделки совершались стихийно, свободно и без участия большого количества посредников. Были распространены такие формы передвижения произведения искусства, как дарение, обмен, заказ. Отсутствовала чёткая структура функционирования художественного рынка, из-за чего процесс выстраивания инфраструктуры шёл довольно медленно. Вместе с тем восприятие искусства тяготело к классическим канонам, больше склоняясь к духовной ценности произведения.

На втором, рыночном этапе произошла смена мировоззренческих установок, отражающих картину мира нового человека. На арт-рынке теперь выстраивается определенная система отношений и чёткое правовое регулирование. Важную роль играют арт-дилеры, занимающие центральное положение между художником и покупателями. Исследователь арт-рынка Анна Арутюнова отмечает, что успех на художественном рынке, в первую очередь, теперь зависит не от таланта художника, а от таланта дилера.

Рыночная система закрепилась практически во всех сферах жизни. Можно сказать, что она стала новым двигателем цивилизации и все больше переплетается со сферой культуры, порождая новые формы взаимодействия. К такому противоречивому “сотрудничеству” и стоит отнести арт-рынок, который с развитием истории трансформируется, расширяет сферу своего влияния, находясь в беспрерывном диалоге с культурой.

Со второй половины ХХ века на Западе началась активная коммерциализация общества, появляется “массовая культура”. Данная проблематика становится предметом исследования Франкфуртской школы (критическая теория современного общества, разновидность неомарксизма), возникшей в 1930 году. Её представители (Теодор Адорно, Макс Хоркхаймер, Эрих Фромм, Вальтер Беньямин) высказывают мысль о том, что “современное общество технократично и существует за счёт распространения ложного сознания посредством СМИ, а также популярной культуры”.

Читайте также:
Реальная правда об успехе и идеалах человечества

Все это оказывает заметное влияние на последующее развитие искусства. Анна Арутюнова в своей книге “Арт-рынок в XXI веке: пространство художественного эксперимента” отмечает, что коммерциализация искусства во многом способствовала изменениям привычного функционирования арт-рынка и внутреннему расколу, в результате которого возникли споры о том, как именно должны взаимодействовать произведения искусства с деньгами. Под коммерциализацией искусства, прежде всего, понимаются последствия перехода к рыночной экономике, повлекшие за собой трансформацию духовного восприятия произведений искусства в сторону материального. И в современных реалиях в общемировом пространстве арт-рынка наблюдается активная борьба с данным явлением, в котором одни видят негативные последствия, а другие отмечают появление новых возможностей.

Более того, выделяется два противоположных подхода к изучению арт-рынка, каждый из которых признает либо главенство искусства над рынком, либо доминирующую позицию рынка над искусством. Однако вряд ли в данном вопросе можно принять одну из сторон, ведь специфика арт-рынка и заключается в смежном положении данных понятий. Также Арутюнова отмечает, что искусство становится предметом спекуляции, привлекая к себе всё больше людей, способствующих обесцениванию его непоколебимых столпов. Однако важно отметить, что оно не утрачивает свои позиции, приспосабливаясь к определённым условиям и изобретая новые способы по отображению действительности.

В Советском Союзе же долгое время царила атмосфера тоталитарного равенства, где не было места свободной конкуренции, и идеология определяла художественную ценность тех или иных произведений искусств. Поэтому можно сказать, что художественный рынок в то время замещал идеологический рынок, финансируемый государством. Представители официальной культуры в СССР подчинялись государству и работали на благо идеологии. Но можно ли в таком случае плоды их деятельности называть произведением искусства, являющимся частью культуры, ведь сама по себе культура не может чему-либо подчиняться и следовать четко указанному курсу?

Безусловно, среди них были талантливые художники, поэты и музыканты, но все же вряд ли их можно назвать теми, кто формировал и двигал культуру вперед. Скорее, они были теми, кто пел оды настоящему, не заглядывая в будущее. А, как известно, долгое топтание на месте обрекает на непроизвольную стагнацию. Любому живому организму необходима не просто подпитка, а полноценное питание, способное обеспечить дальнейшее движение.

Художественный рынок в ходе своего развития переживал расцвет и упадок, и начало нового столетия ознаменовано установлением нового ценового рекорда – картина Пабло Пикассо “Мальчик с трубкой” на аукционе Sotheby`s преодолела отметку в 100 миллионов долларов. Стоит отметить изменения в соотношении нового и старого искусства – с этого времени в мировом масштабе растёт спрос на работы современных художников, высказывающихся в более радикальной форме в своих работах. В условиях постиндустриального общества художникам всё сложнее не столько заявить о себе и найти своё место в арт-сообществе, сколько распознать истинное искусство среди огромного количества других творцов.

Проанализировав рейтинг самых дорогих ныне живущих художников, можно отметить, что в их творчестве нет общей направленности, все они являются представителями разных художественных стилей. Таким образом, можно выявить некую тенденцию персонализации искусства, когда каждый художник стремится показать своё уникальное видение, обособившись от общего художественного пространства, в то же время оставаясь в его контексте. И всё же развенчивание рыночной системы становится одной из центральных тем в творчестве современных художников в мировом масштабе.

Однако, попав в рыночный оборот искусства, их работы сами могут оказаться в роли коммерческого продукта. Как отмечал советский искусствовед Шмит, все циклы развития искусства решали те или иные проблемы, где каждый последующий развивается в два раза быстрее, в результате чего должен был наступить конец развития искусства. К примеру, искусство эпохи Возрождения занимается решением проблемы передачи пространства, реализм решает задачу передачи движения, импрессионизм – света. И, размышляя о том, какую проблему решает современный цикл развития искусства, можно предположить, что оно занимается не столько поиском новых способов передачи действительности, сколько осмыслением своего места в условиях коммерциализации искусства.

Арт-рынок всё больше воспринимается как сугубо экономическая область, где доминируют финансовые механизмы, так как подавляющая часть покупателей интересуется инвестиционным потенциалом предметов искусства, а не их эстетической составляющей. Об этом говорит то, что в последние десятилетия наметилась тенденция приобретения работ известных художников медийными личностями для повышения своего социального статуса. В социологии данное явление называется “эффект Веблена”, то есть демонстративное потребление недоступных большинству благ с целью повышения своего социального статуса. В данном случае чрезмерно высокая стоимость, наоборот, повышает уровень интереса потребителей. Однако особенность арт-рынка заключается в том, что его дальнейшее развитие практически невозможно предугадать и спланировать, потому что он напрямую зависит от культурных, экономических и политических процессов. Вероятно, данный факт указывает на трансформацию восприятия произведений искусств и приобретение ими новых функций.

Немецкий философ и социолог Зиммель в своем труде “Философия денег” дал следующее определение ценности: это фиксируемая дистанция между объектом и субъектом, чье вожделение фиксирует эту дистанцию и стремится преодолеть её. Стоит отметить природную субъективность понятия “ценность”. К примеру, во время аукциона каждый его участник за определенное произведение искусства готов отдать сумму, продиктованную, в первую очередь, его желанием приобрести лот. Таким образом, вокруг произведения искусства создается некий ценовой пузырь, равный его ценности лишь с точки зрения покупателя. Поэтому ценность представляет собой довольно неустойчивую форму, способную проявиться лишь спустя время.

Французский социолог, философ Пьер Бурдьё отмечал, что “мир искусства – это место, где постоянно порождается ценность произведений искусства и вера в эту ценность”. Действительно, важно подчеркнуть, что понятие ценности базируется, прежде всего, на вере, в дальнейшем переходящей в денежный эквивалент. Можно сделать вывод, что ценность является результатом влияния произведения искусства на зрителей через определенную форму представления. И она может колебаться в зависимости от степени интереса зрителей, то есть ценность и цена на художественном рынке – это две параллельные прямые, которые в данном контексте не могут пересечься.

Читайте также:
Антикварная Кукла Пандора из ткани – фото куклы

Специфика рынка искусств заключается в том, что не существует ясной методологии по определению стоимости произведения искусства, так как есть слишком много факторов, влияющих на неё: к ним можно отнести инфляцию, общий рост или падение экономики, интерес к определенному жанру, художественному направлению. Теоретик культуры Дидрих Дидерихсен предлагает стоимостный анализ произведения искусства, используя фундаментальные марксистские понятия. Стоимость произведения искусства, по его мнению, можно рассчитывать начиная с того, сколько лет художник потратил на обучение в художественной школе. Также в рамках своей концепции он выделяет такое понятие как “метафизический индекс”, под которым подразумевает уникальное явление, влияющее на ценообразование в сфере искусства, где “подлинный материал оригинала до некоторой степени исчез, и художественный объект превратился в нечто наподобие метафизического индекса”.

Говоря об общих тенденциях ценообразования на арт-рынке, необходимо подчеркнуть, что цена основывается на фактах биографии художника, технических характеристиках и уникальности работы. Однако в отношении современного искусства данный способ весьма условен и нет гарантии, что произведение искусства будет продано за вычисленную сумму, если к нему отсутствует покупательский интерес. Таким образом, мы приходим к выводу, что в данной сфере отсутствует определенная методология ценообразования, благодаря которой художественный рынок и выбивается из общего экономического контекста.

Обращаясь к вопросу о том, есть ли чёткая граница между искусством и рынком, Изабель Грав в своей книге “Высокая цена: искусство между рынком и культурой знаменитости” заявляет, что “эти сферы тесно переплетены между собой, но в то же время стремятся друг от друга оттолкнуться”. С данной точкой зрения можно согласиться, так как при попытках их разграничить, они порождают все больше путей для дальнейшего развития обеих областей, образуя при этом единое поле деятельности.

Автор книги также уделяет большое внимание изучению личности и поведению художника в обществе, указывая на то, что его творческий успех всё больше зависит от того, как он себя преподносит в социуме. Действительно, значительное влияние СМИ в обществе подводят деятелей искусства к тому, что их публичный образ или его отсутствие становится частью их творчества. Здесь важно отметить, что без необходимой инфраструктуры невозможно полноценное функционирование арт-рынка, ведь именно она способствует мобильности произведений искусства на рынке. Если до прихода рыночных механизмов главенствующие роли в купли-продаже принадлежали художнику и покупателю, то на сегодняшний день ключевые функции в работе арт- рынка выполняются посредниками: галереями, дилерами, ярмарками.

Таким образом, мы наблюдаем тенденцию разделения труда, постепенно пришедшую в сферу художественного рынка в рамках рыночной экономики. Это привело к возникновению более сложных связей, в результате которого, к примеру, организация выставок становится прерогативой кураторов, обладающих особыми знаниями в области маркетинга, смещая роль художника с главенствующего положения. Каждый этап продвижения произведения искусства от его создателя или продавца до покупателя проходит через несколько инстанций, занимающихся как правовыми вопросами сделки, так и прикладными, например, хранением и перевозкой.

Главная особенность арт-рынка заключается в том, что в денежный эквивалент, в первую очередь, конвертируется в символическое значение произведения, а не в ресурсы, потраченные на его создание. Именно поэтому для полноценного функционирования локального рынка искусства необходимо признание ценности этих символов внутри государства, ибо в противном случае вся создаваемая культура будет направлена на экспорт. А это может привести к утечке творческих, интеллектуальных ресурсов за рубеж и внутреннему застою.

Важно создать систему, обладающую необходимой инфраструктурой по сохранению культурной самобытности и поддержке современного искусства, являющегося в своей сущности отражением национальной идентичности. В частности, уровень развития местного арт-рынка является показателем того, как себя чувствует культура на данный момент: какие она переживает трудности и в каком направлении она двигается. Приоритетные пути развития арт-рынка каждой страны диктуются, прежде всего, её культурным кодом, необходимым для вхождения в международный контекст. И при данном переходе крайне необходимо участие институций, способных перенести региональные особенности на мировую сцену на понятном для всех языке без потери смысловых связок. Поэтому важно отметить, что арт-рынок, являясь частью культуры, во многом от неё зависим, и они находятся в постоянном диалоге между собой.

Современное искусство: какие произведения художники создают сегодня?

Современное искусство (англ. contemporary art) объединяет весь спектр течений, направлений и жанров, к которым обращались авторы с конца ХХ века до сегодняшнего дня. В условиях глобализации и развития технологий художники создают невероятно разнообразные произведения. В современном искусстве сложно найти общие черты и единые принципы — настолько оно индивидуально и разнопланово. Жанры и культурные традиции проникают друг в друга, а художники продолжают искать новые способы самовыражения и актуальные темы.

Современное искусство включает многочисленные художественные течения, сформировавшиеся в прошлом. Но к ним постоянно добавляются новые виды творчества. Вот приблизительный список направлений, возникших после 1990 года:

  • GPS-рисование.
  • Mission School.
  • Superflat.
  • Superstroke.
  • Taring Padi.
  • Verdadism.
  • Альтермодерн.
  • Арт-интервенция.
  • Артивизм.
  • Артхаусная игра.
  • Био-арт.
  • Брендализм.
  • Виртуальное искусство.
  • Гибридное искусство.
  • Гиперреальность.
  • Движение китча.
  • Девиантное искусство.
  • Дефастенизм.
  • Индидженизм.
  • Интентизм.
  • Информационное искусство.
  • Искусство взаимоотношений.
  • Максимализм.
  • Массюрреализм.
  • Метамодернизм.
  • Молодые британские художники.
  • Нет-арт.
  • Новая готика.
  • Новая европейская живопись.
  • Новая лейпцигская школа.
  • Новая эстетика.
  • Пассионизм.
  • Пост-интернет искусство.
  • Постчерное искусство.
  • Программное искусство.
  • Псевдореализм.
  • Ремодернизм.
  • Скульптура возобновляемой энергии.
  • Солнечное искусство.
  • Стакизм.
  • Стрит-арт.
  • Тактические медиа.
  • Тоизм.
  • Циничный реализм.
  • Эволюционное искусство.
  • Эковенция.

Что называется современным искусством?

Современное искусство на Западе обозначается двумя терминами: art modern и contemporary art. Первый характеризует творческие процессы с конца XIX века примерно до середины прошлого столетия. Второй относится к произведениям с послевоенного до настоящего времени. Но и такого разделения уже недостаточно. Время идет, и бывшие вчера передовыми работы становятся историей. Особенно остро это чувствуют музеи современного искусства, поскольку их приобретения постепенно устаревают.

В настоящее время принято относить к контемпорари арт произведения, созданные за последние 50, 30 или 20 лет.

В русском языке современное искусство испытывает трудности с точным определением и временными рамками: термин часто употребляется по отношению к произведениям большей части XX и всего XXI века. В 1990-е появилось понятие «актуальное искусство», но так называли только самые новаторские или радикальные техники, и сейчас это выражение используется редко.

Читайте также:
Реклама и модные бренды в социальной сети Instagram

Другой вариант определения термина «современное искусство» — это творчество художников, которые еще живы и продолжают работать.

Характерные признаки современного искусства

Если вы слышите слово «импрессионизм», то сразу вспоминаете пейзажи Клода Моне (Oscar-Claude Monet) или портреты Огюста Ренуара (Pierre-Auguste Renoir). Высокое Возрождение, эпоха Рококо, Товарищество передвижников — каждое течение или школа предлагают узнаваемые образы, сюжеты и техники. Сейчас это правило уже не работает. Один лишь тот факт, что художник современный, как и место его проживания, ничего не скажут вам о стиле, формах или тематике произведений. Можно назвать несколько признаков, характерных для современного искусства в целом:

  • Огромное разнообразие техник и материалов — от известных со старых времен до цифровых. Зарождение множества новых направлений.
  • Появление в творчестве новых тем: миграции, экологии, гендерной идентичности, искусственного интеллекта и многих других.
  • Взаимосвязь национальных культур, которые влияют друг на друга через интернет, международные выставки и перемещение художников.
  • Сосуществование традиционных жанров с новейшими и их смешивание, когда это помогает реализовать художественный замысел.
  • Расширение понятия «искусство» и включение того, что ранее относилось к ремеслам или другим сферам. Например, комиксы и дизайн одежды.
  • Появление «совместного искусства», в котором арт-объекты направлены на прямое взаимодействие со зрителем.

Самые известные современные художники

В настоящее время продолжают работать многие признанные мастера, прославившиеся более 50 лет назад, но появляются и новые яркие имена. Вот лишь несколько самых известных современных художников, представляющих старое и новое поколения:

  • Герхард Рихтер (Gerhard Richter). Немецкий художник, которому скоро исполнится 90 лет, успел за долгую жизнь поработать в жанрах поп-арта, абстракции, минимализма и фотореализма. В последние годы он продолжает создавать новые работы и экспериментировать с материалами.
  • Яёи Кусама. Японская художница, автор ярких картин, коллажей, скульптур, инсталляций и перформансов. Продажи на аукционах сделали ее самой дорогой из ныне живущих художниц, а выставки 2017-2019 годов собирали огромные очереди.
  • Дэвид Хокни (David Hockney). В 2018 году этот автор стал самым дорогим из современных художников. Его картина «Бассейн с двумя фигурами» была продана более чем за 90 миллионов долларов. В последние годы Хокни создает новые произведения с помощью гаджетов — iPhone и iPad.
  • Аниш Капур (Anish Kapoor). Этот британский автор знаменит абстрактными скульптурами. Несколько лет назад он получил эксклюзивное право использовать в творчестве «самый черный цвет», получаемый по технологии Vantablack.
  • Джефф Кунс (Jeff Koons). Американский скульптор, создающий концептуальные фигуры из отполированной до зеркального блеска стали. Скульптуры имитируют пластик и другие современные материалы. Самая узнаваемая работа — «Собака из шариков».
  • Дэмьен Херст (Damien Hirst). Самый известный участник группы «Молодые британские художники». Всемирную известность ему принесли работы с мертвыми животными, сохраненными в формальдегиде, и скульптура «За любовь Господа» в виде усыпанного бриллиантами черепа.
  • Бэнкси. Анонимный британский художник, о реальной личности и биографии которого почти ничего не известно. Бэнкси работает в жанре стрит-арта, создавая сатирические граффити на остросоциальные темы.

Познакомиться с произведениями современного искусства предлагают многие музеи. Один из самых известных в мире — Современная галерея Тейт в Лондоне, в России — музей «Гараж» в Москве. Сегодня мы можем наблюдать, как зарождается искусство будущего. Но лишь спустя некоторое время станет понятно, какие из новых течений получат развитие, а какие будут забыты.

Научитесь видеть прекрасное в двух мазках, или зачем нам современное искусство

Что такое современное искусство, как научиться его понимать, и почему не каждая «странная» картина — это contemporary art: беседуем с молодым искусствоведом.

Открываете очередной номер случайного журнала, сидя где-нибудь в салоне самолета или в кафе, натыкаетесь на новости об очередной сделке на аукционе, где картина «известного современного художника» сошла с лота за несколько миллионов долларов, и впадаете в ступор? Недоумению вашему нет предела, ведь картину привычной картиной и не назовешь: пара мазков, четыре точки, а то и вообще изрезанное полотно. Как это можно объяснить? Помочь разобраться в этой непростой ситуации с радостью вызвался молодой специалист, искусствовед, научный сотрудник Музея Модерна в Самаре, Ирина Свиридова.

Чтобы понять предмет, нужно определиться терминологически. И в связи с этим возникает вопрос: что, по-твоему, есть современное искусство?

Те, кто начинают заниматься искусством, рано или поздно в результате приходят к современности. Я сейчас буду немного занудной, и скажу, что мы будем говорить не о современном искусстве, а о contemporary art, потому что современное искусство – это то, что начинается с 60-х годов 19 века, с импрессионизма. Это уход от классической традиции, классических эталонов. А вот то, что сейчас происходит, — это contemporary art.

Мы живем в определенное время, и следовало бы жить в своем времени. Нам постоянно в университете твердили о том, что нужно слушать свою музыку, т.е музыку нашего времени, нужно читать свою литературу, чтобы не жить в прошлом, а знать, что происходит здесь и сейчас. Так же и с визуальным искусством.

И все же, что такое современное искусство?

Если говорить конкретно об определении, то это очень сложный вопрос. И я над этим думаю уже достаточно долго. Я бы сказала, что не только современное искусство, а в принципе искусство по стандартной формулировке – это отражение действительности в художественных образах. Т.е. это действительность, которую мы переживаем, но поданная через интерпретацию художника.

А как понять современное искусство обычному человеку? Зачастую такой человек приходит на выставку и видит, например, мусор. И не понимает, что это и как воспринимать? Приходит ли это с опытом или этому нужно учиться?

На самом деле, касаясь современного искусства, мы вступаем на достаточно скользкую дорожку, потому что сейчас искусства очень много. Если раньше всегда было одно какое-то направление, например, барокко, и ведущие художники писали именно в этом стиле, то сейчас такого потокового направления нет. И каждый человек, художник, пытается выразить себя по-особенному. Он пытается сделать то, чего до него не делали.

Читайте также:
Экономический и финансовый кризис в России и любимая работа

Я думаю, сейчас можно выделить два направления: это художники-исследователи (как раз именно такое после 70-х годов 20-го века и появилось), которые изучают социальные процессы, и результаты своих исследований они показывают в своем творчестве. И чтобы понять это направление искусства, нужно знать теоретическую базу. Автор выражает какую-то мысль, обычно она каким-то образом обоснована, и эту мысль нужно знать, чтобы понять суть происходящего.

И второе направление – это те художники, которые выражают свои эмоции, себя самого, свои чувства, переживания. И здесь уже нет никакой теоретической базы. Здесь все рассчитано на эмоции, т.е. то, как человек не мозгом, а чувствами это воспримет. Искусство ради искусства.

Что заставляет людей замирать перед произведением искусства?

В музее, где я работаю (Музей Модерна, Самара) несколько лет назад была выставка «Мир искусства» (это такая большая группа русских художников начала 20-го века). На эту выставку привезли большую скульптуру Врубеля, и есть даже видео, где показано, как одна пожилая дама минут десять стоит перед этой скульптурой. Она ее обходила, смотрела, как будто находилась в активном диалоге со скульптурой, и это вошло в архив нашего музея. Я считаю, что человек – это такой сгусток из воспоминаний, эмоций, знаний, из всего, что происходит вокруг него. Если человек замирает перед каким-то произведением, то он резонирует вместе с ним. Он находит в этом что-то созвучное его состоянию в данный момент. Если это касается современного искусства, то обычно это нечто невыразимое. Почему-то…почему-то хочется стоять и чувствовать, что это твое. Но есть еще один вариант: у каждого человека есть чувство внутренней гармонии, причем гармонии и формы, и цвета. Поэтому, скорее всего, человеку что-то кажется гармоничным в произведении, и это влияет на него.

Существует категория людей, утверждающих, что ходить на выставки современного искусства – это пустая трата времени и денег. Что специалист может ответить на эти реплики?

Я отвечу просто: изучайте историю искусства! Для обычных людей, которые так говорят, искусство заканчивается на Шишкине и Айвазовском. Того же Малевича они знают, но совершенно не понимают. Им необходимо, во-первых, понять то, что сейчас искусство отличается от творчества художников-реалистов 19-го века. Нужно принять для себя тот факт, что актуальное искусство — странное, пугающее, непонятное, есть и будет, и потом начать его изучать. В любом случае, все заключается в знании, и если у человека есть представления об истории искусства, то он более спокойно будет относиться к современным художественным процессам и будет хотя бы пытаться их понять. И это единственный совет, который я вообще могу дать таким людям.

Чем руководствуются художники, когда называют свои картины?

Я думаю, опять же, представлением, — что он хотел сказать в этом произведении. Вот есть какая-то мысль, и он выражает ее в художественном образе. Иногда мысль не умещается в этом образе, и тогда она распространяется и на название тоже. Реальность достаточно проста и более тривиальна. Иногда название придумывается где-то за несколько часов до открытия выставки.

Почему чьи-то картины, на которых изображена пара пятен или мазков, могут стоить миллионы, а чьи-то нет?

Да, это вопрос, который волнует многих. Обычно говорят — да мой пятилетний сын так же нарисует! Как раз в середине 20-го века встает проблема взаимоотношения творения и творца: это произведение — искусство, поэтому я художник. Или вот я назвал себя художником, и поэтому все, что я делаю – это искусство? И сейчас очень много зависит от личности художника. Это человек, которого критик, по сути, назвал художником, значит все, что он делает, является искусством. Любой человек может намалевать картину, но это не продастся, потому что сам человек не известен в арт-обществе.

Важным является творческий метод художника и то, насколько новаторским он оказывается. Допустим, Джексон Поллок с его абстрактным экспрессионизмом и техникой разбрызгивания краски. Он стал первым, вошел в историю, стал одним из самых знаменитых художников XX века, и как раз его работы продаются за баснословные деньги. Как, впрочем, и творчество Марка Ротко, которого обычно любят вспоминать «жители» социальных сетей. Все эти авангардные художники имели классическое образование, но они на этом не остановились, а пошли дальше, разрабатывали свое видение искусства. Если кто-то захочет повторить творческий метод Ротко или Малевича, то это уже, конечно, котироваться на арт-рынке не будет, потому что «такое уже видели».

Но ведь кто-то в арт-общество попадет, начиная с таких картин? Это что, везение?

Сейчас многое зависит от интерпретаторов и трансляторов, ими обычно становятся частные галереи, которые собирают вокруг себя художников. Они их часто выставляют, и обществу преподносят как настоящих мастеров. Так как галерист — профессионал в своем деле, то у обычных людей не должно возникнуть сомнения в таланте выбранного художника. Для такого искусства — лаконичного, непонятного, с виду простого — необходимо попасть в тренд. Искусство живет и развивается вместе с обществом, оно отвечает на запросы сегодняшнего дня. Если мы видим на картине круг и прямоугольник, то, скорее всего, только так возможно выразить все то, что происходит в современном художнику мире.

Как наткнуться на такого критика, который скажет, что это искусство?

Есть критики, которые сделали себе имя в арт-сообществе. Они уважаемы, к их мнению прислушиваются. Обычно достаточно много говорят и пишут, поэтому главное услышать. И его мнение многое решает. Но достаточно сложный процесс – сделать из человека художника. Например, Ротко все равно связан с абстракционизмом, и он стал одним из таких главных людей своего направления. Его заметил какой-то галерист, который начал выставлять, продвигать и продавать. Я думаю, что по большой части решает человек, который дает теоретическое обоснование. Талант тоже решает многое в современном искусстве. Это должно быть новаторским, новым словом в искусстве, еще одним шажком.

Читайте также:
Кого можно назвать неудачником, а кого успешным в полной мере?

Как сегодня доносить сложный язык искусства до ленивого зрителя? И какие способы существуют?

А зачем? Я не понимаю, зачем всем людям любить искусство? Все знают, что есть литература, но не все любят читать или не любят определенный жанр. Самое важное, как мне кажется, это сделать так, чтобы человек именно принял искусство. Сейчас очень много холивара: зачем все это, это не нужно! Это нужно, потому что является отражением нашей современной жизни. Человек может не любить, и ничего страшного в этом не будет. На самом деле, мой не очень большой опыт показал, что доносить информацию можно лекциями. Читать информацию можно спокойно и в Интернете, но людям интересно послушать такого человека, который будет говорить простым языком, легко. Я постоянно шучу и обычно не говорю то, что мне неинтересно. Современное искусство требует знаний. Оно закодировано, и чтобы понять, нужно знать язык, код. И без этого никуда. Ленивым — только ходить на лекции, вот все, что могу посоветовать.

Любая система со временем претерпевает какие-либо изменения. Какой скачок ждет современное искусство, и как ты представляешь его в будущем?

Повторюсь: искусство очень сильно завязано на современности. И оно будет в любом случае отвечать современным проблемам и тенденциям. Все-таки художники — это обычные люди, которые живут в обществе, тоже чувствуют, думают, что-то себе там представляют и с ними что-то случается, поэтому они все происходящее вокруг творчески переосмысливают и показывают в своих работах. Сейчас есть достаточно серьезная тенденция к уходу от изобразительности к документированию, причем, этот процесс очень сильно связан с природой. Искусство просто может вылиться в наблюдение, и главной задачей художника будет увидеть какой-то отдельный, иногда скрытый, процесс, и показать его всем остальным . Еще вариант: эти позиции (искусство как исследование и искусство как выражение эмоций) будут расширяться и отходить друг от друга, существовать как параллельные стези, которые не пересекутся. И это не будет одним единым стилем в будущем. Сейчас все очень пестро, ярко и неоднородно.

Занимается ли сам искусствовед творчеством?

Обычно да. У меня подруга, с которой мы все 6 лет обучения прошли вместе, — художник. Ей это интересно и так она выражает свое отношение к миру. Лично мне это не то чтобы неинтересно, я просто не хочу идти в творчество. Я хочу заниматься теорией и критикой!

Будни российского искусствоведа. Какие они?

Искусствоведов сейчас много и они везде. Занимаются самой разной деятельностью. Я — научный сотрудник музея, поэтому в мои обязанности входит организация выставок. Я такой некий культурный менеджер. Пишу тексты, лекции. И лекции — это достаточно удачный проект, который город действительно поддержал. На каждую лекцию приходит около 20 человек и больше, чтобы просто послушать про искусство. Готовлюсь к этим лекциям, нахожу интересную информацию, чтобы простым языком донести до посетителей. Но в голове сейчас бюрократические штуки, потому что вся документация музея — одна сплошная бешеная отчетность. Это то, что сильнее всего мешает работе.

Ты, как молодой специалист, уже столкнулась с какими-либо проблемами. Что ты можешь выделить в категорию проблем на твоем месте работы?

Первое, что мне хотелось бы выделить, — это бюрократический аппарат. Если делать какое-то мероприятие, то обычно, когда ты доходишь до него сквозь экономистов, юристов и так далее, то от этого художественного проекта ничего не остается. Но сможем ли мы победить сейчас эту бюрократию? — вряд ли. Нужно пытаться абстрагироваться от этого. Второе — сейчас музеи, как и кинотеатры, должны зарабатывать. Очень плохая тенденция. Здесь музей направлен не на просвещение, а на рейтинги. И есть не явная, но достаточно сильная конкуренция между музеями. Это я считаю очень неправильным. Нужно создавать в городе такую культурную среду, чтобы человек выбирал не между музеями, а между, допустим, музеем и торговым центром. Очень хочется, чтобы люди больше проводили время, познавая что-то. Я нахожусь в этой среде, и знаю, что и где происходит, но до большинства людей не доходит эта информация. Мне кажется необходимым создание единой платформы, сайта, где будут сконцентрирована вся информация обо всех музеях города.

И, в-третьих, устойчивый стереотип, что музей — мертвое скучное место. Современный музей – это пространство, в котором можно интересно проводить время. Например, у нас большинство проектов направлено на молодую публику. Нужно доносить, что музеи — это нескучно, интересно, и даже «развлекательнее», чем кинотеатры. Наверно, это три главные проблемы.

Обложка: Смитсоновский музей американского искусства/©Wikimedia Commons.

Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.

Современное искусство: как на нас влияют картины современных художников

Мы можем принимать современное искусство или выступать против него. Можем смириться с тем, что картины, на которых, казалось бы, изображены простые мазки, продают за миллионы долларов, или ругаться и не соглашаться с этим. Но как бы то ни было, современное искусство – вокруг нас, мы живем вместе с ним и испытываем его влияние, хотя и не всегда это осознаем. Сегодня мы рассказываем о том, как современное искусство влияет на наши жизни.

Что можно считать современным искусством?

Начнем с того, что попробуем разобраться, что же такое современное искусство в целом. Дать ответ на этот вопрос на самом деле непросто. Хотя бы потому что под современным искусством подразумевают разные понятия. Некоторые искусствоведы относят к современному искусству (так называемый «contemporary art») картины, созданные художниками начиная с 60-х годов XIX века, а именно – с импрессионизма. Другие же подразумевают под «современным искусством» картины последних 20-30 лет. В этой статье мы будем ссылаться больше на второе определение.

Некоторые искусствоведы относят к современному искусству картины, созданные художниками начиная с 60-х годов XIX века, а именно – с импрессионизма

Почему многим людям (а на самом деле – абсолютному большинству) настолько непонятно современное искусство, а главное – как его интерпретировать? Искусствовед Ирина Свиридова считает: «На самом деле, касаясь современного искусства, мы вступаем на достаточно скользкую дорожку, потому что сейчас искусства очень много. Если раньше всегда было одно какое-то направление, например, барокко, и ведущие художники писали именно в этом стиле, то сейчас такого потокового направления нет. И каждый человек, художник, пытается выразить себя по-особенному. Он пытается сделать то, чего до него не делали».

Такое разнообразия, которое существует из-за отсутствия единого направления, порождает сложности в восприятии современных художников. Они выражают свои чувства исключительно на эмоциональном уровне. И поэтому такие произведения нужно пытаться не понять, а прочувствовать. Даже когда кажется, что на картине действительно нет ничего, кроме двух мазков и трех полосок.

Какие тренды в современном искусстве сейчас существуют

  • Рисованные картины не в прошлом

Казалось бы, когда вокруг столько разных видов искусства, начиная с инсталляции и заканчивая видеоартом, традиционные рисованные картины могли бы потерять свою актуальность. Но на удивление этого не произошло. Напротив, картины пользуются большим спросом, их продолжают писать и продавать за большие деньги.

Рисованные картины не потеряли свою актуальность среди современных художников

  • Предметом современного искусства может быть что угодно

И это не преувеличение. Что бы вы в данный момент ни увидели около себя – этот предмет может стать предметом искусства, если придать ему определенный смысл и начать воспринимать через эмоции.

  • Новые программы, превращающие картины с планшетов в настоящие полотна из масла

Многие современные художники создают свои картины на планшетах. Благодаря определенным программам позже эти изображения можно распечатать и превратить в настоящие полотна.

Самые известные современные художники

Пьер Юиг

Художник живет и работает между Парижем и Нью-Йорком. Прославился своими видеоинсталляциями и развитием течения под названием post-production, смысл которого заключается в повторном использовании фильмов и изображений из газет и журналов.

Работа Пьера Юига

Ай Вэйвэй

Китайский художник, который живет в Берлине. Основная тема его творчества – отношение к мигрантам и миграции. Одна из главных его работ – инсталляция в виде огромной надувной лодки, на которой находились 258 надувных фигур. Этим проектом он показывал игнорирование многих стран тяжелой ситуации с беженцами.

Ай Вэйвэй

Барбара Крюгер

Живет и работает между Нью-Йорком и Лос-Анджелесом. Больше всего она известна своими работами со шрифтами: например, в Берлине выставлялась ее инсталляция – комната с черно-белыми надписями из романов Вирджинии Вульф.

Барбара Крюгер. Без названия

Яёи Кусама

Творчество этой художницы развивается уже на протяжении 70 лет! 88-летняя Кусама в Японии является настоящей поп-звездой, на выставки которой выстраиваются огромные очереди. Ее работы в стиле поп-арт стали настолько популярны, что в Токио открылся многоэтажный музей ее имени.

Яёи Кусама, у которой есть психологические расстройства. Но это не мешает ей писать картины

Георг Базелиц

Немецкий художник, график и скульптор. На протяжении десятилетий он занимался предметной живописью и все эти годы удерживал статус одного из самых важных и влиятельных художников современности.

Георг Базелиц и его перевернутые картины

Влияние картин современных художников на людей

Как же влияет современное искусство на нас? Если вы вдумаетесь, то искусство окружает нас везде. Оно не только в музеях и галереях, но и на улице – на рекламных щитах и на домах, оно в городских или морских пейзажах, во дворах многоэтажных серых зданий и залитых солнцем вилл. Чтобы его увидеть – нужно смотреть и нужно чувствовать. И чувствовать – это главное, чему нас учат картины современных художников.

Чтобы их понять, нужно отключить всю свою рациональность и предвзятость и вывести на передний план свои эмоции и чувствительность, о которых мы так часто забываем. Научиться видеть красоту и смысл во всем, даже в полотне, на котором изображены непонятные фигуры или странные мазки, – самое важное, что мы можем взять от современного искусства.

С ним мы также учимся эмпатии. Чтобы понять картину, нам нужно узнать ее историю, замысел художника, его эмоции. Уже после этого, когда мы прочувствуем это все и пропустим через себя, тогда мы сможем сделать свои собственные выводы и подумать, с какими событиями, чувствами или ощущениями из нашей жизни все это можно связать.

Современное искусство особенно сильно влияет на нашу способность думать. Согласитесь, бывает очень непросто догадаться, что же хотел сказать художник. И нам приходится рассуждать, рассматривать разные варианты и делать выводы, пусть даже иногда и не всегда правильные.

В конце концов, современные произведения искусства заставляют нас смотреть на все под другим, непривычным, углом. Они дают понять, что нельзя делить мир только на черное и белое, а искусство – на хорошее (высокое) и плохое. Все далеко не так просто, и часто за тем, что кажется простым и даже примитивным на первый взгляд, стоит огромный смысл, который невозможно осознать и принять, если не посмотреть на все под непривычным углом (вспомним «Черный квадрат» Малевича).

Современное искусство прекрасно в своем многообразии и необычности. И прежде, чем говорить: «Да мой маленький ребенок нарисует лучше», дайте шанс произведениям рассказать о себе и стать ближе и более понятными.

Бонус: самое точное определение современного искусства

Про современное искусство говорят очень много и все вокруг: от его поклонников и противников до самих художников и критиков. Но, кажется, одно из лучших его определений принадлежит философу и искусствоведу Борису Гройсу: «Если искусство выглядит как искусство, следовательно, перед нами не искусство, а кич. Если искусство выглядит как неискусство, то это просто неискусство. Чтобы быть признанным как искусство, искусство должно выглядеть как искусство и как неискусство одновременно».

А если вы хотите еще больше окунуться в современное искусство, создайте событие на invme, найдите себе компанию и отправляйтесь на знакомство с прекрасным вместе.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: