Яркие ткани и платья Сони Делоне

Чем покорила мир парижанка, которая «одевала» русский балет, шила одеяла и вдохновляла кутюрье: абстракционистка Соня Делоне

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Партнёры по жизни и искусству, Роберт и Соня разработали новые формы и теории, в том числе орфизм и одновременность. При жизни Соня частенько находилась в тени своего мужа. Только в 1960-х годах она получила всемирное признание.

Краткая биография

Соня родилась 1885 году в Одессе. Её настоящее имя было Сара Стерн, а Соня – её детское прозвище. Она родилась в еврейской семье рабочего класса, где прожила до пяти лет. В возрасте восьми лет её отправили в Санкт-Петербург жить к богатому дяде, так как в то время её отец действительно не мог позволить себе заботиться о ней. Сара взяла фамилию своего дяди и сменила имя на Соню Терк. Именно за это время она узнала о мире искусства и культуры. У неё была гувернантка, которая учила её французскому, немецкому и английскому языкам.

Учёба

Когда Соня окончила среднюю школу в восемнадцать лет, она уговорила своего дядю поехать в Германию изучать искусство. Она два года училась в художественной школе в Германии, а в 1905 году переехала в Париж, где провела большую часть своей жизни. В Париже Соня увидела работы Ван Гога, Гогена и фовистов. Там она впервые вышла замуж за немца по имени Вильгельм Уде, искусствоведа и коллекционера. Для Вильгельма этот брак был идеальным прикрытием его нетрадиционной ориентации. Для Сони это помогло ей получить паспорт и вид на жительство в Париже. Позже она познакомилась со своим мужем и художественным партнёром Робертом Делоне. Когда Соня вышла замуж за Роберта в 1910 году, ей было двадцать пять лет, и она была беременна их сыном Чарльзом.

Одеяло, которое Соня сшила для своего сына в 1911 году, послужило предлогом для последующего развития абстрактного искусства и орфизма. Она использовала кусочки ткани разных цветов, сочетая русские и народные элементы с парижским авангардом и экспериментируя с цветами и формами. Соня была вдохновлена крестьянскими одеялами, которые она использовала в России в детстве. Затем она попыталась применить тот же стиль к другим предметам и картинам.

Орфизм

Период между 1911-1912 годами ознаменовал новое начало в современном искусстве, поскольку Делоне разработали новый абстрактный язык, называемый орфизмом. Этот термин определяет тип абстрактного искусства, которое обычно является геометрическим и направлено на то, чтобы передать ощущение простоты и чистоты. Орфизм произошёл от кубизма, но принёс больше ритма и движения цвета.

Соня участвовала в первой волне абстракционизма в 1910-1920 годах. Она создавала произведения искусства, которые завораживали людей ритмом, движением и глубиной благодаря накладывающимся друг на друга ярким цветовым пятнам. Сопоставляя первичные и вторичные цвета, они создавали новую визуальную стимуляцию. Цвета будут выглядеть по-разному в зависимости от окружающих цветов, и они создадут для зрителя новый мощный визуальный опыт.

Этот подход был включён в работу Сони, перенеся её методы в текстильные узоры геометрических форм. Соня и Роберт были вдохновлены быстрыми изменениями в обществе в это время, особенно появлением электрического уличного фонаря. Они хотели выяснить, как геометрические формы и цвета, взаимодействуют друг с другом. На самом деле, они начали с узнаваемых форм, но быстро перешли от кубизма к чистой абстракции, используя геометрические формы и чистые оттенки цветов. Цель состояла в том, чтобы исследовать цветовые отношения, придать цвету значение и создать абстрактные цветовые сопоставления.

Она была модельером

Цвет и динамизм одновременности, разновидности орфизма, доминировали в начале двадцатого века в Париже. Двумя яркими примерами были картины Сони, серия «Электрические призмы» и «Ball Bullier». В 1913 году Соня и Роберт посетили этот бальный зал, который был общественным танцевальным залом для коллег-художников и писателей-авангардистов. Они даже оделись в костюмы, созданные Соней, включая «Simultaneous dress», которое она носила.

Идея для платья возникла из обрывков ткани, расположенных в абстрактном дизайне с динамичными цветами. Роберт также носил яркие цвета в своих сшитых на заказ костюмах. Это послужило вдохновением для её следующей картины «Le Bal Bullier». Она запечатлела энергию и движения танцоров в бальном зале. Картина демонстрирует интерес Сони к одновременной цветовой теории орфизма, которая будет доминировать в её карьере. На картине изображены яркие огни, смелые цвета и танцующие пары, подчёркивающие движения танцоров.

Она оказала влияние на парижскую моду 20-х годов

С началом Первой мировой войны в 1914 году Соня и её муж переехали в Испанию. В поисках нового источника дохода она познакомилась с художником Сергеем Дягилевым и начала разрабатывать костюмы для театрального представления «Клеопатра». Позже она открыла Casa Sonia, магазин одежды и дизайна, торгующий аксессуарами, мебелью и текстилем. Из Испании пара вернулась в Париж в 1921 году. Однако их финансовые проблемы были большими.

К 1923 году она переключила своё внимание на дизайн повседневной одежды. Соня начала разрабатывать текстиль с геометрическими формами и яркими цветами, такими как ромбы, треугольники и полосы, которые отличались от натуралистических популярных дизайнов 1920-х годов. Изделия, которые она делала, были спроектированы так, чтобы соответствовать женскому телу, а не сопротивляться ему. Её искусство теперь стало пригодным для ношения. Она создавала произведения для современной творческой женщины. В 1925 году она открыла свою бутик-студию Atelier Simultané в Париже.

Читайте также:
Толстовка – материалы, фото история

На картине Сони 1925 года под названием «Simultaneous dresses: Three women» изображены три фигуры манекенов. За ними находится трёхкратная гардеробная ширма с тремя различными цветовыми схемами на каждой панели. Произведение искусства непосредственно отражает её как модельера, поскольку её искусство пересекается с модой и демонстрирует, как они вдохновляют друг друга. Её внимание было сосредоточено на дизайне одежды, пока фондовый рынок не рухнул в 1929 году. Соне пришлось закрыть свой бутик, но она продолжала заниматься дизайном текстиля.

Дизайн автомобилей

Разнообразие работ Сони на протяжении всей её жизни включало картины, рисунки, текстиль, предметы интерьера и даже автомобили. В 1924 году Соня разработала узор с геометрическими формами и яркими цветами, который должен был стать дизайном для Citroën B12. Она также использовала тот же мотив для изготовления шуб. На этой фотографии 1925 года две модели позируют с автомобилем, выкрашенным в цвет ткани Сони, в одинаковых меховых пальто, которые также были разработаны ею.

В том же году иллюстрация, на которой она стоит рядом с автомобилем, появилась на обложке британского журнала Vogue. В 1967 году Соня разработала ещё один образец для автомобиля. На этот раз речь шла о спортивном автомобиле Matra 530, который был частью выставки «Пять автомобилей, персонализированных пятью современными художниками». Она экспериментировала с оптическими эффектами, которые заставляли узоры на автомобиле двигаться во время движения. Цветные блоки были спроектированы так, чтобы превращаться в единый бледно-голубой оттенок во время движения автомобиля, чтобы не отвлекать других водителей и не вызывать аварию.

Парижская международная выставка

В 1937 году Соня вернулась к живописи. Её с мужем пригласили спроектировать и украсить два выставочных здания на Международной выставке искусств и технологий в Париже. Она создала масштабные фрески для павильона Chemins de Fer и Дворца воздуха, изображающие пропеллер, двигатель и приборную панель. На панелях были изображены абстрактные композиции из шестерёнок, пропеллеров и чертежей в ярких цветах. Проект был завершён в течение двух лет, и проекты Сони были награждены золотой медалью.

Ретроспектива в Лувре

В июне 1940 года, незадолго до того, как немецкая армия достигла Парижа, Соня и её муж отправились на юг Франции. Когда началась Вторая мировая война, Роберт уже был очень болен. В конце концов он умер в октябре 1941 года в Монпелье. После смерти мужа Соня продолжала экспериментировать с абстракцией, работая как художником, так и дизайнером. В 1940-х и 1950-х годах она участвовала во второй волне абстракционизма, продвигая молодое поколение художников. Она собрала вместе множество разных художников, поэтов и писателей.

После 1959 года она была признана на многочисленных ретроспективных выставках. В 1964 году она стала первой женщиной-художницей, чьи работы при жизни были выставлены в Лувре, благодаря пожертвованию ста семнадцати работ, сделанных ею самой и её мужем Робертом. Соня продолжала получать широкое признание благодаря ещё одной ретроспективе в Национальном музее современного искусства в 1967 году, прежде чем, наконец, была награждена орденом Почётного легиона в 1975 году. Художница умерла в Париже в 1979 году в возрасте девяноста четырёх лет, оставив после себя большое художественное наследие.

Каждый творческий человек настолько уникален и удивителен, что порой никаких слов не хватит описать весь его талант. Исключением не стала и супружеская пара Имз. Их главным достижением стал прорыв в производстве мебели и дизайне домов, а их шедевры по сей день вызывают восторг и пользуются огромным спросом и популярностью.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Дизайнерское наследие Сони Делоне

“For me there is no gap between my painting and my so-called ‘decorative’ work. I never considered the ‘minor arts’ to be artistically frustrating; on the contrary, it was an extension of my art”

«Для меня нет разделения между моей живописью и, так называемой, декораторской работой. Я никогда не считала «прикладные искусства» чем-то, что тормозит развитие художника; напротив, это было продолжением моего искусства».

Творчество французской художницы и дизайнера украинского происхождения Сони Делоне (Sonia Delaunay) – огромный вдохновляющий мир цвета. Делоне была выдающейся представительницей арт деко, авангарда и вместе с мужем Робером Делоне создала новое направление в живописи – симультанизм (еще одно название – орфизм). Изображение движения цвета в свете – так определяла художница свои работы.

Впервые форма не главенствует, а подчиняется цвету; впервые форма строится не с помощью светотени, а с помощью глубины самого цвета. Цвета, словно живые организмы, воздействуют друг на друга, создают иллюзию движения и ритма. Такой подход был совершенно уникальным в живописи. В работах Сони Делоне теория цвета получила должное признание и широкое утилитарное применение. Ее творчество расширило понимание того, как цвет воздействует на человеческое восприятие, а сама психология цвета стала одним из самых важных инструментов современного дизайна.

Читайте также:
Французская мода – фото платьев 1911-1914 года

Идеи симультанизма Делоне развивала не только на полотнах, но и в практической сфере: она создавала дизайн одежды и обуви, театральные костюмы, дизайн тканей и ковров для французских фабрик, иллюстрировала книги, занималась керамикой и витражами и даже оформляла автомобили.

История Сони

Будущая французская художница – урожденная Сара Ильинична (Элиевна) Штерн родилась в 1885 году в городе Градижск в Полтавской губернии (по данным других исследователей – в Одессе) . В возрасте 5 лет из-за смерти отца Сару взяла на воспитание родной дядя – Генрих Терк, успешный петербургский адвокат. Генрих и его супруга искренне полюбили девочку и стали ее опекунами. С этого момента она стала Соней Терк. Высокообразованная семья Терков жила искусством и много путешествовала по Европе. По совету гимназических учителей, распознавших талант Сони, она отправляется профессионально учиться живописи в Германию, в Художественную академию Карлсруэ. В 1905 году Соня под впечатлением книги «Мане и его круг» Юлиуса Мейера – Грефа решается отправиться в Париж, который назван автором книги центром истинного искусства. Здесь она поступает в академию «Ля Палетт», добивается в ней немалых успехов, входит в круг художественной богемы и знакомиться со своим первым супругом – критиком и галеристом Вильгельмом Уде. Хотя их брак был недолгим, но дружбу они сохранили до конца дней, Уде нередко поддерживал Соню и ее семью и покупал их картины.

Живопись

В 1908 году Соня Терк влюбляется и выходит замуж за молодого и талантливого абстракциониста Робера Делоне. Отныне она – Соня Делоне-Терк. Их союз, основанный на любви и творчестве, стал очень плодотворным. Вместе они изучают теорию цвета Эжена Шеврейля , экспериментируют с цветом. Робер создал оригинальный метод построения цветовых конструкций из окружностей и арок. «Ничего горизонтального или вертикального – свет все деформирует, ломает» – писал Делоне. В рамках этой теории появляются и первые работы Сони Делоне в жанре симультанизма – Электрические призмы, Рынок в Миньо и другие.

Интересна история возникновения картины Электрические призмы/Prismes électriques. Однажды, прогуливаясь вечером по бульвару Saint-Michel в Париже, Соня Делоне и Роберт обратили внимание на недавно установленные электрические фонари и цветные отблески, которые они оставляли на тротуаре. Оба художника пытались воссоздать впечатляющий отблеск этих новых для того времени изобретений в своих работах.

Эта и многие другие работы Сони вдохновили нас на создание модели деревянных панелей Prism – ссылка на модель на сайте. В поисках новых идей для панелей, мы, как и многие дизайнеры, собираем референсы, подглядываем за великими, учимся у лучших в нашей отрасли или в других отраслях. Недостаток такого метода – риск оказаться в плену чистой, уже созданной кем-то идеи и лишь подражать ей, не создав ничего нового. Но в случае с изучением работ Делоне произошла настоящая химия. В коллаборации с дизайнером Juanny Barcelò Borges мы создали Prism – уникальную по форме, ни на что не похожую модель деревянных панелей. Сложная, объемная, ритмичная, оптическая, построенная на контрасте, Prism –упорядоченный хаос всевозможных оттенков дерева.

Дом самой влиятельной пары парижского авангарда также постепенно превращается в арт-объект: Соня Делоне своими руками создает для него мебель, текстиль, светильники и многое другое. В своих изделиях она использовала разноцветные куски ткани, смешивая их как профессиональный колорист и дизайнер. Используя эту технику, она сшила для своего сына лоскутное одеяло. Именно это одеяло, которое теперь хранится в Музее современного искусства в Париже, положило, по мнению исследователей, начало ее особому стилю.

Увлекшись модой и текстилем, Соня Делоне создает наряды для себя и друзей. 1920-е годы стали по истине революционным для моды: во многом не только благодаря тому, что ее создавали не только кутюрье, но и некоторые передовые художники. В их числе была и Соня Делоне. В 1918 году в Мадриде Соня открыла Casa Sonia, модный и интерьерный магазин, где продавались аксессуары, мебель и ткани. Магазин имел большой успех, особенно у городской аристократии, и у него появились филиалы в Бильбао, Сан-Себастьяне и Барселоне.

Ее друг Сергей Дягилев, импресарио «Русского балета», помогал Соне организовать магазин, а затем поручил ей разработать костюмы для его постановки «Клеопатры» в The London Coliseum.

Спрос на ткани Сони был очень велик. По возвращению в Париж она наняла команду русских женщин для изготовления, вязания и вышивания своей продукции. В 1925 году Делоне основала свой собственный дом моды и зарегистрировала Simultané в качестве торговой марки как во Франции, так и в Соединенных Штатах. Ее студия занималась созданием текстиля и одежды, а модный дом, названный просто «Sonia», производил эксклюзивную одежду для таких именитых клиентов, как голливудская актриса Глория Свансон, писательница Nancy Cunard, архитектор Ernö Goldfinger и других.

Читайте также:
Стиль модерн в одежде – фото и Иллюстрации

Наряды отличались контрастными геометрическими формами, выразительными цветами в стиле симультанизма и имели большой успех. В 1925 году симультанное платье Делоне украсило обложку журнала Vogue.

В течение четырех десятилетий Делоне проектировала ткани для амстердамского Luxury магазина Metz and Co, а затем и для магазина Liberty London, который существует и сегодня.

«Ткани Сони Делоне принадлежат будущему, потому что они соответствуют современной живописи, архитектуре, корпусам машин, красивым и оригинальным формам аэропланов, одним словом, дыханию этой активной современной эпохи, которая создала стиль, близко связанный с интенсивной, все убыстряющейся жизнью» – писал Робер Делоне

Этот эскиз ткани стал прообразом для еще одной нашей панели – Matrix. Глядя на эскиз создается ощущение, что Соня Делоне придумала QR код задолго до появления известной разработки японской компании Denso-Wave. В этой работе прослеживает очень сильная параллель с нашей цифровой эрой пикселей и кодов. В Matrix вместе с дизайнером Juanny Barcelò Borges мы придумали свою собственную систему кодирования – она состоит из 3-х квадратных элементов разного объема. Они, словно единицы информации, формируют матрицу с уникальным рисунком.

Интерьерные проекты

После Второй мировой войны Делоне присоединился к коллективу художников и архитекторов Groupe Espace, который стремился интегрировать искусство в каждый элемент повседневной жизни.Одним из наиболее важных проектов, над которыми она работала в это время, был дизайн мебели для студентов Cité Internationale Universitaire в Париже.

Ее дизайн представлял собой идеальное сочетание функциональности и эстетики, изюминкой которого стал книжный шкаф с цветными блоками, который выглядит уместно в современном домашнем офисе или гостиной.

Признание

Sonia Delaunay стала первой в истории женщиной-художницей, которая была удостоена при жизни ретроспективы в Лувре. Ретроспектива состоялась в 1964 году и включила 117 работ художницы, которые она лично отобрала и передала в дар музею. Соня Делоне направила живопись в прикладное русло, заложила основы массового производства одежды и осмысленного производства тканей. Она сыграла ключевую роль в том, чтобы сделать модную и практичную одежду более доступной. Даже с ростом коммерциализации ее идей и замыслов она оставалась верной своим художественным принципам.

Ее проекты по-прежнему актуальны, они копируются и воспроизводятся в наши дни, а также служат источником вдохновения и чистых идей для современных дизайнеров.

Соня
Делоне

Первая женщина, чья персональная выставка прошла в Лувре. Законодательница мод, сделавшая своими холстами платья парижанок и автомобили парижан. Вместе с мужем создавшая живописный стиль, изображающий «движение цвета в свете». Соня Делоне (Sonia Delaunay) прожила долгую, плодотворную, насыщенную и счастливую жизнь.

Как одесская девочка стала французской художницей

Родилась на свет 14 ноября 1885 года отнюдь не Соня Делоне, а маленькая еврейская девочка Сара Штерн. В этом все сходятся, а дальше начинаются разногласия. Половина источников сообщает о городе Градижске в Полтавской области как о родине Сары Штерн, половина эту честь приписывает Одессе. Искусствовед Евгений Деменок устроил настоящее детективное расследование. Он изучил все имеющиеся биографии Сони Делоне, собрал всю возможную информацию, заставил всерьез потрудиться работников архивов Полтавы и Одессы и, в конце концов, нашел доказательства того, что Сарочка Штерн – таки да, таки одесская девочка (ясность вносит лист из книги одесского раввината 1885 года «О родившихся», в котором черным по белом сообщается о рождении у Эли (Ильи) Штерна и его супруги Ханы дочери Сары)

О детских годах художницы известно совсем мало, потому и путаница возникла. Девочка рано потеряла родителей, однако несчастным ее детство не назовешь. В пять лет ее забрал в Санкт-Петербург дядя по материнской линии адвокат Анри Терк. Тогда же имя и фамилию сменили. В гимназии училась уже не Сара Штерн, а Соня Терк. Племянницу дядя баловал, на каникулы отправлял путешествовать по Европе. Именно в поездках во Францию, Италию, Германию Соня поняла, что больше всего ей нравится рисовать. Учитель рисования подтвердил, что рисует она хорошо и имеет смыл это развивать. В 18 лет дядя отправил Соню в Академию изящных искусств в Карлсруэ. Через два года она переехала в Париж (по некоторым сведениям, к переезду подвигло прочтение книги об Эдуаре Мане) и поступила в Академию Ла Палетт. Ее преподавателями были Эдмон Аман-Жан, Амеде Озанфан, Дюнуайе де Сегонзак. Впрочем, больший толк, по мнению художницы, ей принесли регулярны визиты в парижские музеи.

В ранних работах Сони заметно влияние Гогена, Ван Гога, Руссо. Яркость красок художница явно позаимствовала у «диких» фовистов Матисса и Дерена (1, 2).

В 1908 году Соня Терк вышла замуж за немецкого искусствоведа и галериста Вильгельма Уде. Брак был по расчету. Начинающей художнице тесное знакомство с владельцем галереи всегда на пользу, к тому же приемные родители настойчиво звали Соню вернуться в Петербург и заняться «устройством личной жизни», что ее отнюдь не привлекало. Уде, в свою очередь, с помощью этого брака на время развеял слухи о своем гомосексуализме. Обоих хватил ненадолго, и через два года Соня развелась с Уде и вышла замуж за начинающего абстракциониста Робера Делоне, уже будучи беременной от него. Так появилось имя, под которым мы знаем ее и сегодня – Соня Делоне. Кстати, с Робером ее познакомил сам Уде, который на всю жизнь сохранил с парой Делоне хорошие отношения и с удовольствием организовывал их выставки.

Читайте также:
Мода и стиль в 1908-1914 – Поль Пуаре и Жанна Пакен

Симультанизм – круги, цвет, свет, одновременность

Второй брак оказался длиною в жизнь. Некоторые исследователи считают, что «Робер сделал Соню» как художника, что в корне неверно. К моменту встречи с Робером Соня уже написала «Филомену», «Спящую девушку», «Ню в желтом цвете».

Никакого Робера Делоне еще не было, а уверенное владение цветом, смелость кисти – были, равно как и отголоски Матисса, Гогена, раннего Пикассо.

Так что лучше не переходить в математические сферы, пытаясь вычислить, кто из супругов Делоне оказал на второго более сильное влияние, а удовлетвориться совершенно справедливым комментарием самой Сони: «Он дал мне форму, а я дала ему цвет» .

Сначала молодожены родили сына Шарля (который стал одним из самых влиятельных исследователей и популяризаторов джаза), а чуть позже, в 1912-1913 годах «породили» другое детище – симультанизм . Этимология термина восходит к латинскому simul – вместе, одновременно. Искусствоведческие словари нам сообщают, что это «совмещение разновременных и разнопространственных моментов в одном изображении». Сами Соня и Робер заявляли, что симультанизм – это изображение движения цвета в свете .

Симультанизм представляет собой своеобразную трактовку кубизма. Соня Делоне вместе со своим мужем рисовали концентрические цветные круги, наполненные светом, создающие ощущение динамики. Цветовые соотношения, казалось, пульсировали и звучали на их полотнах. Публике симультанистские картины впервые были представлены на Салоне независимых в 1913 году. Гийом Аполлинер определил этот стиль как «орфизм» , проводя аналогии между картинами четы Делоне и завораживающей музыкой древнегреческого Орфея.

Кстати, круги Соне Делоне отлично удавались не только на картинах. Она умела делать то, что называется «вращаться в кругах». Ловко встраивалась в компании, составляла удачные творческие партии, знакомилась с нужными людьми. А поскольку это не было синдромом проныры, а совмещалось с ярким талантом, то не удивительно, что она была успешной. Или все-таки удивительно? Успешной Соня Делоне была, кажется, во всём, за что бралась.

Живопись и мода Сони Делоне

Имя Сони Делоне неразрывно связано с модой. Началось всё с одеяльца для маленького Шарля в стиле пэчворк, сшитого художницей в 1911 году. Оно и сейчас хранится в парижском Музее современного искусства. А в 1913 году мадам Делоне явилась на богемную вечеринку в собственноручно скроенном платье в «симультном» стиле и произвела фурор. Она же ввела в моду такое явление как «платье-поэма»: на платье помещалось целое стихотворение, причем слова соседствовали с симультанными образами.

В Испании, куда супруги Делоне уехали в Первую мировую войну, Соня рисовала эскизы костюмов и декораций к балету «Клеопатра» для антрепризы Дягилева. В Мадриде не без покровительства Дягилева открылся первый собственный Дом моды Сони Делоне Casa Sonia, а по возвращении в Париж в 1921 году – парижский Delaunay. Соня проектировала модели одежды и расцветки тканей, создавала макеты игральных карт, придумывала оформление автомобилей, театральные костюмы и книжные иллюстрации и даже ткала ковры.

А вот теперь – слава

Еще до войны совместно с поэтом Блезом Сандраром Соня Делоне выпустила двухметровую книжку-гармошку. Поэма Сандрара «Проза о транссибирском экспрессе и маленькой Жанне Французской» и иллюстрации Сони Делоне впечатлили ко всему привычный Париж
Чуть позже книга была представлена на выставке в Берлине, где ее увидел Пауль Клее. С этого момента квадраты, подобные Сониным, стали неотъемлемой частью его творчества (1, 2, 3, 4).

Важным событием в жизни Сони Делоне стала парижская Выставка декоративных искусств 1925 года. Художница представила широчайший ассортимент изделий – начиная от бивших все рекорды популярности «симультанистских» шарфов и заканчивая коврами и машинами. Ее провозгласили ведущей представительницей ар-деко, соединявшего модерн и авангард. «Равновесие объема и цвета и великолепное чувство ритма» , – так по завершении выставки охарактеризовал работы мадам Делоне парижский модный журнал L’Art vivant. А всемирно известный Vogue поместил на обложку ее «оптическое» платье. Намного позже, в январском номере за 1966 год выйдет интервью с художницей, в котором она, вспоминая прошлое, скажет: «Я думаю, что новая живопись началась с нами: наш цвет сделал ее более свободной» .

Делоне и ранее не оставалась незамеченной, но настоящая слава пришла после выставки. Театры и киностудии мечтали заполучить ее костюмы, Сорбонна пригласила художницу читать лекции по истории искусств.

Американский кризис 1929 году ощутимо ударил по Европе, в 1931 году пришлось закрыть Дом моды. Доходя до этого момента, исследователи нередко замечают, что Соня получила возможность «вспомнить о живописи», хотя это не совсем справедливая формулировка. Она и не забывала о живописи, просто в ее творчестве живопись перестала быть делом исключительно холста. Картины Сони Делоне женщины носили на себе. Сама художница говорила: «Для меня же самой мои ткани были не чем иным, как упражнением в цвете» .

Читайте также:
История прически в Испании XVI-XVII веков

Верный друг, муж и соратник Робер умер в 1941 году от онкозаболевания. Чтобы преодолеть боль этой утраты Соня Делоне с утроенной энергией продолжила работу. Она много пишет о Робере, издает мемуары, участвует с картинами мужа и своими во всех более-менее значимых европейских выставках абстрактного искусства.

В 1963 году художница передала в дар Франции 117 картин – своих и Робера Делоне. А в следующем году состоялось историческое событие – первая прижизненная персональная выставка женщины-художницы в Лувре. В 1975 году, в возрасте 90 лет Соня Делоне получила высшую награду Франции – орден Почетного Легиона. Она прожила 94 года и осталась в истории одной из первых художниц, соединивших искусство и одежду.

Все известные картины и биографию их автора вы найдете на страницах Артхива.

Sonia Delaunay — первая женщина, чья персональная выставка состоялась в Лувре

Гуляя по бескрайним просторам Интернета в поисках идей и вдохновения, а также в целях самообразования, я открыла для себя талантливую художницу Sonia Delaunay, которая жила и творила в период расцвета новых направлений в живописи — импрессионизма, экспрессионизма, фовизма. Мы все привыкли к тому, что художниками, в большинстве своем, были мужчины, и у нас на слуху такие имена из того периода как Винсент Ван Гог, Пикассо, Гоген и другие. Но ведь были и талантливые женщины-художницы, модельеры, дизайнеры!

Соня Делоне (Сара Штерн) родилась в украинском городе Градижск, близ Полтавы в 1885 году, хотя некоторые источники в Интернете пишут, что она родилась в Одессе. С пятилетнего возраста она проживает в семье своего дяди, адвоката Генриха Терка в Санкт-Петербурге. Девочка получила хорошее образование, во время школьных каникул много путешествовала по Европе, знакомилась с коллекциями музеев Франции, Италии, Германии. Ее учитель рисования отметил блестящие способности своей ученицы и посоветовал ей развивать их и продолжить обучение. В 18 лет Сара поступила в Художественную Академию в Карлсруэ. Через два года девушка переехала в Париж, занималась в академии “Ла Палетт”, проводила много времени в художественных студиях, общалась с художниками. В то время ей были близки творчество Ван Гога, Гогена, фовистов.

В 23 года Соня Терк вышла замуж за немецкого критика, коллекционера и галериста Вильгельма Уде, занимавшегося примитивистами и современной живописью. Пышная свадьба состоялась в Лондоне, но буквально через год Сара рассталась с Вильгельмом и связала свою жизнь с молодым талантливым абстракционистом Робером Делоне (Delaunay), с которым познакомилась в доме мужа. Так образовался один из самых романтичных, крепких и плодотворных творческих союзов.

Не секрет, что в то время рождалось очень много различных направлений в искусстве. Вместе с мужем Соня увлеклась развитием орфизма — разновидности кубизма, которая основана на подчеркивании цветовых эффектов и динамики, скрытой в цветовых сочетаниях. Соня Делоне пишет много картин, выставляет свои работы в Париже, Праге, Берлине.

После Первой мировой войны супруги Делоне временно переехали в Испанию, где познакомились с многими выдающимися деятелями того времени, в частности, с Игорем Стравинским, Сергеем Дягилевым. В этот период Соня увлеклась созданием моделей одежды и обуви, театральных костюмов, в том числе и для балета Дягилева. В 1920 году Делоне вернулись в Париж. В 1925 году Соня участвует в Международной выставке декоративного искусства и становится одним из известнейших представителей направления “ар-деко“, занимается дизайном, иллюстрациями, рекламой, текстильным дизайном, декором керамики.

Ткани, созданные по ее эскизам, пользуются большим успехом в коммерции. Она стала одной из первых, кто интегрировал искусство в моду (Делоне читала лекции в Сорбонне на тему «Как живопись влияет на модный дизайн»). Отличительной чертой моделей одежды Сони Делоне была простота кроя и яркие геометрические принты.

Соня Делоне становится не только брендом, ее стиль теперь — признак хорошего вкуса и утонченности. Ее эскиз появляется на обложке Vogue. Наверное, именно поэтому голливудские актрисы все чаще появляются на публике в ее платьях, а представители домов моды Yves Saint Laurent и Missoni признаются, что именно она часто была для них музой.

В 1963 году Соня подарила Франции – Национальному музею Современного искусства, – 117 работ своих и Робера. Через год в Лувре произошла пышная презентация дара, и Соня Делоне стала первой художницей, чья персональная выставка состоялась в этом знаменитейшем музее. Художница становится кавалером Искусств и Литературы, в 1973 году получает Гран-При города Парижа за свой труд в области искусства, а в 1975 году — обладателем высшей награды Франции, ордена Почетного Легиона.

Жизнь Сони Делоне была яркой, насыщенной и красочной, как и ее творческое наследие. Соня прожила 94 года, и сегодня ее работы высоко ценятся в мире искусства, ее имя в числе лучших представителей мирового аваангарда, а современные дома моды черпают вдохновение в ее работах. Так, например, коллекции Celine 2015, Junya Watanabe 2015 Dsquared 2015.

Читайте также:
Старинные женские сумочки – Россия, бисер и золотое шитье

Русские конструктивисты и Соня Делоне

В Западной Европе идеи о возрождении художниками качества предметного мира, заложенные движением Arts & Crafts и его вдохновителем Уильямом Моррисом, а затем продолженные в 1900–1910-е годы уже на уровне внедрения авангардных идей в предметную среду, получили дальнейшее развитие в 1920-е годы. Одним из самых крупномасштабных, последовательных и значительных экспериментов в истории обращения авангардных художников Запада к проектированию ткани стала деятельность Сони Делоне в Париже. Этот опыт также оказался во многом параллельным текстильному эксперименту русских конструктивистов.

Текстильный эксперимент Сони Делоне совпадает с конструктивистским по нескольким параметрам. В первую очередь оба художественных события начались практически одновременно, и в обоих случаях импульсом послужила инициатива со стороны текстильных фабрик. Напомним, что конструктивисты откликнулись на статью, опубликованную летом 1923 года в газете «Правда», в которой руководство Первой ситценабивной фабрики приглашало художников идти работать на производство. В том же 1923 году Соня Делоне получила заказ от одной из текстильных мануфактур города Лиона на 50 рисунков для ткани.

К сожалению, успех конструктивистского текстиля продолжался недолго. В силу различных причин, в частности конфликтов с фабричным руководством, к осени 1924 года эксперимент был фактически закончен, а затем прочно забыт на несколько десятилетий. Также неудовлетворенная сотрудничеством с фабрикой, Соня Делоне в 1924 году открывает свою собственную мастерскую по печати тканей Atelier Simultané, которая просуществовала более 10 лет — до пика великой депрессии — и распространяла свою продукцию не только во Франции, но и в Голландии, Америке и других странах. Делоне сама вела дела мастерской, оформляла витрины, сотрудничала с журналами и другими модными домами и по сути реализовала все требования, предъявленные Поповой и Степановой фабричному руководству.

Все три художницы принадлежали к авангардным кругам и стремились посредством текстиля продвинуть в жизнь идеи новейшего искусства. Более того, никто из них в описываемое время не занимался станковым искусством: конструктивисты — в угоду идее, заставившей их еще в 1921 году отречься от станковизма, чтобы полностью посвятить себя производственному искусству; Делоне — в силу финансовых обстоятельств — с 1918 года она практически полностью посвятила свою деятельность оформлению интерьеров, театральных постановок, проектированию одежды и проч. Таким образом, вся творческая энергия этих художников была направлена на так называемое прикладное, или производственное искусство.

Напомним также, что сам статус прикладного искусства был в то время высок, и все три художницы рассматривали этот вид творчества не как нечто второстепенное по отношению к станковому искусству, а как высший или, по крайней мере, равный жанр. Конструктивистский опыт в текстиле вдохновил глашатая производственного искусства Осипа Брика написать статью «От картины к ситцу», где он заявлял: «Ситец такой же продукт художественной культуры, как и картина, — и нет оснований проводить между ними какую-то разделительную черту. Мало того. Укрепляется убеждение, что картина умирает, что в центр творческого внимания становится теперь ситец, — что ситец и работа на ситец являются вершинами художественного труда» 1 . Позже Делоне напишет в автобиографии: «Для меня не существовало никакого различия между моей живописью и моими так называемыми декоративными работами, и “низший жанр” никогда не был творческим спадом, напротив, свободной экспансией, завоеванием новых пространств, это было частью одного общего поиска» 2 .

Самое же удивительное и важное в сходстве этих двух экспериментов — это близость формального языка текстильных эскизов конструктивистов и Сони Делоне. Действительно, набор элементов, составляющих орнаменты Сони Делоне, практически совпадает с конструктивистским. И в том и в другом случае орнаменты представляют собой композиции, состоящие из простейших геометрических фигур: квадратов, ромбов, кругов, полос, зигзагов, треугольников и так далее. Использование цвета сведено к нескольким локальным оттенкам, как правило, не более четырех у конструктивистов и не более шести у Делоне.

Другая принципиально важная черта сходства заключается в том, что в большинстве случаев элементы орнамента расположены не отдельными раппортными ядрами (как было характерно для основной массы текстильной продукции тех лет, а также для некоторых экспериментов в текстиле других авангардных художников, например, супрематистов), а организованы во взаимосвязанные структуры. При этом сами принципы организации этих структур часто оказываются близкими.

Среди текстильных орнаментов конструктивистов и Сони Делоне можно выделить одни и те же орнаментальные «темы». Так, и Любовь Попова, и Соня Делоне выполняют целые серии рисунков, основанные на разнообразном сочетании полос.

Соня Делоне. Эскиз ткани. Гуашь No F 1412. 1928. Бумага, гуашь. 9,5×27 см. Частное собрание

Соня Делоне. Эскиз ткани. Гуашь No F 1190. 1923. Бумага, гуашь. 27×21 см. Частное собрание

Другая серия — круги — у обеих художниц включает в себя диапазон работ от крупных, структурированных форм до разноцветного «горошка». Часто и конструктивисты, и Соня Делоне отталкиваются от одинаковых базовых орнаментальных мотивов, как, например, вписанные друг в друга ромбы или «елочка».

Читайте также:
История успеха модного бренда Longchamp

Соня Делоне. Эскиз ткани. Гуашь No F 5257. 1926. Бумага, гуашь, тушь. 20×24,5 см. Частное собрание

Соня Делоне. Рисунок для симультанной ткани No 65. 1925. Бумага, гуашь. 15,8×15,5 см. Частное собрание

Однако и более сложные структуры текстильных рисунков Делоне и конструктивистов демонстрируют близкое сходство. Это, например, рисунки Степановой и Делоне, состоящие из полуокружностей, как бы сцепленных между собой в вертикальные ряды, или орнаменты Делоне и Степановой, построенные на основе «синкопированного» концентрического квадрата 3 .

Иногда сходство распространяется и на сами приемы и методы построения орнамента. Так, тот же прием изобразительной «синкопы», примененный к орнаментальной основе, образованной наложением друг на друга нескольких геометрических структур, стал основным принципом построения «оптических» эскизов, составляющих одну из самых ярких групп среди текстильных проектов конструктивистов. Способ заполнения узора цветом в соответствии с законом шахматной доски сплавляет структуры, образующие орнамент, в единое целое. Негативные и позитивные формы по-разному на- страивают глаз зрителя, меняя структуру листа в зависимости от того, что взято за основу.

Варвара Степанова. Рисунок для ткани. 1924. Бумага, гуашь. Частное собрание

Соня Делоне. Симультанная ткань по рисунку No 90. 1925

По этому же принципу построены и некоторые орнаменты Делоне, и если бы не более живописная манера исполнения эскизов Делоне, эти орнаменты было бы весьма трудно отличить от конструктивистских. Для сравнения приведем один из орнаментов Степановой, представляющий собой сетку из ромбов, прорезанную горизонтальными полосами. Узор заполнен цветом по закону шахматной доски. Похожий эскиз у Делоне — сетка из квадратов, про- резанная диагональными полосами, раскрашенными по тому же принципу.

Соня Делоне. Эскиз ткани. Гуашь No F 5257. 1926. Бумага, гуашь. 5,7×6 см. Частное собрание

Варвара Степанова. Рисунок для ткани. 1924. Бумага, гуашь. 13×15 см. Частное собрание

Или круги в сочетании с ромбами у Степановой и круги в сочетании с квадратами у Делоне. С 1927 года Делоне начинает серию рисунков, основанных на пересечении прямых линий, к ко- торой будет возвращаться вплоть до 1940-х годов. Эти работы очень похожи, а иногда почти буквально совпадают с ортогональными орнаментами Любови Поповой.

Такие орнаменты состоят, как правило, из одной или нескольких перпендикулярных се- ток разных цветов, наложенных друг на друга. В этих очень близких по своей основной идее орнаментах художников интересуют сходные визуальные проблемы, например, пространственные эффекты, образованные наложением структур, или напряжение в местах пересечения линий.

Более того, некоторые рисунки совпадают и по цветовой гамме. Так, излюбленное сочетание Любови Поповой — кобальт с оранжевым — будет характерно и для серии рисунков Делоне. В поздних орнаментах Делоне также будет интересовать прием параллельной штриховки, часто применяемый Любовью Поповой.

Любовь Попова. Рисунок для ткани. 1923–1924. Бумага, тушь. 9,3×7,5 см. ГМЗ «Царицыно»

Соня Делоне. Эскиз ткани. 1929. Бумага, гуашь. 10×10 см. Частное собрание

Среди орнаментов Делоне существует группа рисунков, близких по структуре и составляющим элементам к «народным» эскизам Поповой, рассмотренным нами в первой главе этой книги. Так же как и Попова, Делоне использует продолговатые ромбы в сочетании с короткими полосами, вписанными в ярусные структуры.

Соня Делоне. Эскиз ткани. 1928. Бумага, гуашь. 11,2×9,3 см. Частное собрание

Рассмотренный нами красно-черный эскиз Поповой также имеет близкий аналог среди поздних орнаментов Делоне. Таковы лишь некоторые из примеров сходства художественного языка текстильных орнаментов конструктивистов и Сони Делоне. Обилие общих черт, фактических и изобразительных совпадений, объединяющих эти два художественных события, заставляет задуматься о причинах подобного сходства, об общности корней или некоей единой основе. Но прежде всего возникает вопрос о возможности контактов между участниками этих экспериментов.

Ткань по рисунку Сони Делоне. 1926. Шелк

Вопрос о том, знали ли конструктивисты о работе Сони Делоне, не представляется перспективным. Как уже было сказано, к моменту открытия Atelier Simultané в конце лета — начале осени 1924 года конструктивистский опыт в текстиле был фактически закончен. Любови Поповой, самого воодушевленного и деятельного участника этого эксперимента, уже к тому времени не было в живых, а Варвара Степанова, потеряв товарища и коллегу, уже не занималась текстилем интенсивно и вскоре перенесла свои творческие усилия в сферу полиграфического дизайна.

Напротив, осведомленность Сони Делоне о конструктивистских эскизах для ткани не вызывает сомнения. Она, безусловно, знала о работе Поповой и Степановой в области текстиля и видела некоторые из рисунков. Другой вопрос, когда она впервые услышала об этом опыте. Где и когда она могла увидеть эти рисунки и какие из них? Наконец, и это самое главное, в какой степени они могли оказать на нее влияние?

Ясно, что знакомство Делоне с конструктивистскими эскизами для текстиля произошло не позднее 1925 года, когда рисунки для ткани русских конструктивистов были выставлены в рамках секции СССР на Всемирной выставке декоративного искусства в Париже, в которой Делоне также принимала участие 4 .

Читайте также:
Энтони Ваккарелло – фото и лучшая одежда дизайнера

Симультанный бутик Сони Делоне на Международной выставке декоративных искусств и художественной промышленности в Париже. 1925

Александр Родченко, подготавливавший экс- позицию, писал из Парижа Варваре Степановой: «Работы по выставке вагон, теперь нужно составить эскизы на оборудование комнат , а затем начать развеску. Текстиля рисунков Любови Поповой 60, а твоих 4. Ну, ничего» 5 . В другом письме: «Все развешиваю. Плакаты мои заняли две стены, графика еще стену, костюмы еще стену. Рисунков тек- стиля твоих четыре. Любкиных много» 6 .

Часть этих рисунков обрамляла вход в секцию СССР в Гран-Пале, о чем свидетельствует сохранившаяся фотография. Несколько рисунков Поповой было опубликовано в сборнике статей о развитии советской художественной промышленности L’Art decoratif et industriel de l’URSS, подготовленном специально к выставке. Это издание, в частности, включало в себя статью Давида Аркина «Художник и производство», излагавшую распространенные в те годы в СССР идеи о необходимости участия художников в работе промышленного производства 7 . В этой очень общей статье Поповой, чуть ли не единствен- ной из персоналий, посвящен целый абзац.

Немыслимо предположить, что Соня Делоне, будучи по происхождению соотечественницей конструктивистов, живо интересующаяся всеми новшествами искусства, и в особенности событиями, происходящими в России, и тоже занимающаяся текстилем, не обратила внимания на эти эскизы.

Интересно заметить, что некоторые из работ Сони Делоне, относящиеся к 1925 году и позже, включают элементы, присутствовавшие в эскизах конструктивистов, выставленных на Парижской выставке. Это, например, эскиз ковра с мотивом полос, как бы упирающихся в локально окрашенную зону, или уже упомянутые ромбы и т. д. Таким образом, Делоне могла сознательно или неосознанно позаимствовать некоторые орнаментальные мотивы.

Любовь Попова. Рисунок для ткани. 1923–1924. Бумага, тушь, акварель. 23,4×15,8 см. ГМЗ «Царицыно»

Соня Делоне. Дизайн ковра. 1928. Частное собрание

В качестве неоспоримого доказательства того, что Соня Делоне знала конструктивистские эскизы для ткани, можно привести тот факт, что через несколько лет после Парижской выставки, в 1929 году, Соня Делоне издала альбом репродукций геометрических тканей, ковров и эскизов для текстиля художников разных стран, куда вошли эскизы для тканей Поповой и Степановой 8 .

Тем не менее есть основание полагать, что Соня Делоне узнала о конструктивистском опыте в текстиле раньше 1925 года и что между этими двумя экспериментами существовала более глубокая связь, нежели поверхностное заимствование отдельных деталей. Чтобы оценить масштаб и природу этой связи, необходимо более подробно рассмотреть творчество Сони Делоне и ситуацию, в которой она работала. Но прежде всего следует отметить некоторые биографические моменты, которые окажутся существенными для понимания текстильного творчества Сони Делоне 9 .

1. Брик О. От картины к ситцу. — ЛЕФ, 1924 No 2(6). C. 27–34.

2. Delaunay S. Nous irons jusqu’au soleil. Paris: R. Laffont, 1978. P. 96.

3. Этот эскиз Степановой был опубликован в журнале ЛЕФ и перепечатан Соней Делоне в состав- ленном ею альбоме «Ткани и ковры». См. об этом ниже.

4. Ткани Сони Делоне демонстрировались в одном из магазинчиков на мосту Александра III — этот магазин она делила с соавтором некоторых своих моделей, кутюрье Жаком Хаймом.

5. Письмо Родченко из Парижа в Москву от 1 апреля 1925 года. См. в кн.: Александр Родченко. Опыты для будущего. М., 1996. C. 141.

6. Письмо от 31 мая 1925 года. Там же. С. 163.

7. Arkine D. L’Artiste et l’industrie. — L’Art décoratif et industriel de l’URSS. Edition de comite de la section de l’URSS a l’exposition internationale des arts décoratifs. Paris — Moscou, 1925. P. 39–47.

8. Delaunay S. Tapis et tissus. — L’Art international d’aujourd’hui, no. 15, Paris: Edition d’art Charles Moreau, 1929.

9. Более подробно о творческой биографии Сони Делоне см., например: Buckberrough S. A Biographical Sketch: Eighty Years of Creativity. — Sonia Delaunay. A Retrospective. Buffalo, New York: Albright-Knox Art Gallery, 1980; Baron S., Damase J. Sonia Delaunay. The Life of an Artist. New York: Harry N. Abrams, 1995; о жизненном пути и связях см., например: Bernier G., Schneider-Maunoury M. Robert et Sonia Delaunay: naissance de l’art abstrait. Paris: J.-C. Lattès, 1995. Desanti D. Sonia Delaunay: magique magicienne. Paris: Editions Ramsay, 1988; Madsen, A. Sonia Delaunay: Ar- tist of the Lost Generation, New York: McGraw-Hill, 1989; автобиография: Delaunay, S. Nous irons jusqu’au soleil. Paris: R. Laffont, 1978.

Соня Делоне: как россиянка стала национальной гордостью французского искусства

Во время Первой мировой войны гастроли дягилевской балетной труппы не прекращались. Они проходили и в Мадриде. Там, в Мадриде, Дягилев увидел работы молодой художницы.

На талант, на грядущее бессмертие у Дягилева был нюх. Он моментально предложил Соне Делоне сотрудничать с труппой. Соня не могла не согласиться: она тоже чувствовала, когда появлялся шанс войти в историю. В костюмах по её эскизам труппа представляла «Клеопатру» потом не один год.

Художница, которую потеряла Россия

Это, конечно, была судьба: два выходца из Российской империи столкнулись именно на чужой стороне. Правда, в те годы такие случайности были не редкостью. В десятые-двадцатые годы Европа была полна политически неблагонадёжными лицами, туристами, а потом и беженцами из России. Соня была не тем, не другим и не третьим. Она искала в Европе самореализации и нашла её.

Читайте также:
История причесок – египетские прически

Отцом её был вовсе не какой-нибудь деятель искусства, а управляющий на заводе, матерью — обычная домохозяйка.

Кроме Сары, у пары было ещё несколько детей мал мала меньше, так что они без особых колебаний отдали пятилетнюю Сару на воспитание родственникам по линии Сариной мамы, Генриху Терку и его жене. По другой версии, к тому моменту Сара уже осиротела.

В любом случае, её дядя имел право жить в Санкт-Петербурге — и жил там, так что перед Сарой, которая для всех стала Соней, открылись замечательные возможности.

Путешествуя каждое лето по Европе, заходили в музеи, галереи, на выставке, и Соня бесконечно впитывала в себя живопись во всех её цветах. В восемнадцать лет её отправили а выбранную ей Художественную академию Карлсруэ. В двадцать лет захотела поближе к импрессионистам в Париж — и переехала.

Париж, город, где сбываются мечты

Академическая манера преподавания Соню Терк расхолаживала. Ей больше нравилось рассматривать на выставках Гогена, Анри Руссо, Ван Гога и фовистов. Её завораживало, как цвет и форма могут играть на картине, даже когда изображение упрощается, упрощается и упрощается. Разве это не чудо?

Личная жизнь Сони тоже была яркой. Сначала она вышла замуж за состоятельного галериста, также еврея, только из Германии, С А уже через год сошлась с художником Робером Делоне, своим ровесником, совершенно совпадающим с ней во всём — и поняла, что может быть только с ним. Скандально быстрый развод и сразу новый брак! И сын Шарль — меньше, чем через девять месяцев после свадьбы, но, несомненно, от Делоне.

Уде на поворот событий не обиделся. Он, собственно говоря, был скорее гомосексуальные, а женился, чтобы нельзя было сказать точно, что у него просто женщины хорошей не было. Соня была отличной женщиной, и с ней Уде убедился, что совершенно точно это не его. Позже он охотно выставлял работы супругов Делоне, сохраняя к ним неизменную симпатию.

Делоне: не один и не два

Супружеский союз оказался чем-то большим, чем единение сердец. Робер и Соня словно были одно — только разделённое на два тела единое начало. Их мысли, идеи появлялись и продолжались в общении друг с другом. Их занимало одно и то же. Они стремились к одному и тому же.

Оба увлеклись кубизмом и оба сделали его чем-то новым, что позже назовут орфизмом. Движение цвета в свете — вот, что их завораживало, вот, чем они хотели завораживать других.

Удивительно, но среди источников их вдохновения было одеяльце, которое сшила из лоскутков маленькому Шарлю Соня — просто в память о родных местах. Оно было похоже на полотна кубистов.

Сейчас оно выставлено в Музее национального современного искусства в Париже.

В Мадрид они уехали из-за Первой мировой. Там оказалось, что всё же они — разное: Соню Дягилев нанял, а к Роберу остался равнодушен. Это их не расцепило, не разъединили, не рассорило. Они, кажется, на очень поверили Дягилевскому видению. Они по-прежнему оставались одной душой на два тела. На всех вечерах с художниками появлялись вместе, держась за руку. А познакомились они тогда в Испании и Португалии со многими художниками.

Париж, город, в котором всё связано с модой

Создание костюмов для балета заставило Соню взглянуть на возможности живописи и её границы по новому. Вернувшись после войны в Париж, она открыла модное ателье. Теперь холстом для неё стали платья и накидки; её живопись буквально вышла на улицу своими ногами.

Платьями и картинами Делоне не ограничивалась. Керамика, скульптура, книжные иллюстрации, текстильные узоры, мебель и вновь сценические костюмы. Ей как будто хотелось освоить своим цветом-в-свете все поверхности, всё пространства, до которых она могла дотянуться. Она считала цвет кожей мира, находился работу с ним особенно волнующей. Крупные выставки редко обходились без супругов Делоне, где Робер, оставаясь для Сони по-прежнему её вторым «я», для других стал её тенью, фигурой чуть позади.

Художник-иллюстратор французской моды Рене Грюо

В парижском Grand Palais проходит выставка, посвященная аромату от Кристиан Диор – Miss Dior. Свое почтение аромату демонстрируют 15 современных художниц, живущих в разных странах и работающих в разной технике. Каждая из них выражает свое почтение аромату собственным путем. А с чего все начиналось, кто первый художник, послуживший Miss Dior?

Первым художником, разделившим с Miss Dior частичку славы и прибыли, был художник – иллюстратор французской моды Рене Грюо (Rene Gruau). Давайте узнаем о нем немного больше, его жизнь прекрасный пример.

Рене Грюо – величайший иллюстратор французской моды, гений лаконизма, создавший прекрасные образы рекламных компаний Dior, Balenciaga, Yves Saint Laurent и других модных Домов. Модные иллюстрации Рене Грюо, не просто рисунки, а произведения искусства, верх элегантности в модной иллюстрации и настоящий гимн женщине.

Читайте также:
Тафья – забытый головной убор и современная мода

Сегодня рисунки Рене Грюо продаются на аукционах, по цене 2000, 5000, 10.000 английских фунтов и иногда дороже.

Биография и творчество художника-иллюстратора Рене Грюо

Его настоящее имя весьма сложно для запоминания русскоязычного читателя, полное имя художника звучало так – Ренато де Дзавальи Риччарделли Каминате граф Делла Каминате.

Грюо – фамилия его матери Мари. Именно этой фамилией подписывался художник на тысячах листах с рисунками и эскизами, изящно исполненными черной тушью и красной гуашью, рядом с нарисованными им гламурными светскими львицами и джентльменами в смокингах, которые рекламировали модные товары и роскошный образ жизни. Рисунки Рене Грюо дышали дорогими кварталами и гламуром, от его героинь в вечерних платьях и шикарных костюмах веяло успехом и богатством.

Художник родился в семье итальянского аристократа и французской графини, поэтому детство у него было счастливое и беззаботное, но потом его счастье омрачил развод родителей. А когда Рене Грюо исполнилось 15 лет, он вместе с матерью приехал в Париж и сразу влюбился в этот город. Ему было комфортно в атмосфере, где тон задавали Дома моды. В двадцать лет он уже работал модельером, а затем решил посвятить себя модной иллюстрации, где весьма быстро добился успехов.

Журнал L’Officiel первым опубликовал модные рисунки Рене Грюо, и с этого момента у него не было недостатка в заказах. Но настоящий успех пришел к художнику после предложения великого Кристиана Диора, который доверил ему создание модных иллюстраций для рекламной компании Miss Dior.

Данный контракт принес художнику еще больше известности и весомый доход. Отныне духи Miss Dior символизировал лебедь с двумя жемчужными ожерельями на длинной шее и веер в руке, обтянутой перчаткой. Тогда же рекламный плакат помады Rouge Baiser поразил свет незабываемой улыбкой женщины в маске…

История аромата Miss Dior на видео

В тот период ни одна фотография не могла быть такой символичной, как рисунки Рене Грюо. Его моделями были красивейшие женщины мира – бархатные глаза Одри Хепберн выразительно смотрели с рекламы непромокаемого плаща Blizzand. Художник играл на ассоциациях и намеках. Остроносая туфелька, заглядывая в приоткрытую дверь, намекала на облегающий костюм Dior, черная юбка на красной лестнице подразумевала белье Scandale… На его живых рисунках взлетали оборки, дрожали складки, трепетали волосы.

Созданные Грюо девушки носили модные перчатки и широкополые шляпы, бросавшие на глаза таинственную тень. Этим дамам очень шли наряды от Пьера Бальмена, Юбера де Живанши, Кристиана Диора, Жака Фата и других успешных кутюрье.

Стиль Грюо складывался в жестких условиях, которые диктует художнику рекламная иллюстрация мира моды – строгость, простота, образное решение, поэтому природе нет места в его композициях. Можно даже сказать – что природа полностью отсутствует в его рисунках, там не увидишь ни одного дерева, ни одного куста, ни даже ручейка. Лишь цветы, но цветы непростые, его цветы «цветут» только на модных тканях.

В своих работах художник стремится к графической простоте – гибкость линии, плюс определенный набор используемых цветов – белый, красный, черный, золотисто-желтый иногда зеленый цвет.

Благодаря особенности рисунков, где практически полностью отсутствует природа и интерьер, за исключением некоторых деталей (полуоткрытая дверь, спинка кресла, подлокотник, блеск зеркала), художнику удавалось выдвигать на первый план человека или рекламируемый объект.

Погрузившись в любимое дело художник работал в Париже до того момента, когда в 1960-е годы Европу охватило движение хиппи. Последователи субкультуры отвергали гламур, элегантность и даже красоту! В этот момент Рене Грюо решает покинуть Париж и перебирается в Италию, где начинает работать с дизайнером Валентино, известным своей любовью к красоте и роскоши.

В 1970—1980-е годы модные иллюстрации Рене Грюо вновь на пике популярности. Художник плодотворно работает для знаменитых Домов моды, ювелирных и парфюмерных компаний. Попутно Рене Грюо активно сотрудничает с американским издательством и не забывает глянцевые журналы – Vogue, L’Officiel, Marie Claire, International Textiles.

Вот так в течение всей жизни Рене Грюо занимался любимым делом, творил красоту и гламур посредством своих модных иллюстраций, но в последние годы, мода перестала его вдохновлять. Вернее сказать, ему не нравилась мода последних лет. Художник печалился и говорил – «И зачем женщины так себя уродуют?».

В этот момент он нашел утешение в живописи и расписал замок Laura Biagiotti, с которой он дружил более тридцати лет.

Вскоре после этого, в возрасте 95 лет Рене Грюо умер. Согласно последнему желанию художника, о его смерти объявили лишь после погребения.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.