Стильный эпатаж: что нужно знать об авангардной моде

11 октября 2018

Описание
Комментарии 1

Показы авангардных дизайнеров иногда кажутся гротескными и слегка безумными. Кто-то восхищается полетом дизайнерской мысли , а кто-то ее не понимает. Разбираемся вместе в тенденциях авангардной моды.

Что такое авангардизм

Авангардизм — движение в искусстве, для которого характерны новаторские, экспериментальные идеи и радикальные способы их воплощения. Направление появилось в начале ХХ века и стало некоей революцией в кино, музыке, живописи, литературе и, конечно, моде. Авангардизм был призван изменить традиционные представления об искусстве, и ему это отчасти удалось.
Со временем авангардное искусство утратило свой бунтарский дух и сформировалось в полноценное популярное течение со множеством направлений.

Авангардизм в моде

Многие историки моды сходятся во мнении, что авангардный стиль в одежде появился в Японии в начале 1920 годов. В необычных нарядах было заключено видение японскими дизайнерами европейской моды.
Но свое становление на мировых подиумах авангардизм начал в 60-х годах, когда Пьер Карден, вдохновленный успехами человечества в освоении космического пространства, создал легендарную коллекцию «Космос». Одежда выглядела футуристично, имела четкие линии, геометричные вырезы и была представлена в ярких цветах.

Коллекция вызвала фурор и стала одной из самых известных в карьере кутюрье.
После такой бурной реакции на коллекцию Кардена, многие именитые дизайнеры обратились к авангардизму. Например, Вивьен Вествуд с начала 1970-х создает совершенно необычные наряды, продвигая в них бунтарские идеи панк-культуры.

Вивьен Вествуд — гранд-дама авангардной моды

Особенности авангардного стиля

Хотя авангаризм отрицает все шаблоны и ищет новые, нестандартные пути, в авангардной одежде все же можно выделить несколько неизменных особенностей:

Геометрически формы
Сочетание разных фактур
Контрастность
Смелые цвета
Асимметрия
Нестандартные детали

Направления авангарда в моде

Деконструктивизм

В 1981 году Йоджи Ямамото и Рей Кавакубо представили миру свои коллекции, которые совершенно отличались от привычной моды. На подиум вышли модели в многослойных асимметричных нарядах необычной конструкции. С тех пор в авангардной моде появилось направление деконструктивизм, для которого характерны сложные формы, фрагментарность, асимметричность, нарушение привычной геометрии одежды. Например, можно встретить жакет, переходящий в платье, рубашку с одним рукавом, футболки со смещенным вырезом или наружными швами.

Концептуализм

Самое яркое проявление авангардизма. Главная задача концептуальных коллекций — выразить дизайнерскую мысль, показать видение современной моды, донести через модели какие-то взгляды и идеи дизайнера. Такую одежду не встретить в обычной жизни. Концептуализму свойственны метафоричность и необычные конструкторские решения, множество драпировок и нестандартные материалы. Концептуальные вещи предназначены для подиума и должны рассказывать какую-то историю, а иногда и шокировать.

Минимализм

Достаточно лаконичное направление, которому характерно минимальное количество деталей, традиционные материалы и монохромность. Сейчас минимализм — одно из самых востребованных направлений авангардной моды. Возможно, в силу своей сдержанности и универсальности.

Современные авангардные бренды

Нельзя сказать, что кто-то из дизайнеров работает только в авангардизме, но можно выделить тех, кто особенно часто обращается к этому стилю в своих коллекциях

Yohji Yamamoto

Легендарный Йоджи Ямамото мог и вовсе не стать дизайнером. Прежде чем он занялся дизайном одежды, он получил диплом юридического университета. Хорошо, что жизнь распорядилась по‑другому и Ямамото стал модным революционером. Дизайнер первым создал женскую одежду мужского кроя и силуэта. Это нашло отклик мире моды и необычным конструкциям и формам Йоджи Ямамото стали подражать многие бренды.

Comme Des Garçons

Французско-японский бренд, созданный Рей Кавакубо. Марка ориентирована в основном на женскую одежду и часто экспериментирует с цветом, формами и пропорциями. На показах можно увидеть молодых людей в розовых париках, девушек в мужской непропорциональной одежде.

Viktor & Rolf

Дуэт нидерландских дизайнеров, которые заявили о себе в самом начале карьеры и за первую же свою коллекцию удостоились трех наград.
Одежду дизайнеров отличает скульптурность форм, изобилие плиссировок и необычный подход к представлению коллекций. Например, во время показа коллекции «Черная дыра» все модели были выкрашены в черный цвет, а цветовая гамма вещей была исключительно черной.

Alexander McQueen

С самого начала своей карьеры Маккуин зарекомендовал себя как новатор, не желающий мириться с традиционным понятием моды.
Его модели отличаются необычностью форм и текстур. Маккуин не боялся экспериментировать с тканями и часто использовал нестандартные материалы. Коллекция осень-зима 2009 почти вся состояла из птичьих перьев.
Каждый показ Маккуина имел свою концепцию — на показе весна-лето 2010 дизайнер продемонстрировал свое видение мира после глобального потепления. Все модели были представлены в текстурах, напоминающих кожу рептилий.

Rick Owens

Одежда дизайнера в основном спокойных цветов. Как правило, черная, серая и белая, но несмотря на такую сдержанность в цветах, модели Рика Оуэнса совсем нельзя назвать стандартными. Особенности образов дизайнера — неровный крой, асимметричные вещи, сложные и необычные формы. Деталями Оуэнс тоже не пренебрегает: на его жакете можно встретить, например, три рукава, один из которых выступает в качестве украшения.
Свои коллекции Рик предпочитает демонстрировать в свойственной авангардистам манере. На показе весна-лето 2016, дизайнер буквально скрепил моделей друг с другом. Кого-то несли на спине, кто-то был пристегнут валетом. Этим дизайнер хотел показать, что на каждой женщине висит тяжелое бремя, с которым ей приходится справляться.

Как собрать авангардный образ

Если вы готовы слегка отойти от модных стандартов и открыть для себя авангардный стиль, вот несколько критериев, которые нужно учитывать при создании смелого образа.

В первую очередь, нужно понять, что авангардный стиль — это не столько способ обратить на себя внимание, сколько самовыразиться, а иногда и передать через свой образ какую-то мысль. Так что необходимо позаботиться обо всем виде в целом, а не только об одежде. Как бы необычно ни выглядело ваше платье, скучные аксессуары и повседневный макияж смажут весь образ. Лучше заранее продумать макияж, подобрать объемное ожерелье или интересную сумку.

Смешение текстур

В авангардном стиле часто можно встретить смешение текстур и материалов. Но в смешении тканей нужно быть очень осторожным, а то стильный эпатажный образ может стать обычной безвкусицей. Чтобы научиться этому, стоит поэкспериментировать с одеждой и попробовать разные варианты.

Многослойность

Авангардному стилю тоже свойственна многослойность. Начните с ключевой части образа и постепенно добавляйте дополнительные элементы. Играйте на контрастах, комбинируйте, экспериментируйте с драпировками.

Непривычные материалы

Часто в авангардном стиле можно встретить вещи, сделанные из несвойственных им материалов. Начиная от тканей и заканчивая пластиком. Любой элемент вашего гардероба может стать частью авангардного образа, если нестандартно подойти к выбору материалов.

Другое применение

В авангардном стиле приветствуется использование вещей не по назначению. Например, ремень от вашего любимого тренча вполне может стать отличным авангардным аксессуаром, если обвязать его вокруг руки. Собирая модный авангардный образ, подумайте, как еще можно носить привычную одежду: может, стоит сделать из рубашки топ, а платье надеть как юбку?

Асимметрия: модный тренд сезона

Авангардизм — одно из самых интересных и необычных течений не только в моде, но и в культуре в целом. На моду это направление повлияло не меньше, чем на любой другой аспект искусства. Благодаря авангардистам многие вещи, казавшиеся когда-то слишком вызывающими, теперь вышли в массы.

12 модных коллекций, созданных по мотивам авангардной живописи

В 2014 году ведущей темой весенне-летних коллекций лидеров мировой моды стало изобразительное искусство ХХ века.

Мода – понятие переменчивое. Она хоть и отличалось содержанием в разные времена, но была всегда. И сегодня каждая женщина хочет выглядеть модно и современной. Лучшая одежда и обувь со всего мира по привлекательной цене собрана в интернет моле ShopoMio. Здесь http://shopomio.ru/category/women-overcoat/tag/short-coats можно найти стильное женское полупальто лучших мировых брендов и другую верхнюю одежду с доставкой по России.

Техническое столетие – эпоха необычных, не имеющих аналогов в истории искусства художественных экспериментов. ХХ век породил оригинальные стили, которые оказались средством не только изображения, но и всестороннего исследования окружающего нас изменчивого пространства и времени. Абстракционизм, конструктивизм, кубизм, сюрреализм, концептуализм дали миру взглянуть на себя под иным углом зрения. Созданные в этих стилях произведения искусства универсальны, их образы одинаково уместны и в качестве самостоятельного художественного явления, и как элементы прикладного искусства. Использование достижений живописи ХХ века открыло перед модельерами поистине безграничные перспективы самовыражения, и они удачно использовали представившуюся возможность.

Celin + Тони Вирасмонтенс

Тони Вирасмонтес, американский художник испано-мексиканского происхождения, известен как культовый иллюстратор 80-х годов ХХ века. Его «визитная карточка» – острый и точный реалистичный портрет, погруженный в динамичное, эмоционально насыщенное абстрактными фигурами пространство. В прошлом Вирасмонтенс сотрудничал с многими известными Домами моды в качестве fashion-иллюстратора, а теперь его иллюстрации перекочевали в модный дизайн в качестве самостоятельных художественных элементов. В коллекции Celin творчески переосмыслен специфический стиль изображения Вирасмонтенса: в качестве «портретной составляющей» выступает лицо самой модели, которое оригинально сочетается с буйством абстрактных форм и ярких красок.

Alexander McQueen + Варвара Степанова

Варвара Степанова – яркий представитель русского авангардного искусства 20-х годов ХХ века. Вехи творческого развития Степановой включали эксперименты в стиле модерн, футуризм и даже «визуальную поэзию». Коллеги художницы называли ее «неистовой» за исключительную эмоциональную насыщенность ее произведений, динамичную игру форм и цвета. В качестве дизайнера Степанова известна разработкой фактур и рисунков для текстильного производства. В коллекции Alexander McQueen использована одна из наиболее ярких техник художницы – комбинации контрастных геометрических форм различных размеров, которые создают сложный узор, приближающийся по стилю к оп-арту.

Alexander McQueen + Варвара Степанова

Многогранность творчества мастера русского авангарда Варвары Степановой дает возможность использовать в модном дизайне различные аспекты ее художественных находок. Еще одна коллекция Alexander McQueen, базирующаяся на дизайнерских разработках художницы, использует фактуру упорядоченного, систематизированного геометрического рисунка. Костюм модели словно «лепится» из правильных, симметричных геометрических элементов, и сама модель превращается в «ожившее» изображение, сошедшее с полотна художника-футуриста.

Jean-Charles de Castelbajac + Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн – известный американский художник, основатель нового стиля изобразительного искусства, получившего название «поп-арт». В своем творчестве Лихтенштейн дерзко смешивал персонажей комиксов и другие объекты массовой культуры, изобразительные приемы рекламы и пиар-технологий. Поп-арт до сих пор остается одним из самых известных и востребованных стилей в культуре общества потребления, и его использование в модном дизайне вполне естественно. В коллекции Jean-Charles de Castelbajac представлены платья простых объемных форм, главным элементом декора которых являются яркие, неожиданные комбинации изобразительных элементов в классической поп-арт-стилистике.

Jil Sander + Василий Кандинский

В поисках вдохновения для создания модного дизайна невозможно пройти мимо Василия Кандинского, одной из наиболее ярких фигур современного искусства, основоположника абстракционизма. Главной идеей Кандинского было изображение в живописи сознания, мыслительного процесса и индивидуальных особенностей восприятия человека, отражения в виде материальных образов мира человеческой души. В наше время абстракционизм остается одним из самых широко используемых стилей во всех областях дизайна. Jil Sander использует в своей коллекции индивидуальные особенности творчества Кандинского – сложные композиции форм и фигур, созданные в формате «свободных ассоциаций».

Junko Shimada + Хуан Миро

Испанский художник Хуан Миро почитается поклонниками современной живописи как «духовный отец авангарда». Стиль Миро сочетал в себе яркий сюрреализм с элементами наивного искусства, но главной его особенностью была неиссякаемая жизнерадостность образов, яркие солнечные краски. Именно эта особенность творчества культового художника была использована в летней коллекции Junko Shimada. Летнее настроение, жаркие лучи солнца, буйство природы и наслаждение жизнью как нельзя лучше выражают характерные дизайнерские элементы Миро – яркие рисунки в «детской» манере на праздничном ярко-желтом фоне.

Prada + Казимир Малевич

В дизайне костюмов новой коллекции Prada были использованы творческие идеи Казимира Малевича – культового художника и философа искусства начала ХХ века, наиболее яркого представителя супрематизма – стиля, который рассматривает объекты окружающего нас мира и элементы пространства в виде геометрических форм – «базовых кирпичиков» материального мира. Модели одежды Prada ярко отражают идеи Малевича, в их композиции и цветовых решениях наглядно демонстрируется и эстетически подчеркивается разделение на функциональные элементы, дискретные пространственно-цветовые модули.

Kenzo + Хацусика Хокусай

«Морская» коллекция Kenzo создана по мотивам произведений великого японского художника, иллюстратора и гравера, мастера стиля укиё-э. Хацусика Хокусай – самобытный творец, которого называли «гением рисунка» и «Леонардо Востока». Творчество японского мастера оказало значительное влияние на европейское авангардное искусство ХХ века (французский импрессионизм, стиль ар-нуво). В моделях летней одежды Kenzo ярко представлены характерные элементы творчества Хокусая – бушующие морские волны, омывающая прибрежные скалы пена изображены в абстрактном стиле, но создают магическое впечатление реалистичности и динамики.

Zara + Жан-Мишель Баския

Летние платья Zara – оригинальный образец декора в стиле стрит-арт, ярким представителем которого был темнокожий художник из Бруклина Жан-Мишель Баския. Стрит-арт – сугубо городское искусство, которое чутко улавливает социальные веяния современности и отражает их в комбинациях энергичных форм и динамичных символов. Творчество Баскии включает в себя элементы граффити, абстрактного бессюжетного искусства и элементов поп-арта, которые он заимствовал у своего учителя и покровителя, легендарного Энди Уорхолла. В интерпретации самобытного молодого художника эти элементы образовали фантастический и многозначный сплав форм и идей, который вызывает интерес ценителей современной живописи и поныне. Модные вещи Zara последней коллекции выступают в роли «носителя» изображения, для стрит-арта подобное положение дел вполне органично.

Aldo Rise x Ostwald Helgason + Пабло Пикассо

Пабло Пикассо – известнейшая фигура в мире культуры ХХ века, это имя знакомо даже людям, далеким от изобразительного искусства. Чаще всего имя Пикассо связывают с кубизмом – авангардным стилем, который преобразовывает формы и пространство в сложные геометрические формы. Декор суток бренда Aldo Rise x Ostwald Helgason создан под влиянием кубистических экспериментов великого испанского экспериментатора. Яркие краски геометрических форм и линий органично выглядят на сумках весенне-летней коллекции, они создают праздничное настроение и напоминают о пляжной романтике.

Andrew Gn + Пит Мондриан

Голландец Пит Мондриан был одним из основателей современного абстрактного искусства наряду с Кандинским и Малевичем. Именно ему принадлежит идея создания так называемого модульного пространства, которое в наши дни из средства художественного отражения действительности превратилось в прогрессивную концепцию не только искусства, но и широких сфер промышленного производства. Способы разделения на модули, совмещения и трансформации элементов Мондриана в настоящее время превратилось в сферу изучения инженеров и конструкторов. Стильные и гармоничные конструкторские композиции в стиле Пита Мондриана эффектно смотрятся на любых предметах одежды, придавая коллекции Andrew Gn выразительную элегантность.

Бэкстейдж Givenchy + Марк Шагал

Творчество Марка Шагала невозможно классифицировать в рамках существующей ныне искусствоведческой терминологии и классификации. Изучая кубизм, футуризм, орхизм и другие авангардные направления живописи, Шагал всегда оставался самим собой и перекраивал любой стиль под собственное мироощущение, которое многие исследователи его творчества называют «космическим». Чтобы выразить специфику космологии Шагала, его целостное видение мира, создателям коллекции Бэкстейдж Givenchy пришлось уделить значительное внимание не только одежде, но и нетрадиционному, эпатажному макияжу моделей.

Стиль авангард в одежде, примеры, фото

Смелые расцветки, необычные силуэты, неповторимые аксессуары и неожиданные причёски – всё это гармонично смешивает и объединяет стиль авангард.
Являясь одним из самых выдающихся и неординарных направлений в мировой моде, создавая экстравагантные, а порой, даже шокирующие образы, он просто не может оставаться незамеченным.

История стиля

Изначально «авангард» был исключительно военным термином, обозначавшим передовую часть армии. Позднее это понятие стало использоваться в архитектуре и живописи. И лишь в первой половине прошлого столетия это слово приблизилось к мировой моде, знаменуя собой появление нового стиля дизайнерской одежды.

Историки утверждают, что зарождение этого неординарного направления происходило в Японии. Это был своеобразный вариант объединения колоритных национальных нарядов с европейскими новинками.

Торжественный выход на мировые подиумы условно датируется шестидесятыми годами прошлого столетия. Основоположником стиля официально признаётся известный французский модельер – Пьер Карден. В дальнейшем его последователями стали Ив Сен-Лоран, Александр Маккуин, Вивьен Вествуд и некоторые другие дизайнеры, оценившие и полюбившие этот экстравагантный стиль, позволяющий создавать великолепные коллекции, напоминающие произведения искусства.

Концептуальные особенности стиля

Авангард в одежде далёк от общепризнанных стандартов. Он смело ломает все стереотипы, выбиваясь из привычной действительности, гармонично объединяя фантазии и реальность.

Стиль авангард в одежде

Узнаваемые особенности стиля авангард в одежде:

Игра форм с использованием геометрии. Острые углы, круги и прочие геометрические фрагменты – являются неотъемлемыми приметами стиля. Хаос и порядок в таких авторских моделях переплелись настолько тесно, что их просто невозможно отделить друг от друга.
Нестандартный, замысловатый силуэт. Образ будет неполным без неожиданной, но гармонично дополняющей общую картину, причёски, головного убора, аксессуаров и обуви, производящих неизгладимое впечатление и поражающих своими очертаниями.
Абсолютная симметрия или её полное отсутствие. Как правило, для создания необычных и стильных костюмов на помощь приходят приёмы использования асимметрии или, наоборот, подчёркнуто-безукоризненная симметричность.
Яркие оттенки и смелые цветовые композиции. Авангард даёт возможность сочетать несочетаемое. Монохромная палитра здесь с успехом дополняется неожиданными штрихами контрастных цветов. Зачастую используются шокирующие кислотные вкрапления, причём не только в одеянии и аксессуарах, но и в макияже, и в цвете волос.
Броские аксессуары. Авангардная одежда не может восприниматься адекватно без соответствующих дополнений. Как правило, это украшения ручной работы, оригинальные, вызывающие, порой даже весьма гипертрофированные. Материалы – абсолютно любые.
Объединение различных стилевых направлений. Создавая оригинальный и неповторимый образ, дизайнеры-авангардисты порой смешивают воедино самые далёкие друг от друга стилистические течения, добиваясь поистине удивительных результатов.
Нестандартные материалы, сложные фактуры. Стиль авангард подразумевает использование самых неожиданных материалов. Кроме привычных тканей, это могут быть: мех, кожа, клеёнка, пластик, бумага и даже металл.

Главное правило создания образа в стиле авангард – аутентичность и продуманность всех элементов.

Направления авангарда

Стиль авангард настолько многогранен, что просто не вписывается в определённые рамки. Не имея возможности выражаться однозначно, он включает в себя три близких, но в то же время совершенно разных направления:

Деконструктивизм. Подразумевает демонстрацию необычных конструкций и кроя, нарушение традиционных форм, нестандартное использование привычных материалов, применение новейших технологических достижений.
Для таких образов характерны: неопределённость цвета, многослойность, асимметричность и необработанные края.

Яркие представители направления – Йоджи Ямамото, Иссей Мияки, Мартин Маргиела, Анн Демельмейстер и др.

Концептуализм. Призван через художественный образ продемонстрировать индивидуальность, характер или настроение конкретной личности. Это направление позволяет воплотить в жизнь самые смелые дизайнерские фантазии. Для изготовления одежды в духе концептуализма используется не только ткани, но и весьма неожиданные материалы – клеёнка, бумага, пластик, металл.

Такие модели можно увидеть в коллекциях Пако Рабана и Александра МакКуина.

Минимализм. Это направление авангардного стиля, максимально приближенное к повседневному использованию. Отличается незначительным количеством деталей, сдержанностью линий, несложным силуэтом. Это могут быть однотонные, но незаурядные по форме костюмы, или наоборот, одеяния, незамысловатые по крою, но впечатляющие расцветкой или комбинацией материалов.

В этом направлении оставили яркий след Гарет Пью, Лукас Насименто, Ицин Инь.

Как правило, стиль авангард в чистом виде можно встретить лишь на подиумных показах. Он являет собой своеобразное опережение времени модой. При создании повседневного образа в этом направлении, используются лишь характерные оригинальные фрагменты, привлекающие внимание и производящие впечатление.

Стиль авангард в одежде для женщин

Модели в стиле авангард для женщин – это одежда для самых смелых. Платья и юбки, выполненные в духе этого направления, в первую очередь производят впечатление необычным кроем. Помимо нестандартной формы, изделия могут выделяться необработанными краями, косыми швами, неожиданными воротниками, вызывающими разрезами, смещённой линией талии, огромными карманами, разными рукавами.
Длина юбки, в зависимости от идеи, варьируется от символического мини, до невероятного макси, дополненного эффектным шлейфом. Актуальны модели с оригинальными каркасами.

Авангардный стиль в одежде: экстравагантные наряды современных дизайнеров

Авангардный стиль сначала появился в архитектуре и культуре. Как стиль одежды он зародился в 20-е гг. в Японии. Авангардный стиль представлял собой японский взгляд на европейскую одежду. Для данного стиля характерны прямые геометрические силуэты, либо, наоборот, бесформенные. Это – игра форм, демонстрация очень интересного силуэта и кроя.

Авангардная мода – понятие, описывающее передовые, нетрадиционные, экстравагантные течения в моде, не вписывающиеся в общепринятые нормы.

В настоящее время редко встретишь чистый стиль, стало модно миксовать стили. И это гораздо интереснее, потому что дает простор для творчества. Существуют некоторые правила, какие стили можно смешивать. Например, драма хорошо сочетается со спортом, романтика с женственным, спортивный с женственным, классику, напротив, очень трудно сочетать с другими стилями. Но каждый человек может придумать свои сочетания. Если Вы одеты во все серое, это может значить, что Вы не обращаете внимание на одежду, либо, что более вероятно, просто стремитесь слиться с серой массой. Обратите внимание, творческие люди одеты самобытно, интересно и креативно. Ведь одежда – это одно из средств самовыражения, которое не стоит игнорировать.

Основной цвет – черный, аскетичный цвет, цвет в виде фона для восприятия модели. Таким образом, выразительность моделей достигается не за счет цвета, а за счет линий, формы, кроя. В авангардном стиле используются все технологически новые ткани, сетка, бумага и картон. Этот стиль – для ярких и творческих людей, которые стремятся выделиться из толпы.

Первое направление авангардного стиля – минимализм. Здесь используются только простые материалы, простая единообразная форма и монохромность. В минимализме, как правило, используется не более одного цвета в костюме, в основном, черный, белый и серый. Для минимализма характерны простота силуэта, чистота линий, монохромность, минимум деталей, рисунков.

Второе направление- концептуализм. Это одежда ради одежды, не для того, чтобы ее носить, а ради самореализации автора, который воплощает в своей коллекции какую-либо идею, концепцию. Одежда может быть изготовлена не только из ткани, но и из любого материала, как, например, бумага, целлофан, металлические пластины.

И третье направление авангардного стиля – деконструктивизм. Мне хотелось бы подробнее рассмотреть это направление авангардизма!

Деконструктивизм, деконструкция / англ. Deconstruction – разрушение/ – понятие, применяемое в моде с середины 1980-х и в 90-е гг., для описания творчества ряда дизайнеров, относящихся к интеллектуалам мира моды и оказывающим значительное влияние на процессы в ней происходящие. Как движение в моде Д. родился в 1986г. Идеологами движения выступили Рей Кавакубо и Хельмут Ланг, первоначально подвергшиеся критике за свои коллекции. Термин заимствован из филосовского течения- постструктурализма. Дизайнеры разрушили традиционные представления о форме, функциональности и границах одежды. Они склонны рассматривать одежду как форму чистого искусства , как объект проведения эксперимента по формообразованию или обработке материалов. Деконструктивизм- это обнажение конструкции, кроя изделий, разрушение привычных форм, нетрадиционное использование обычных материалов и поиски новых технологий. Часто используется ассемитричность в крое и композиции одежды, многослойность , необработанные края, неопределенные цвета, подчеркивающие асексуальность. Дизайнеры творят обычно в стиле унисекс. На развитие Д. оказал влияние японский дизайн. В этом направлении работают Йоджи Ямамото, Мартин Марджела, Анн Делемеестер и др.

Японской моде нет еще 40. Она самая молодая из существующих и, естественно, самая дерзкая. Бесстрашие Кензо (Кэндзо) Такада, Ёдзи (в привычном русском прочтении Йоджи) Ямамото, Иссеи Миякэ, Рей Кавакубо, совершивших переворот в европейской фэшн-эстетике в 80-е годы, поражает не только историков моды, но и современных дизайнеров, живущих в эпоху абсолютной свободы и вседозволенности. В каждой коллекции культовых фигур ХХ века можно найти что-то исключительное и совершенно невообразимое: скажем, немыслимое сочетание форм и орнаментов у Kenzo, уходящая в бесконечность многослойность моделей Yohji Yamamoto, фантастическая плиссировка у Issey Miyake или чудовищное обращение с вещами, которые в Comme des Gar выворачивают наизнанку, рвут, перекраивают, оставляют незаконченными и т.д. Кажется, все дело в отчаянно смелой экстравагантности. Но это не так.

Дело в исключительно свежем взгляде на европейский костюм. Японские дизайнеры с великим трепетом относятся к кроеной одежде и, разбирая классическое платье, всегда доходят до самой сути, основы, начала, до той точки, где можно любоваться самой идеей, например, швом. Самая простая, будничная деталь костюма в произведении японского дизайнера может стать главной, стилеобразующей и наоборот, важная, с привычной для нас точки зрения, может оказаться совершенно незначительной и даже вовсе ненужной. Застежки не обязательно должны застегивать платье, они могут просто его украшать. Мода становится по-настоящему непредсказуемой. И перестает быть торжественно серьезной: японские дизайнеры обладают не только уникальным чувством стиля, но и тонким чувством юмора – гигантской шляпе эпохи модерна, придуманной Йоджи Ямамото настолько большой, что ее приходится держать над головой дамы нескольким мужчинам, вооруженным длинными шестами, мог бы позавидовать Сальвадор Дали.

В 1981 г. в неделе прет-а-порте в Париже впервые приняли участие Ёджи Ямамото и Рей Кавакубо. Их коллекции вызвали шок в мире моды. Одни восприняли модели японцев как карикатуру на европейскую одежду, другие стали их горячими поклонниками, воспринимая эту одежду не как атрибут моды, а как произведение искусства, в котором выражена новая философия одежды. Тогда стиль коллекций японцев называли «destructuree look». Позднее это направление в дизайне одежды получило название «деконструктивизм».

Сам термин, который широко распространился в мире моды в начале 1990-х гг., был заимствован из философии постмодернизма. М.Хайдеггер считал, что деконструкция является способом нового восприятия жизни и образом мышления новой эпохи, для которого характерны свободная ассоциативность и отказ от рационализма. В эпоху постмодернизма самовыражение возможно только путем присвоения традиции, нового комбинирования уже известного, разрушения другого. Децентрация означает исчезновение в постмодерне понятий «центра», господствующей, «высокой» культуры. Деканонизация — борьба с традиционными ценностными центрами. Основным методом этой борьбы является деконструкция (разрушение) центрированных структур, моделей сознания и самосознания человека, общества, культуры. Соответственно в области дизайна деконструкция означает критическое и ироническое отношение к правилам и авторитетам, новую интерпретацию традиций, разрушение канонов. Метод деконструкции в дизайне можно воспринимать и как разрушение привычных связей, ведущее к созданию нового образа. Разложение целостного первоисточника на элементы, оперирование фрагментом, вырванным из контекста, стало характерным признаком метода «цитат» — одного из самых распространенных в эпоху постмодерна методов создания нового. Проектирование превращается в своеобразную игру с фрагментами, когда соединяется несоединимое, рождаются парадоксы и новые образы. В дизайне одежды это проявляется в отказе от традиций: замене ансамбля комплектом (т.е. происходит переход от закрытой системы к открытой, способной к трансформации), стирании оппозиций между различными ассортиментными группами, в функциональной трансформации вещи, в отказе от канонов «хорошего вкуса». В современной моде почти не существует строгих прежде разграничений между одеждой для дня и для вечера, для отдыха и для работы; элементы профессионального костюма проникли в повседневную одежду. Традиционные вечерние ткани (бархат, атлас, парчу) активно используют в повседневной одежде, а твид, фланель, кожа и трикотаж проникли в нарядную одежду.

Метод деконструкции заключается в новом подходе к моделированию одежды, который представляет собой свободное манипулирование формой и посадкой изделия на фигуре. Работы японских дизайнеров оказали сильнейшее влияние на модельеров Европы, которые с интересом использовали асимметричный крой, неровные края одежды; разрывы, всевозможные прорези и дырки; деление конструкции на правую и левую половины; инверсию (швы наружу, лацканы на спине, застежки в нетрадиционных местах, вытачки «на лицо»); элементы незавершенности; нарушение традиционной технологии. Особый интерес представляет использование инверсии (от лат. Inversio – перестановка) – метод проектирования «от противного», метода «переворота», зачастую абсурдной перестановки. Этот метод зачастую используется при деконструкции, так как разрушает привычные приемы моделирования одежды. Некоторые примеры применения этого метода:
- Сумки с множеством наружных карманов, но пустые внутри;
- Двухсторонние пальто. Плащи, костюмы, жилеты, которые можно носить на обе стороны;
- Превращение нижнего белья в верхнюю одежду;
- Вынесения лейбла фирмы на лицевую сторону изделия и т.д.

Инверсия способствует всестороннему развитию гибкости мышления дизайнера и позволяет получать совершенно новые, порой парадоксальные решения. Например, воротники и лацканы располагаются внизу изделия, рубашка и галстук превращаются в юбку, брюки надеваются на руки, как кофта, стеганная одежда в виде обнаженного тела и др. Особенно часто этим методом пользуются молодые дизайнеры, создающие модели для различных конкурсов, включая международные, в качестве дипломных проектов.

В 2000 – 2001 гг. деконструкция изменилась в сторону большего разрушения привычных комплексов одежды:

Блузы, майки, куртки с одним рукавом;
Брюки с одной штаниной;
Куртка только с левой или правой половиной;
Куртки без спинки, со съемными рукавами;
Половина юбки плюс одна штанина;
Половина юбки;
Жакет переходящий в купальник, и др.

Изменились способы ношения одежды. Сказалось сильное влияние стиля «гранж»: нарочитая небрежность, наслоение вещей с разной длиной. «Гвоздем» моды 2001 г. стал прием сильной поперечной сборки не только в трикотажной одежде, но и на брюках, жакетах платьях, юбках, в рукавах, которые «засучиваются» до локтя.

Немного подробнее о Рей Кавакубо.

Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) родилась в Токио в 1942 году. Она закончила престижный университет Кэйо по курсу философии. Сразу после окончания учебы Рей стала работать в текстильной компании “Asahi Kasei”.

В 1969 году Рей решила выпускать коллекции одежды под собственной маркой, назвав ее “Comme des Garcons” (от фран. – подобно мальчикам).

Одним из наиболее любимых цветов модельера является черный. Однако помимо основного, черного цвета, в ее первых коллекциях также присутствовали серый и бежевые цвета.

В 1973 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) уже официально регистрирует компанию Comme des Garcons Cо. Ltd. Спустя 2 года, она выпускает свою первую коллекцию и открывает бутик в Токио.

Первоначально, Рей занималась разработкой только женских коллекций. Только в 1978 году появилась ее первая мужская линия одежды. Также, в этом году был презентован аромат “Comme des Garcons Homme”, что ознаменовало запуск парфюмерной линии Дома моды.

Модели, создаваемые японским модельером, отличаются деконструктивным стилем. Одежда “Comme des Garcons Homme” характеризуется ассиметричностью, многослойностью, отсутствием или наоборот гиперболизацией каких-либо элементов.

В 1980 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) переезжает в Париж. Уже через год, она начинает представлять свои сезонные коллекции одежды класса “Prt-a-Porte” в столице моды.

Дом моды Рей быстро развивался и приобретал статус полноценного международного участника индустрии моды. В результате, в 1982 году “Comme des Garcons” стал членом парижского синдиката высокой моды (Paris Syndicate of High Fashion and Ready-Made Clothes). Модели из коллекций, созданных Рей стали экспонироваться на специализированных выставках по всему миру. В 1983 году Рей получает награду “Mainichi Newspaper Award” от газеты “Mainichi”.

В 1987 году “Journal de Textile” признал Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) лучшим дизайнером. Через 4 года, она получает титул Кавалера Ордена Искусств и Литературы (Chevalier de l”Ordre des Arts et des Lettres).

В 1997 году Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) получает почетную степень доктора в Королевском художественном колледже в Лондоне (Royal College of Art).

Коллекции Рей отличаются зачастую бесформенностью и излишней деформированностью. Во многом, это обусловлено тем, что дизайнер придерживается правил японской эстетики, где несовершенство считается признаком чего-то живого, настоящего. В результате, Рей создает скорее арт-объекты, которые являются, прежде всего, объектами культурного наследия ее родины и восточного воспитания. Даже создавая ароматы, Рей старается нарушить привычные законы создания и восприятия аромата. Например, в 1998 году “Odeur 53 by Comme des Garcons” отличался полным отсутствием традиционной структуры, то есть наличием начальных, серединных и конечных нот. В его состав входили 53 запаха неорганический материалов: огня песка, кислорода и других. Выпущенный в 2000 году “Odeur 71”, уже состоял из 71 запаха, таких как, например, запах факсового тонера и чернил.

Главное отличие работы этого мастера, заключается в новизне каждой коллекции. Автор как будто каждый раз заново рождается и познает мир.

Модели Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) являются частью коллекции Лондонского музея современного искусства.

Сегодня, Рей Кавакубо (Rei Kawakubo) является единственным владельцем “Comme des Garcons” и официальным лицом компании. Она также регулирует основные направления ее деятельности.

З.б. Мода и авангардное искусство

На моду 1920-х гг. большое влияние оказало авангардное искусство — от футуризма и кубизма до абстракционизма. Если говорить об официальной моде, то это влияние выразилось прежде всего в популярности геометрического орнамента. Платья с абстрактным декором и ткани с беспредметными рисунками были самыми модными; современникам казалось, что именно они выражают дух нового времени. Однако идея заменить традиционный изобразительный декор абстрактными формами не была совершенно новой. Уже стиль модерн предложил свою декоративную систему. Стремление к «органическому единству формы и орнамента», к функционально оправданной форме делало традиционный орнамент необязательным. В 1908 г. австрийский архитектор и критик А. Лоос опубликовал статью «Орнамент и преступление», в которой отвергал украшательский декор во имя простоты и рациональности формы, выявления природной красоты материалов. Эти идеи предвосхищали отношение к орнаменту в функционализме. С развитием стиля модерн в 1910-е гг. усилилась тенденция упрощения декора. Несомненно, например, сходство рисунков обивки кресел Ф. Шехтеля в спальне и кабинете особняка Дерожинской с тканями в стиле «ар-деко»; геометрических орнаментов в костюмах по эскизам Л. Бакста для Русских сезонов — с супрематическими и конструктивистскими тканями. Первые беспредметные рисунки появились еще в 1910-е гг. под влиянием футуризма и супрематизма. Футуристы (прежде всего Джакомо Балла) и после войны разрабатывали образцы тканей и одежды с геометрическими рисунками.

В 1920-е гг. в интерьерах «ар-деко» были популярны декоративные ткани Р. Дюфи, также представленные на Выставке декоративного искусства в Париже. Р.Дюфи, который начал разрабатывать рисунки для тканей еще в 1910-е гг. для П. Пуаре, использовал свой опыт живописца — во второй половине 1900-х гг. он принадлежал к группе фови- стов. В рисунках тканей Дюфи соединял стилизованные формы и яркие цвета, добиваясь выразительного декоративного эффекта.

Новые идеи декоративного оформления пространственного окружения человека возникли в супрематизме. Мысль о замене традиционного декора абсолютными геометрическими формами принадлежала К. Малевичу и явилась логическим следствием развития концепции супрематизма: «Супрематизм начал свой выход в предметный мир, не превращаясь из плоскостного в объемный, а разрывая рамки картины. Супрематические элементы выходили из картины в предметный мир не в реальное. а в иллюзорное пространство, которым могла стать поверхность любых предметов» [1] . Попытки внедрить новый декор в повседневный обиход были предприняты супрематистами еще до революции. Эскизы вышивок с абстрактными мотивами для дамских сумок, шалей, папок для бумаг, отделки платьев, авторами которых были К. Малевич, О. Розанова, И. Пуни, Л. Попова, Н. Удальцова, А. Экс- тер, Е. Прибыльская, Г. Якулов и др., экспонировались на выставках художественной индустрии и декоративного искусства в 1915—1917 гг. Газета «Раннее утро» писала о Второй выставке современного декоративного искусства, организованной в Москве в декабре 1917 г.: «Вторая выставка современного декоративного искусства (салон Михайловой) составлена с большим вкусом. Все вышивки исполнены по эскизам художников крестьянами села Вербовки (Киев. губ.). Большинство художников, по эскизам которых исполнены вышивки, примыкают к «левым» течениям. Любопытно, что публика, возмущающаяся их картинами, охотно раскупает подушки, переплеты и т.д., которые очень часто являются чуть ли не точной копией картин «супрематистов» [2] .

В 1920 г. в Витебске эти попытки получили логическое завершение: супрематизм стал концепцией единства мирового творчества, концепцией «нового образа Земли» и «вышел» в предметно-пространственную среду в виде плоскостного орнамента на поверхности предметов — стен, посуды, тканей, одежды. В витебских Государственных свободных художественно-промышленных мастерских изготавливались образцы тканей по эскизам К. Малевича, Н. Суетина, И. Чашника с «супрематическими узорами» — «орнаментом 1920-х гг.». К. Малевич разрабатывал и эскизы «супрематических платьев», которые должны были стилистически соответствовать новому окружению человека, быть частью новой среды обитания. Проекты Малевича представляли собой традиционные формы одежды с супрематическим декором.

Александра Экстер, начинавшая как живописец-кубофутурист, затем обратившаяся к беспредметной живописи, близкой конструктивизму, новое ощущение построения пространства претворила в театральных декорациях и костюмах для постановок Камерного театра А. Таирова «Фамира Кифаред» (1916), «Саломея» (1917), «Ромео и Джульетта» (1921), а также в эскизах бытового костюма. Театральные костюмы А. Экстер были совершенно новым явлением — они представляли собой жесткие трехмерные объекты, своеобразные движущиеся цветные скульптуры. Известный критик Я. Тугендхольд написал о сценографии «Саломеи», что «костюмы Экстер не «нарисованы» и «сшиты», но сконструированы. из различных поверхностей так же, как и ее декорации. она задумывает свои костюмы почти всегда динамически. точкой отправления ее при создании того или иного костюма является то или иное доминирующее движение по сцене данного персонажа, его ритм, его темп — согласованный с общим ритмом и темпом всей пьесы. Костюмы Экстер — это и есть застывшие в линиях и красках человеческие ритмы» [3] .

Экстер создала конструктивистские костюмы для балетов Э. Крюгер и для кинофильма «Аэлита». Это были костюмы-конструкции, каркасы из простых геометрических форм, в которые было заключено тело актера (рис. 3.10). Экстер здесь не отделяла одно от другого: костюм от образа. Она придумывала не костюм, а персонаж.

Рис. ЗЛО. А. Экстер. Рисунки из журнала «Ателье», 1923 г. (а).

А. Экстер. Эскиз костюма Аэлиты, 1924 г. (б)

Опыт театрального художника чувствуется в эскизах индивидуального платья, созданных А. Экстер для Мастерской современного костюма и Ателье мод «Москвошвея» в 1922—1923 гг.: в декоративности цветового и пластического решения, в ассоциациях с историческими костюмами, которые Экстер использовала как творческий источник, продемонстрировав блестящий дар стилизации. Мотивы костюма Древнего Египта или костюма эпохи Возрождения она трансформировала в остросовременные формы, в которых угадывалась динамика 1920-х гг.

На Западе одежду с абстрактным декором разрабатывали не только итальянские футуристы, но и С. Делоне (рис. 3.11). Соня Делоне (Терк) родилась в 1885 г. в Одессе, обучалась живописи в Петербурге, затем в Германии. С 1905 г. жила в Париже, где училась в Академии Ла Палетт. В 1910 г. вышла замуж за французского художника Робера Делоне, который разработал теорию «симультанного искусства».

С. Делоне применяла положения этой теории в своем творчестве, создавая еще до Первой мировой войны беспредметные композиции (их друг — французский поэт Г. Аполлинер придумал для этих «симультанных» композиций термин «орфизм»). Во время Первой мировой войны, находясь в Испании и Португалии, она познакомилась с С. Дягилевым. В 1917 г. вместе с Р. Делоне она разработала декорации и костюмы для балета «Клеопатра» вместо сгоревших во время гастролей в Латинской Америке декораций Л. Бакста.

Рис. 3. 77. С. Делоне в модели из ткани с «симультанным» рисунком (а). Дж. Балла. Эскиз футуристического костюма, 1914 г. (б)

В 1920 г. С. Делоне создала костюмы для оперы «Аида» для театра Лисео в Барселоне, в которых, как и в костюмах для «Клеопатры», использовала беспредметный декор. Эти театральные работы пробудили у нее интерес к возможностям применения геометрического орнамента в современной одежде. В 1922—1925 гг. С. Делоне придумывала модели платьев и шелковых шарфов с «симультанными» рисунками.

В 1925 г. во время Всемирной выставки декоративного искусства совместно с Ж. Эймом С. Делоне открыла на мосту Александра III «Симультанный бутик», в котором продавались ткани и модели одежды с абстрактными рисунками. Такие ткани выпускали лионские фирмы «Бьянкини-Ферье» и «Родье». Огромный поток заказов побудил С. Делоне открыть в 1925 г. свое ателье мод, выпускавшее модели платьев из тканей с геометрическими рисунками, вышивками и аппликациями. Оно существовало до 1931 г. Во второй половине 1920-х гг. подобные модели, как и «футуристические» платья Дж. Балла, считались самыми авангардными. С. Делоне пользовалась славой как колорист, создавая выразительные цветовые сочетания для вышивок и декора моделей, в которых чувствовалось влияние украинского народного костюма (в раннем детстве она жила в Полтавской губернии).

С. Делоне, как и К. Малевич, мечтала о том, чтобы одеть весь мир в новые орнаменты. Р. Делоне писал об этом в 1923 г.: «Для Сони платья или пальто являются частью пространства, имеющего определенные размеры, форму и содержание. Она создает органичное целое по законам, ставшим обязательными для ее искусства» [4] . Одна из ее идей — автомобиль, разрисованный «симультанными» рисунками, составляющий единый ансамбль с платьем. С. Делоне выпускала альбомы с рисунками для тканей. Эти ткани очень напоминали супрематические ткани и ткани русских конструктивистов.

В Париже в 1920-е гг. был дом моды, который специализировался на оформлении интерьеров и изготовлении моделей с абстрактным декором (как правило, аппликациями) по эскизам П. Пикассо, Ф. Леже, Ж. Миро и др., — «Мырбор». Основала этот дом моды супруга французского сенатора Мария Куттоли. В отделе моды «Мырбор» несколько сезонов работала русская художница Н. Гончарова.

В Баухаузе в Германии (первой дизайнерской школе на Западе) на текстильном отделении проектировали декоративные ткани и ковры с абстрактными геометрическими орнаментами. Беспредметный декор воспринимался тогда не только как «самый модный орнамент», но и должен был заменить традиционный изобразительный декор. Это входило в программу функционализма — нового художественного направления, родившегося в 1920-е гг.

Революционеры искусства — новаторам моды
ARTinvestment.RU 04 августа 2016

Идеи русского авангарда в современных шедеврах мировых модных домов

Выставка «Эффект времени: влияние русского авангарда на современную моду» объединила яркие примеры синергии радикальных приемов в изобразительном искусстве начала XX века и новаторских подходов лучших модельеров современности.

Открытия русского авангарда первой трети XX века запустили тектонический процесс глобального творческого диалога, взаимопроникновения и обогащения разных культур и сфер жизни. Процесс этот, несмотря на взрывной дебют, длится уже более 100 лет и при этом нисколько не теряет своей силы. Воплощенные в материале идеи Малевича, Розановой, Эндеров, Суетина и других мастеров сегодня все так же смотрят на нас с обложек модных журналов, сквозь витрины магазинов и с подиумов. Русский авангард не застыл, не «забронзовел» в музеях и частных коллекциях, не превратился в ретро. Он уверенно остается частью не только высокой культуры, но и культуры повседневности.

Выставка в Еврейском музее и центре толерантности впервые собрала почти две сотни экспонатов — живопись и графику мастеров русского авангарда и их отражение в женских нарядах крупнейших домов моды.

Идея взаимопроникновения изобразительного и декоративно-прикладного, промышленного искусства изначально была близка философии авангарда, который станковым формам творчества предпочитал решение художественно-производственных задач. На культуру одежды художники авангарда не только влияли косвенно, но и обращались к этой теме непосредственно, создавая эскизы для театра и модели для ателье. Многое началось с театральных костюмов, которыми с успехом занимались почти все создатели нового искусства и их ближайшие последователи — от Малевича (вспомним его костюмы в «Победе над Солнцем») до «амазонок авангарда». Эскизы Александры Экстер, Наталии Гончаровой были широко известны не только в театральной среде, но и среди первых модниц Парижа 1920-х годов. В те же годы в России начали продаваться кустарные изделия украинских крестьянок, украшенные рисунками по эскизам мастеров авангарда. Это была продукция знаменитой артели «Вербовка», созданной Натальей Давыдовой и Любовью Поповой, последовательницами идей Малевича из творческой группы «Супремус». А в 1925 году Дом моды Delaunay, основанный Соней Делоне, представил свои работы на парижской Выставке современного декоративного искусства и художественной промышленности. С этого момента ее платья, костюмы и ткани с геометрическими узорами стали одним из главных символов авангардной моды.

Выставка, впрочем, предлагает более сложную идею. Куратор Мария Насимова (Еврейский музей) и сокуратор Наталья Гольденберг (креативный директор ТД ЦУМ) сознательно ушли от демонстрации аналогий, а вместо этого предложили зрителю игру в ассоциации. Поэтому тех посетителей, кто рассчитывает увидеть в платьях Chloé или Issey Miyake узнаваемый супрематизм или органическую живопись, переработанные в текстильные паттерны, ждет разочарование. На выставке нет прямых заимствований или компиляций, хотя субъективно можно усмотреть близкие пересечения. Например, облегающее платье от Issey Miyake 2016 года украшено орнаментом в духе разработок «органиков» круга Матюшина столетней давности, а наряд от Walk of Shame (Андрея Артёмова) 2016 года кажется навеянным рисунками Сони Делоне 1920-х годов. Соню Делоне, с ее яркими «симультанными» геометрическими узорами на ткани, можно с полным правом назвать прародительницей стиля «колорблок», характерными чертами которого являются минимализм, геометризация форм в сочетании с двумя-тремя интенсивными контрастными цветами. Именно в этом стиле созданы, в частности, последние коллекции дома Valentino — модели одной из них представлены на выставке.

В целом же платьев «один в один» с работами авангарда на выставке нет, и ожидать полных совпадений не нужно. Мировые кутюрье — сами крупные новаторы и почти не используют прямые, тем более длинные цитаты. Тем не менее созвучность подхода, динамика силуэтов, гармонизированные узоры, декоративная составляющая не оставляют сомнений во влиянии идей русского авангарда на искусство моды.

В состав экспозиции вошли модели крупнейших европейских модных домов — в частности, Valentino, Chloé, Prada, J.W. Anderson, Loewe, Mary Katrantzou, Marni, Issey Miyake, Diane von Furstenberg. Рядом с ними выставлены разработки отечественных дизайнеров — Walk of Shame (Андрей Артёмов), Vika Gazinskaya и других.

Живопись и графику мастеров русского авангарда для «Эффекта времени» устроители собирали по всей России. Своими экспонатами поделились Екатеринбургский областной музей изобразительных искусств, Государственный центральный театральный музей им А. А. Бахрушина (Москва), Государственный Русский музей (Санкт-Петербург), Государственный историко-художественный и литературный Музей-заповедник «Абрамцево» (Московская область), Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина (Москва), Государственный музей В. В. Маяковского (Москва), Государственный музей керамики и «Усадьба Кусково XVIII века» (Москва), Российский государственный архив литературы и искусств (Москва), Слободской музейно-выставочный центр, Ивановский областной художественный музей, Красноярский художественный музей имени В. И. Сурикова. При этом большую часть экспозиции составили работы из частных собраний: семьи Кривошеевых, Марины и Бориса Молчановых, Романа Бабичева, Юрия Носова, Петра Навашина, Иветы и Тамаза Манашеровых.

Центральной как по значению, так и по ценности стала редко публикуемая живописная композиция «Супрематизм» Казимира Малевича 1915 года из Екатеринбургского музея. Гипотетическая аукционная стоимость одного только этого шедевра может составлять $60 000 000. Большую часть экспозиции составляют произведения «амазонок авангарда» — Ольги Розановой и Любови Поповой, Натальи Гончаровой и Варвары Степановой, Александры Экстер. Их дополняют яркие, оригинальные картины, рисунки и керамика Аристарха Лентулова, Ивана Пуни, Николая Суетина, Ильи Чашника, Александра Родченко и других новаторов искусства.

Выставка «Эффект времени» — это уникальная попытка показать наглядную связь актуального, сиюминутного и вечного. Продемонстрировать, что сложные для массового понимания авангардные направления — будь то супрематизм, кубизм и прочие «измы» — — вполне понятны и желанны в качестве изобразительных начал модных коллекций. Удивительно и парадоксально: то искусство, которое некоторые зрители по-прежнему отказываются понимать и принимать в музейных залах (с вечным «так даже ребенок нарисует!»), они же с большим удовольствием готовы видеть на себе в зеркале.

А каким было бы сегодня лицо современной мировой моды, не появись 100 лет назад феномен русского авангарда? Знать не дано. Понятно, не точно таким же. Но, скорее всего, очень похожим на сегодняшнее. На несколько лет позже или в другой стране, но авангард все равно бы возник и пробил бы такую же огромную брешь в классических представлениях об искусстве. Однако честь стать первооткрывателем нового выпала России: именно художникам нашей страны удалось совершить главный переворот в искусстве XX века, который по-прежнему во многом определяет лицо современной моды во всем мире. Нам же остается с интересом и гордостью наблюдать, как завоеваниями русского авангарда начала века в наши дни активно пользуются современные художники, дизайнеры, кутюрье и все те, кто несет красоту в нашу жизнь.

О брендах ck Calvin Klein и Calvin Klein Jeans

Calvin Klein Jeans и ck Calvin Klein — бренды мужской, женской, детской одежды, обуви и аксессуаров, принадлежащие американской компании PVH. Продающиеся под этими марками вещи производятся в Китае, Тунисе, Румынии и некоторых других странах. Качество колеблется от весьма среднего до хорошего; до отличного качество не дотягивает никогда. Ассортимент довольно широкий. Ценовые сегменты: выше среднего, верхний. В России, равно как и во многих других странах мира, одежду и аксессуары CKJ и ck Calvin Klein можно купить в фирменных магазинах и в мультибрендовых интернет-магазинах.

История

Кельвин Кляйн (Calvin Klein) — создатель одноименного бренда — родился в Нью-Йорке в 1942 году в семье еврейских иммигрантов. Ещё в подростковом возрасте он начал проявлять активный интерес к профессии дизайнера одежды и часто рисовал различные наряды для мужчин и женщин. После окончания обычной школы Кельвин поступил в нью-йоркскую Высшую Школу Искусств и Дизайна (The High School of Art and Design). После её окончания учился в Технологическом Институте Моды (Fashion Institute of Technology), но так его и не закончил.

В середине 1960-х годов Кляйн работал в некоторых нью-йоркских ателье; там он обучился делу портного и модельера — а модельеры, кстати, непосредственно создают одежду, а не только рисуют эскизы, как простые дизайнеры. К концу 1960-х Кляйн созрел для того, чтобы открыть собственную фирму. Его друг Барри Шварц предоставил необходимые капиталы (10 тысяч долларов), и в 1968 году была открыта компания Calvin Klein Ltd. Шварц занимался вопросами ведения бизнеса, а Кляйн — дизайном.

Первоначально компания Шварца и Кляйна изготавливала плащи (сначала их шила одна-единственная швея), но впоследствии сфера деятельности значительно расширилась: так, с начала 1970-х Кляйн начал выпускать спортивную и повседневную одежду. Быстрый успех марки был обусловлен в том числе и следующим фактором: одна из закупщиц одежды крупного магазина Bonwit Teller как-то случайно посетила заведение Кляйна и сделала заказ сразу на 50 тысяч долларов (в то время это были очень большие деньги). Такой приток средств значительно ускорил развитие предприятия. Кляйн быстро стал известен своим пристрастием к лаконичной одежде, с чистыми и ровными линиями, облегающим аккуратным кроем.

В 1973, 1974 и 1975 годах Кляйн получал престижную американскую награду Coty за дизайн своих коллекций одежды. К 1977 оборот компании Calvin Klein вырос до 30 миллионов долларов в год. А в следующем году Кельвин Кляйн выпустил свои дизайнерские джинсы, брендированные собственным именем, с логотипом сзади. Джинсы продвигались при помощи весьма агрессивной и смелой рекламной кампании. Модель Брук Шилдс вещала с экранов: Nothing comes between me and my Calvins (Между мной и моими джинсами ничего нет). В первую неделю после запуска было продано 200 тысяч пар этих джинсов, да и потом они очень неплохо продавались: по несколько десятков тысяч пар в неделю.

В 1982 году Кельвин запустил коллекцию нижнего белья, опять-таки брендированного крупными логотипами Calvin Klein — обилие этих логотипов остается отличительной чертой одежды и аксессуаров марки до сих пор. Параллельно с одеждой и аксессуарами развивалась линия парфюма: в 1980-х годах вышли ароматы под названиями Obsession, Eternity, Escape. Появились в продаже и очки под маркой Calvin Klein, а в 1990-х — и домашний текстиль. Однако в 1990-х годах компания стала испытывать значительные финансовые трудности и оказалась почти на грани банкротства.

Однако Кляйну всё же удалось удержать на плаву свою «империю». 1992 год был отмечен запуском линии одежды в стиле унисекс — одинаково подходящей и мужчинам, и женщинам. Рекламная кампания была традиционно для Кляйна смелой и даже немного вызывающей: см. фото ниже.

В 1993 году Кельвин — уже в третий раз — получил награду от так называемого Совета модельеров США (The Council of Fashion Designers), причем в номинации как мужской, так и женской одежды. В том же 1993 году модельер получил награду America’s Best Designer. И запустил первые в мире унисекс-духи — CK One. Однако в 1990-х Кляйн уже мало-помалу отходит от дел и разрабатывает уже далеко не всю одежду, которая продаётся под его именем,

В 2002 году была заключена сделка о продаже группы брендов Calvin Klein американской компании PVH — Philips-Van Heusen Corporation. Кляйн сохранил за собой статус ведущего (главного) дизайнера, но реалии таковы, что он мало участвует в разработке новых линий одежды (особенно это касается как раз рассматриваемых линий — ck Calvin Klein, Calvin Klein Jeans, к которым Кельвин никакого отношения уже не имеет). По последней информации, Кляйн не участвует уже и в разработке дизайна одежды самой верхней линии — Calvin Klein Collection.

Разработка и производство одежды Calvin Klein Jeans (а также Calvin Klein Underwear), кстати, было лицензировано компании Warnaco Group ещё в 1990-х годах, однако в начале 2013 года PVH купила и Warnaco. Одежда Calvin Klein уже давно не производится в США. В основном её делают в Тунисе, Египте, Китае, Индии, Румынии, Индонезии, а также в некоторых других странах.

Одежду и аксессуары Calvin Klein носят многие известные люди, в частности, Джулия Робертс, Сандра Баллок, Хелен Хант и Гвинет Пэлтроу.

Бренды

Calvin Klein Collection (black label) — верхняя, первая линия. Дорогая одежда для мужчин и женщин. В России почти не продаётся. Примеры цен: мужские костюмы — 1300-2000 долларов; женские платья — 700-3000 долларов. Дизайном Calvin Klein Collection сам Кляйн уже не занимается. Креативным директором линии является бразилец Франсиско Коста.

Calvin Klein (white label) — линия простой спортивной одежды.

Ck Calvin Klein (grey label) — линия более доступной, нежели Calvin Klein Collection, одежды. Одежда этой марки разрабатывается и производится компанией Warnaco Group (ныне входящей в состав PVH), и Кельвин Кляйн не имел и не имеет к ней никакого отношения.

Calvin Klein Jeans — линия ещё более доступной повседневной одежды. Одежда этой марки опять же разрабатывается и производится компанией Warnaco Group (ныне входящей в состав PVH), и Кельвин Кляйн не имеет к ней отношения вот уже лет пятнадцать, если не больше.

Calvin Klein Underwear — линия нижнего белья. Опять Warnaco.

Ассортимент

Одежда ck Calvin Klein и Calvin Klein Jeans обладает простым, лаконичным дизайном с аккуратными строгими линиями. Главная целевая аудитория — молодые люди возраста ориентировочно до 30 лет; но многие вещи подойдут и людям постарше. Ассортимент включает не только одежду, но и разнообразные аксессуары, обувь, нижнее белье. При желании в магазинах Calvin Klein можно одеться с головы до ног.

Цвета одежды и аксессуаров Calvin Klein — весьма мрачные. Очень много черного, на втором месте — различные оттенки серого и синего, преимущественно тёмные. В небольших количествах встречаются белый, коричневый, голубой цвета, а иногда даже красный, розовый и т.д. Дизайн одежды довольно универсален, и я бы не назвал его вызывающим (хотя исключения бывают). Обычная повседневная одежда, если говорить именно о линиях ck Calvin Klein и Calvin Klein Jeans. Многие модели одежды Calvin Klein — зауженные, облегающего кроя, но есть и обычные, «прямые».

Крой этой одежды недурный, качество пошива варьируется от посредственного (да-да!) до приличного, но идеальным его назвать никак нельзя. Одежда удобная и обычно хорошо сидит по фигуре, если фигура более или менее стройная. В основном используются натуральные материалы, но далеко не самые эксклюзивные: простой хлопок, натуральная коровья и телячья кожа (ремни, сумки, кошельки, куртки, обувь), шерсть. Имеется немалое количество вещей, изготовленных с применением искусственных материалов. Особенно относится это к шарфам, шапкам, свитерам, кардиганам, джемперам: иногда до 60-80% их состава — акрил, вискоза, полиэстер или комбинации этих материалов.

Важно понимать, что несмотря на высокие цены, одежда ck Calvin Klein и Calvin Klein Jeans не может претендовать на звание эксклюзивной; по сути, это просто более или менее качественная повседневная молодежная одежда, волею судеб ставшая модной и актуальной. Кстати, хороший вариант для любителей логотипов: они на многих моделях одежды и аксессуаров CKJ размещены в изобилии.

Магазины ck Calvin Klein и Calvin Klein Jeans (а ими, кстати, тоже руководит Warnaco/PVH) обычно полупустынны или пустынны. Продавцы-консультанты бывают разные: как очень услужливые, так и довольно прохладные. Но прилипчивыми их в любом случае не назовешь. Освещение зависит от конкретного магазина и может быть как полусумрачным, так и отличным. Очередей в примерочные и на кассы не бывает. Примерочные относительно удобны, но совершенствоваться есть куда — например, в плане освещения.

«Техническая» информация:

Костюмы и пиджаки Calvin Klein: fused, пластиковые пуговицы, достаточно заурядные ткани. Ручные операции отсутствуют. Производство в Азии, Восточной Европе, Северной Африке.

Рубашки ck Calvin Klein: производство китайской (или другая азиатская страна, реже Северная Африка), пластиковые пуговицы. Рубашки прошиты в две иглы (double-needle stitching), ластовицы отсутствуют, кокетка «цельная». Ткани весьма заурядные (обычно 100% хлопок, но без указания характеристик); пошив иногда неаккуратный. Цена качеству не соответствует.

Личные впечатления. Отзывы

У меня есть джинсы Calvin Klein Jeans и ремень ck Calvin Klein. В целом, вещи неплохие, довольно приятные на вид, комфортные, с приличной износостойкостью. Джинсы (цвета темного индиго) поначалу красились: например, сидишь, положив руки на колени, потом поднимаешь их — а ладонь слегка синеватая. Ноги при этом не красились; со временем это прошло. Качество пошива хорошее, хотя я не раз видел брюки и рубашки ck Calvin Klein, которые были сшиты откровенно посредственно.

Кстати, рубашки ck Calvin Klein мне не нравятся: они сделаны из очень заурядных тканей, выглядят весьма просто и довольно дёшево. Это же относится к ряду аксессуаров, например, к некоторым шарфам. А вещи с гигантскими логотипами (например, ремни CKJ или футболки с надписью во всю грудь Calvin Klein Jeans) я вообще плохо переношу, у меня на них аллергия.

Отзывы в интернете встречаются разные, положительных больше. Из плюсов, отмечаемых покупателями: хорошее качество (одежда не выцветает, не вытягивается, не садится), дизайн, хорошие магазины (аккуратно всё разложено, нет очередей, услужливые продавцы), хороший крой (одежда отлично сидит, швы ровные и аккуратные). Из минусов, отмечаемых покупателями: высокие цены, порой качество оставляет желать лучшего, некоторые вещи служат недолго. Ну и дизайн, понятное дело, не всем нравится.

Я бы рекомендовал придирчиво осматривать каждую вещь и думать, а за какую цену вы бы её купили, не будь на ней заветного логотипа. Лучше дожидаться «начальных» распродаж — при скидке 30% ассортимент ещё вполне широкий. Скидки 50% бывают не на всю коллекцию, а в нераспродажное время в CKJ/ck Calvin Klein закупаться, на мой взгляд, неразумно: цены-то явно завышены и переплата за бренд велика.

Краткая сводка:

Компания-владелец брендов ck Calvin Klein, Calvin Klein Jeans: PVH Corp. (Philips-Van Heusen).

Страна-регистрации компании и брендов: США .

Страны, в которых продаются одежда и аксессуары под брендами Calvin Klein Jeans, ck Calvin Klein : многие страны мира, в том числе США, Россия, Германия, Греция, Франция, Великобритания, Бразилия, Канада, Чили и т.д.

Страны производства : Тунис, Китай, Румыния, Индия, Маврикий, Индонезия, Египет, некоторые другие страны.

Ассортимент : джинсы, брюки, шорты, пиджаки, куртки, пуховики, рубашки, футболки, водолазки, джемперы, кардиганы, пуловеры, толстовки, перчатки, шапки, шарфы, кошельки, портмоне и другие аксессуары; нижнее бельё; ремни, обувь.

Одежда, обувь и аксессуары для мужчин, женщин, детей .

Размеры мужской одежды : джинсы — от 28 до 36, остальная одежда — от S до XXL (очень редко XXXL).

Размеры женской одежды : джинсы — от 24 до 31; остальная одежда — от XS до XL.

Размеры детской одежды : от 2 до 16 (по возрасту; соответственно по ростовке — от 88-90 до 164-170).

Используемые материалы: хлопок, шерсть, иногда в сочетании с полиэстером, акрилом, вискозой, эластаном . Натуральная телячья кожа.

Ценовые сегменты: выше среднего, верхний.

Примерные цены (по состоянию на сентябрь 2013 года):

Джинсы мужские — 5000-7500 рублей

Брюки casual — 5500-7000 рублей

Шорты, бермуды — 4000-6000 рублей

Джемперы, пуловеры, толстовки — 5000-8500 рублей

Куртки — 8000-17000 рублей (короткая кожаная куртка — около 25000 рублей)

Полупальто — 15000-18000 рублей

Пиджаки — 11000-16000 рублей

Рубашки — 4000-5000 рублей

Футболки — 2000-3500 рублей

Трусы и плавки мужские — 1000-2500 рублей

Шапки — 1700-2800 рублей

Шарфы — 2000-4000 рублей

Перчатки — 2000-4000 рублей

Ремни — 2500-4500 рублей

Кошельки, портмоне — 3000-4500 рублей

2 Replies to “О брендах ck Calvin Klein и Calvin Klein Jeans”

В России может и стоит говорить о каком-то высоком ценовом сегменте, но в США (страна происхождения) это довольно среднего уровня одежда, как по цене, так и по качеству. В моей семье есть или были сумка, трикотаж, детская одежда, обувь, нижнее белье. Трусы да, носить можно, домашняя одежда — ну так, хуже BB или RL, а стоит сравнимо. Детское, тоже есть варианты интереснее. Женские замшевые мокасины протерлись в районе мизинца(. ) за пару сезонов, но были удобными. У жены есть шерстяные брюки из линии collection, тут да, вопросов нет, все здорово.

Спасибо за комментарий!

Видимо, у меня было более благожелательное отношение, когда я писал статью. В целом согласен, что качество порой оставляет желать лучшего, особенно с учетом цен — так что внес в статью небольшие правки (в соответствующие места).

По поводу сегментов: тут есть два момента — первый — в США одежда американских марок и так стоит дешевле, чем в России; второй — в России уровень дохода заметно ниже; поэтому и приходится относить одежду по подобным ценам к сегментам выше среднего и верхнему. Хотя если вдруг начать выделять сегменты по качеству, то в случае с Calvin Klein можно говорить только о среднем сегменте, не выше.
Похожие записи:
Авангардный принт на тканях начала 20 века
Авангардный стиль в одежде, Украшениях и прическах –…
Современное искусство и его истинная ценность
Почему современное искусство уродливое
Мода это бизнес, в котором есть место искусству и творчеству
Армани отказался от натурального меха в своих коллекциях