Мода и костюм эпохи итальянского Возрождения
Эпоха Возрождения или же Ренессанса стала расцветом европейской живописи, архитектуры и модной одежды. Именно в данное время (XV-XVI вв.) жили и создавали свои выдающиеся произведения такие художники, как Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль.
Леонардо да Винчи
Джоконда
Центром культуры Возрождения являлась Италия. В XV веке все художники, скульпторы и архитекторы Италии стремились во Флоренцию. Ведь именно во Флоренции проживало могущественное и влиятельное семейство Медичи. Семья Медичи не только обладала несметными богатствами, но и активно поддерживала искусство.
Леонардо да Винчи
Портрет Дамы с горностаем
Во многом именно благодаря Медичи Флоренция в XV веке становится центром развития искусства. В этом городе работали Сандро Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, знаменитый архитектор Филиппо Брунеллески. Но не только городом художников в XV веке являлась Флоренция, была она и столицей моды. Флорентийские ткани славились далеко за пределами Италии, приносило известность городу и флорентийское кружево.
Сандро Боттичелли
Портрет Джулиано Медичи
Мода Флоренции XV века была яркой и свободной. Она пришла на смену периоду Средневековья – периоду закрытых платьев и обязательных головных уборов, времени абсолютного влияния церкви на одежду своих прихожан.
В период Возрождения влияние церкви на общество ослабевает. Пошатнули всемогущество католической церкви и Великие географические открытия (в XV веке была открыта Америка), и новые изобретения (к примеру, в XV веке появляется книгопечатание), и движение за реформацию католической церкви.
В Германии против церкви выступает священник Мартин Лютер, которого поддерживает простой народ, и вскоре образуется независимая от Папы Римского лютеранская церковь. Появляется своя, англиканская, церковь и в Англии. Теперь английская церковь подчиняется только королю Англии, но не Папе Римскому.
Изменения, происходящие во всех сферах жизни общества XV века, находят свое отражение и в моде.
Одежда становится свободной, с широкими рукавами, одежду украшает множество разрезов – на линии талии, на рукавах. Такие разрезы делаются как для того, чтобы показать дорогую (иногда даже шелковую) ткань нижних рубашек, так и для удобства движений. Модными становятся рукава-буфы.
В женском платье появляются декольте. Очень часто вырезы делаются не только спереди, но и на спинке платья – обязательно в форме треугольника, чтобы подчеркнуть длину шеи.
Рафаэль
Портрет женщины (Донна Гравида)
В период Возрождения в Италии у женщин красивой считалась длинная шея и высокий лоб. Женщины по-прежнему, как и в Средние века, чтобы подчеркнуть высоту лба, на толщину двух пальцев руки сбривали волосы надо лбом. Не красили брови и ресницы. Но зато в большом количестве использовали духи. Румянили щеки, красили губы.
Мужчины во Флоренции носили нижнюю рубашку длиной до середины бедра, украшенную кружевами на манжетах и воротнике. Воротник и манжеты нижней рубашки никогда не прятались под верхней одеждой, для того, чтобы было видно дорогое в те времена кружево. Рукава нижней сорочки были пышными и их пропускали в разрезы рукавов верхней одежды.
Сандро Боттичелли
Портрет молодого человека
На ногах носили чулки и верхние короткие, длиной до середины бедра, панталоны (они же рейтузы). Шились рейтузы чаще всего из бархатной ткани. С XVI века такие штаны станут чуть длиннее и будут застегиваться пуговицей под коленом. Название «панталоны» данному элементу мужской одежды было дано в честь итальянца по фамилии Панталони, который первым начал носить подобные штаны.
Рафаэль
Портрет Альоло Дони
Верхней одеждой был колет – короткая верхняя распашная одежда, застегивающаяся на пуговицы или же со шнуровкой. Колет мог быть как с высоким стоячим воротником, так и с вырезами различной формы. Еще одним вариантом верхней одежды была симарра – распашная одежда различной длины с длинными широкими рукавами. Симарра встречается не только в мужском гардеробе, но и в женском. Женщины носили симарру поверх платья.
Также мужчины Флоренции носили и различные плащи. К примеру, табар – накидка в виде короткого нарамника (плащ, не сшитый по бокам) со свободно свисающей спинкой и подпоясанной полочкой. Излюбленным головным убором во Флоренции были береты.
Сандро Боттичелли
Портрет Симонетты Веспуччи
Женщины носили платья с декольте, разрезами на рукавах, рукавами-буфами и со шнуровкой спереди. Такие платья назывались гамурра.
Симонетта Веспуччи
Еще одним вариантом женского платья было платье киртл. Киртл – платье с узким лифом и длинной шнуровкой, с короткими рукавами или без них (в данном случае рукава пристегиваются отдельно).
Платья шились из дорогих и ярких тканей. Как и в мужском костюме, через разрезы в рукавах верхнего платья обязательно просматривалась белая ткань нижней рубашки.
Антонио Аллегри, прозванный Корреджо.
Портрет дамы
Интересными были и прически жительниц Флоренции. Особой популярностью пользовалась прическа под названием «флорентийская коса» – волосы над ушами укладывались в виде полукружий, разделялись на прямой пробор, сзади на спину спадала длинная коса, украшенная лентами и нитями жемчуга. Встречались и более сложные варианты данной прически.
Антонио Поллайоло
Портрет дамы
На рукаве платья рисунок в виде цветка граната – очень популярный рисунок на флорентийских тканях
Также в моде была и завивка. Завивали волосы как мужчины, так и женщины. Точно так же, как художники эпохи Возрождения обращались к традициям искусства Древней Греции и Древнего Рима, так и модники Ренессанса черпали вдохновение в образах богов Античности. Помимо завивки в моде были и светлые волосы. Ведь древнегреческие боги и богини описывались как «златокудрые».
Рафаэль
Портрет Иоанны Арагонской
Особенно мода на светлые волосы распространится в Венеции. Венецианки даже носили соломенные шляпы без донышка, в которых волосы выкладывались на поля для того, чтобы выгорая на солнце, они приобретали более светлый оттенок.
Венеция являлась второй столицей итальянской моды эпохи Возрождения после Флоренции. Весь XVI век моду в Италии диктовала Венеция. Станет Венеция в XVI веке и центром искусства. Именно в Венеции создавали свои шедевры такие художники Позднего Возрождения, как Тициан и Джорджоне.
Тициан
Портрет Томазо Винченцо Мости
В XVI веке на моду Венеции большое влияние оказывала мода Испании. Женские платья становятся более закрытыми. Рукава сужаются, буфы остаются только в области плеча. Под влиянием Испании более темными становятся и цвета одежды. Мужчины начинают носить небольшие бороды, в то время как во Флоренции мужчины ходили с выбритыми лицами.
Самой распространенной тканью в мужском костюме становится бархат. Одежду часто украшали мехом и вышивкой.
Тициан
Портрет мужчины в красной шапке
Верхней одеждой служил пурпуэн, сохранившейся в мужском костюме еще со времен Средневековья, с глубоким вырезом на груди. На ногах носили чулки и штаны о-де-шосс – короткие и шарообразной формы.
Женщины в Венеции также предпочитали дорогую бархатную ткань темных цветов. Носили платья с рукавами-буфами и юбкой со складками. Декольте очень часто прикрывалось отсутствием выреза на нижней рубашке. Таким образом, декольте платья демонстрировало складчатые нижние рубашки с оборками и богатой отделкой.
Тициан
Красавица
Поверх платья женщины могли носить черные бархатные плащи, а также мантии и пелерины, скрепляющиеся брошками или же пряжками.
Тициан
Портрет Изабеллы
Появляется в Венеции XVI века и мода носить маски либо полумаски из черной ткани. Такими масками знатные дамы очень часто прикрывали лица, выходя из дома и направляясь в гости к своим тайным любовникам.
В Венеции зарождается мода носить веера и перчатки. Причем перчатки становятся неизменным аксессуаром как женского, так и мужского костюмов.
Однако, уже с середины XVI века Италия оказывает все меньшее и меньшее влияние на европейскую моду. Изначально пальму первенства у Италии забирает Испания, а с XVII века – Франция.
Костюм и мода Италии эпохи Возрождения
Костюм эпохи Возрождения
Эпоху Возрождения характеризуют интерес к человеку, любовь к природе, красоте, жажда знаний, открытий (кругосветные путешествия Магеллана и Колумба, открытие Америки), расцвет естественных наук, искусства, литературы, формирование и развитие реализма — нового художественного метода в искусстве.
Реализм эпохи Возрождения имел много общих черт с античным реализмом. Это ясные спокойные формы, гармоничные пропорции, четкие членения целого на части, органичные соотношения декоративной и конструктивной системы, безупречное чувство меры. Однако искусство Ренессанса сформировалось на новом, более сложном этапе развития человеческого общества и было новым искусством своего времени, отражавшим прежде всего веру в человеческий разум.
Гуманизм — новое представление о всесторонне развитом человеке. Эстетический идеал красоты
Основным стержнем культуры и искусства эпохи Возрождения является гуманизм — новое представление о человеке как о свободном, всесторонне развитом существе, способном к безграничному прогрессу. Тогда не было почти ни одного крупного человека, который не совершил бы далеких путешествий, не говорил бы на четырех или пяти языках, не блистал бы в нескольких областях творчества.
Выступая против аскетизма средневековой морали, итальянская эстетика эпохи Возрождения не противопоставляет тело духу, а выдвигает идею их единства.
Сложная натура, в которой глубина и значительность духовной красоты гармонически сочетаются с физической, — таков идеал эпохи.
Красота считается таким же благом, как здоровье и сила. Ее основные признаки и значение подробно разбираются в трактатах итальянских гуманистов — философов и художников Лоренцо Валлы, Луки Пачоли, Аньоло Фиренцуолы и др. Теорию прекрасных пропорций человеческого тела, его пластику, колорит, форму изучают и воспевают в своем искусстве Леонардо да Винчи, Тициан, Дюрер и многие другие великие художники эпохи.
Очень показательно описание идеальной женской красоты, данное в трактате Аньоло Фиренцуолы «О красоте женщин»: «. волосы женщин должны быть нежными, густыми, длинными и волнистыми, цветом они должны уподобляться золоту или же меду, или же горящим лучам солнечным. Телосложение должно быть большое, прочное, но при этом благородных форм. Чрезмерно рослое тело не может нравиться, так же как небольшое и худое. Белый цвет кожи не прекрасен, ибо это значит, что она слишком бледна; кожа должна быть слегка красноватой от кровообращения. Плечи должны быть широкими. На груди не должна проступать ни одна кость. Совершенная грудь повышается плавно, незаметно для глаза. Самые красивые ноги — это длинные, стройные, внизу тонкие с сильными икрами, которые оканчиваются маленькой, узкой, но не сухощавой ступней. Предплечья должны быть белыми, мускулистыми. »
«Портрет Лавинии», «Портрет дамы в белом» Тициана — именно такой тип красоты особенно ярко отражен в искусстве Венеции
Ткани, цвет, орнамент
В производстве тканей, так же как в остальных отраслях ремесленного производства и прикладного искусства Европы, наблюдается мощный подъем. Центром развития ремесел была Италия. В развитых городах Италии — Генуе, Милане, Флоренции, Венеции — широко развивается шелковое ткачество, изготовление набивных тканей.
По фактуре, плотности и внешнему виду итальянские шелковые ткани были чрезвычайно разнообразны. Особенно эффектны были итальянские алтабасы и аксамиты. На алтабасе золотом по золотому фону или серебром по серебряному ткали узор. Его контуры подчеркивали цветным атласным или бархатным кантом. На золотом или серебряном фоне аксамита сложный петельчатый узор с разновысоким уровнем петель играл светотеневыми бликами.
Рис. 1
В орнаменте преобладали стилизованные формы ананаса, тюльпана, виноградной лозы, аканта на фоне растительных завитков и узоров. Особым успехом пользовались гранатовый узор и «павлиньи перья» Кроме цветочных узоров, на тканях изображались фигуры животных, птиц. Цветовая гамма тканей итальянского Возрождения отличалась яркостью колорита, цветистостью, насыщенностью, цветовыми контрастами. Излюбленными цветами были холодный красный, золотистый. Для траурных костюмов использовали не черный, а коричневый фиолетовый, цвета.
Ткани изготовлялись и в других европейских странах: Нидерландах, Германии, Испании, Франции. Крупными центрами ткачества были нидерландские города Брюгге, Утрехт, которые славились набивными льняными тканями и тиснеными бархатами. Кроме тканого узора и набивки в украшении бархатных и шелковых тканей широко применялась вышивка рисунков в виде золотых листиков, колец, кружков с рельефным изображением львов, драконов, птиц, вышивка жемчугом и драгоценными камнями. Масса костюма, расшитого таким образом, могла достигать кг.
С в Италии, Франции, а затем и в других европейских странах для верхней одежды перестают применять льняные ткани, заменяя их парчой, бархатом, плотным шелком. Лен становится незаменимым материалом в изготовлении нижних одежд, однако его матовая или блестящая фактура, белизна продолжают играть большую декоративную роль в костюме (вначале нижние льняные одежды просматривались в вырезе пройм, горловины, а затем в декоративных разрезах верхней одежды). С в Европе появляется кружево, которым обшивали края сорочки, низ рукавов. Ранние венецианские кружева были шитые, типа гипюра, без тюлевого фона, из хлопка белого и кремового цвета. Затем появляются вязаные кружева, черные, золотые, серебряные в виде края, состоящего из маленьких петелек, комбинации которых давали сложные геометрические узоры Рисунки для изготовления шитых и плетеных кружев начинают издаваться в специальных сборниках в Италии и других странах Европы.
Рис. 2
Итальянский костюм
Испытывая до сих пор значительное культурное влияние Франции, Византии, стран Востока, Италия с сама становится законодателем моды среди европейских стран.
Вертикальность, заостренные формы, условность и стилизация готики вытесняются горизонтальными членениями, простыми и естественными соотношениями и формами, сочностью, богатством и разнообразием цветовой палитры. Эстетика Ренессанса требовала от костюма настолько полного соответствия естественным формам тела, подчеркивания красоты пропорций, чтобы он мог быть «вторым телом» человека. При этом обязательно подразумевалась частичная его обнаженность. В создании итальянской моды принимали участие крупнейшие художники, которые расписывали ткани, создавали ювелирные украшения, узоры для кружев (Бенвенуто Челлини, Чезаре Вечеллио и др.).
Широкий приземистый силуэт костюма, стремление к большим объемам, устойчивые пропорции обнаруживают связь с горизонтальными линиями архитектуры и прикладного искусства эпохи, помогают воссоздать эстетический идеал красоты человека.
Мужской костюм
Главной законодательницей моды в была Флоренция, в — Венеция. В костюме флорентийца сохраняется прилегающий силуэт французской готики. Однако одежда не имела утрированных форм, отличалась удобством, обувь имела округлую носочную часть. Основными видами мужской одежды были: сорочка, колет, симара, табар, плащ.
Сорочка чаще всего была из тонкого белого полотна длиной до середины бедер. Ее носили заправленной в штаны. Мягко спущенная линия плеча, большой объем лифа и длинных рукавов позволяли пропускать ткань сорочки сквозь разрезы рукавов верхней одежды в виде пышных буфов. Сорочку выпускали также между штанами и короткой верхней одеждой. Горловина имела широкую овальную или квадратную форму и отделывалась по краю тесьмой, кружевом, зубцами ткани.
Рис. 3
Колет — верхняя плечевая одежда, короткая, до талии или бедер, распашная с застежкой на пуговицы или шнуровкой. Колет прилегал по линии груди, талии, бедер, имел отрезную баску и разнообразно оформленную горловину: с высоким стоячим воротником, глубоким треугольным вырезом, овальным со вставкой. Рукава его не вшивались в пройму, а привязывались на отдельных участках (низ проймы, плечо, по бокам). Это обеспечивало необходимую свободу движения. Рукав прорезали на плече и локте. Во все щели и прорезы выпускали ткань нижней сорочки, а затем декоративную ткань отделки, образуя пышные буфы
Рис. 4
из эластичной ткани плотно облегали ноги. В обе половинки их соединили гульфиком, который вверху и сбоку пристегивали на пуговицы или шнуровали. привязывали к колету шнурками через специальные отверстия. Между колетом и штанами просматривалась нижняя сорочка. Долгое время сохранялась мода мипарти: одна штанина была гладкой, другая — полосатой (см.
В конце сверху стали надевать набедренные короткие штаны, длиной до середины бедер и выше.
В моде Флоренции эти штаны сохраняли плотное облегание по бедрам. В середине их стали расширять по низу
Рис. 5
Симара — распашная верхняя одежда разной длины с длинными широкими рукавами
Рис. 6
Табар — верхняя одежда в виде короткого нарамника со свободной спинкой и подпоясанной по талии полой Широкое распространение имели плащи различной длины и формы. В Венеции плащи нередко украшались
Длина одежды определялась возрастом и общественным положением флорентийца. Верхняя одежда пожилого горожанина, даже если он не занимал никакой выборной должности, была обязательно длинной, широкой и придавала его внешности отпечаток степенности и важности.
После завоевания Флоренции Испанией итальянская мода испытывает влияние испанцев. Только Венеция, сохранившая свою независимость, продолжает диктовать свой вкус и формы в одежде.
В мужском костюме Венеции значительно реже прибегают к пестрым и ярким тканям. Темные бархатные одежды расширяются в объеме путем решения: спущенного плеча, низкой глубокой проймы, широкого, книзу суженного рукава, широкой сборчатой или буфированной баски, отрезной по талии Искусная вышивка или отделка дорогим мехом особенно отчетливо выделяется на темном фоне бархата.
Рис. 7
Во второй половине на одежде появляются продолговатые декоративные разрезы, расположенные по всей поверхности ткани. Разрезы отделывают цветной тканью или обшивают через край цветной нитью. Вначале сквозь них просвечивала белая рубашка, затем их начинают закреплять подкладкой другого цвета, что создает совершенно новую, живописную фактуру костюма в новой цветовой гамме. колористическое решение костюма, пышность его форм, игра светотени в складках, ювелирные украшения — цепи, перстни — все это придает большую художественную выразительность фигуре итальянца конца XV — начала Культ роскоши, богатство и великолепие становятся характерной чертой Венеции этого периода.
Мужской костюм дополняла удобная мягкая кожаная обувь с широкими носами («медвежья лапа») . Головные уборы были очень разнообразной формы: низкие шляпы, береты, фески.
К этому же времени относится появление первой вязальной машины и ее продукции — трикотажных шелковых чулок.
Рис. 8
Женский костюм
Флорентийская женская одежда имела мягкие, подчеркивающие фигуру линии, естественные пропорции или некоторое повышение линии талии спереди, воронкообразную юбку, мягко и плавно расширяющуюся от талии к бедрам и низу. По крою котт — обычно отрезное в талии с прилегающим лифом и широкой, заложенной крупными складками юбкой. Лиф имел декольте — спереди квадратное, сзади удлиненное. Рукава, так же как и в мужской одежде, присоединялись к платью различными способами Боттичелли, «Женский портрет»). Своей формой, буфами, изящными украшениями они подчеркивали красоту всего костюма.
Верхнее платье — симара — состояло из трех частей: удлиненной свободной спинки, заложенной от горловины спинки складками, и более коротких полочек. По бокам симара не сшивалась и только спереди придерживалась поясом на талии. Такой покрой позволял драпировать симару в различных вариантах
Рис. 9
Силуэт флорентийского платья вписывается в овал или треугольник, где ширина юбки относится к росту как длина лифа к длине юбки как голова укладывается в росте 8 раз. Линии силуэта мягкие и округлые.
В костюме венецианок намечается стремление к большей роскоши, пышности форм, что находится в непосредственной связи с эстетическим идеалом красоты того времени. Величавую пышность и округлость форм подчеркивают широким вырезом облегающего лифа, широкими сборчатыми рукавами, объемной юбкой.
Силуэт фигуры приближается к прямоугольнику, в котором отношение ширины плеч к ширине юбки близко к единице. Линия талии подчеркивается на естественном уровне Тициан, «Портрет дамы в белом»).
Рис. 10
В верхнем платье появляются короткие и широкие рукава, которых виднеются буфированные длинные рукава нижней одежды. Форма его также становится прилегающей с отрезной линией талии и тяжелой складчатой юбкой из бархата или парчи. Большое распространение получает иссеченная ткань, сквозь которую просвечивают белоснежные тонкие сборчатые рубашки.
Сочетание красных, зеленых, синих тяжелых шелков с золотом парчи и белизной рубашки создает прекрасное живописное решение итальянского костюма этого времени.
Пышный живописный туалет венецианки завершался вычурной обувью на очень высокой (до 55 см) деревянной подставке. Деревянные подошвы и верх туфель обтягивались сафьяном, шелком или расшитым бархатом.
Головные уборы итальянок — чепцы, мягкие шляпы, тюрбаны.
Прически — гладкие, низкие, украшенные жемчугом, вуалями, лентами, цветами.
В качестве отделки применяли кружево, которым украшали воротник, перчатки, пояс, чулки. Появляется новый вид дополнения к одежде — шелковая муфта на меху, украшенная лентами, кистями, различными безделушками.
Подготовлено на основе: Н. М. Каминская. История костюма
Костюм Италии эпохи Возрождения (14-16 века)
Возрождение ознаменовалось появлением класса буржуазии и формированием наций, великими географическими открытиями и обширной торговлей между странами. Необычайного расцвета достигли искусства, в том числе ювелирное и прикладное, возродился интерес к античности. В этот период зарождается гуманистическая культура, независимая от церкви, утверждающая ценность человеческой личности и земной жизни. В центре внимания — интерес к внутреннему миру человека, духовным идеалом становится не христианское смирение, а всесторонне — физически и нравственно развитая личность.
Новый эстетический идеал выразился и в появлении новых форм одежды, новой моды, главным в которой было — создание пластичного гармоничного образа.
В различных странах культура Возрождения складывалась в разные периоды. Раньше всего она возникла в Италии: итальянское Возрождение охватывает период с XIV до середины XVI вв. Во Франции оно зародилось с конца XV — начала XVI вв., в Англии продлилось с XVI до начала XVII вв., в Испании — с XV по XVII вв.
Италия, игравшая роль посредницы в торговле между Востоком и Западом, в XV в. стала самой богатой страной Европы. Венеция, Генуя, Флоренция и другие итальянские города начали богатеть еще во времена крестовых походов.
Огромными средствами обладало семейство крупнейших флорентийских банкиров Медичи. В их руках была сосредоточена власть, и чтоб упрочить ее, Медичи создают свой двор, с которым по роскоши не могли соперничать даже королевские дворы Европы. Медичи сумели прославиться, привлекая к своему двору гениальных художников и музыкантов, знаменитых философов. Феодальная аристократия европейских стран интересовалась всем, что происходило во Флоренции при дворе Медичи, и многому подражала, в том числе и итальянскому костюму.
В XV в. главной законодательницей итальянской моды была Флоренция. В XVI в. она уступила место Венеции.
Хотя на итальянский костюм оказывала влияние французская готическая мода, в нем не было вычурности и экстравагантности. В силуэте костюма основными становятся не вертикальные линии, а горизонтальные; исчезают слишком длинные шлейфы и острые длинные носы обуви, свисающие рукава, глубокие декольте, высокие головные уборы. Детали костюма не удлиняют фигуру.
В итальянских одеждах этого периода заметны черты античности: простота и мягкая плавность, свободно падающие складки, нормальные «человеческие» пропорции.
Модные итальянские одежды изготовлялись из дорогих тканей: бархата, шелка, парчи с серебряными и золотыми нитями, украшенных вышитыми или вытканными цветочными орнаментами. Особенно славилась венецианская парча с декоративным рисунком. Королевские дворы Европы покупали ее за большие деньги для торжественных одежд. Самыми модными цветами тканей считались зеленый, изумрудно-зеленый и винно-красный.
В костюме эпохи Возрождения не было строгих сословных ограничений, он выражал скорее имущественное положение человека.
В XVI в. итальянский костюм изменился, исчезла его жизнерадостность, светлые или яркие тона сменились более темными, а затем и черными. Костюм как бы повзрослел, отражая новый идеал времени — зрелость и опыт. Это обусловили исторические события: не утихающая вражда между различными социальными слоями, борьба между городами, агрессия соседних государств. Окончательный крах Италия потерпела, когда в 1529 г. ее захватила Испания.
С этого времени итальянский костюм и внешний облик итальянцев подвергся сильному испанскому влиянию. Итальянская культура продолжает развиваться лишь в северных областях Италии, и особенно в Венеции, сохранивших самостоятельность.
Мужской костюм
Нижней одеждой итальянцев была рубашка — «камичи», узкие штаны-трико «кальцони», которые шились точно по ногe и привязывались тесемками к «соттовесте» — узкой куртке без рукавов или с рукавами.
На рукавах куртки, которую молодые итальянцы носили поверх рубашки, на месте сгиба делались разрезы. Они могли иметь форму овала, квадрата, морской звезды и др. Сквозь них виднелась роскошная нижняя рубашка из тонкой белой ткани. Рукава куртки могли быть съемными и прикрепляться с помощью шнурков. Таким образом с одной и той же курткой можно было носить разные рукава. Куртка украшалась вышивкой или меховой опушкой.
Узкие куртки имели также разрезы на боках и шнуровку на груди. Из-под глубокого выреза ворота проглядывала рубашка. Существовали и куртки со стоячим воротником, который застегивался сзади.
Мужская одежда была однотонной, но яркой. Под влиянием французской моды появились и двухцветные одежды ми-парти.
Верхней мужской одеждой служил плащ, который пристегивался к плечам куртки. Во время праздников и торжественных событий молодые итальянцы надевали «джорне». Лиф джорне красиво облегал фигуру, талию перетягивали поясом, а откидные рукава, заложеные складками по пройме или выкроенные в форме круга, ниспадали. Роскошные джорно шили из дорогих бархатных и парчовых тканей, низ рукавов отделывался мехом, рядами экревиссов, украшался бубенчиками, перьями. Такой костюм выглядел чрезвычайно эффектно.
Пожилые люди носили свободные кафтаны длиной до колен или до лодыжек, с длинными колоколообразными рукавами и глубоким квадратным вырезом — «каре». Из-за каре кафтаны носили с нагрудниками из очень тонкой белой ткани.
Длинными были костюмы для торжественных случаев, а также одежды ученых, должностных лиц, духовенства, монахов.
Простые люди носили короткую одежду.
В XVI в. мужской костюм изменился: он по-прежнему наряден, но все же становится строже по форме и цвету. Основные виды мужской одежды этого периода — кафтан с квадратным вырезом, который назывался «королевским зеркалом», и распашной кафтан с воротником-стойкой. Из-под выреза «королевского зеркала» виднелась украшенная богатой вышивкой белая рубашка. У модных рубашек ткань вокруг шеи стягивалась шнуром, образуя множество мелких складочек, а край ворота украшался вышивкой. Верхнюю часть рукавов кафтана выкраивали в виде буфа, но рукава могли быть и прямыми, с «крылышками» у плеч. Кафтаны шились из ткани глубоких, темных цветов и украшались золотой вышивкой.
Верхней мужской одеждой XVI в. был «джуббоне» (он соответствовал французскому пурпуэну). Вначале пышный и длинный, позже он стал гораздо уже. Венецианский джуббоне закрывал бедра.
Украшали джуббоне пышные рукава и очень большой шалевый, иногда меховой воротник.
Венецианские одежды по-прежнему оставались светлыми и яркими: голубыми, гранатово-красными, зелеными, золотистыми, синими, белыми. На плечи венецианцы накидывали короткий плащ, который мог быть с рукавами или без них.
В XVI в. мужской костюм украшается разрезами самой разной формы, обшитыми по краям кантом или цветными нитками. Сквозь них просвечивала подкладка другого цвета.
Народная итальянская одежда на протяжении XIV-XVI вв. изменялась медленно, но и она следовала за сравнительно функциональными формами модного костюма.
Мужчины носили чулки и штаны до колен.
Принадлежностью дворянского костюма была шпага, которую носили у левого бедра на поясной портупее. Справа к поясу на цепочке прикреплялся кинжал. Плоский кинжал — «стилет» носили за пазухой. Костюм дополнялся подвесным кошельком, перчатками, золотой цепью.
Женский костюм
Женский итальянский костюм эпохи Возрождения был еще богаче и разнообразней мужского.
Согласно флорентийской моде, в XV в. идеалом красоты являлась стройная женщина с утонченными чертами лица, высоким округлым лбом и длинной шеей. Одежда была свободная, мягко ниспадала, подчеркивая формы тела.
В XV в. итальянки носили платье — «гамурра». Нижнего белья в это время как такового не было. Дамы носили одновременно два верхних платья из дорогих парчовых и бархатных тканей. Они были отрезными по талии, с узким лифом и длинной, в складку или сборку юбкой. Декольте на груди делали квадратное, а на спине треугольное (что зрительно удлиняло шею). Часто лиф впереди был разрезным, со шнуровкой.
Рукава платья были прямыми, немного расширявшимися к плечу. У одного и того же платья рукава могли меняться: их меняли, пристегивая к лифу или приметывая к пройме. Узкие рукава разрезались вдоль и скреплялись шнуровкой или пуговицами. Разрезались рукава и поперек, при этом их половины у локтя соединялись лентами и шнурами. Важным новшеством в женском костюме стало то, что рукава доходили только до кистей рук, оставляя их открытыми (согласно средневековому этикету, кисти рук должны были быть скрыты).
Платья молодых девушек шились из более легких тканей, их часто подпоясывали на античный манер под грудью. Сверху набрасывали легкие дорогие накидки или прикрепляли к платью собранную в мелкую складку ткань, которая слегка волочилась по полу.
Верхней женской одеждой по-прежнему оставался длинный, яркого цвета плащ. Иногда с прорезями для рук.
Женский костюм дополнялся подвесными кошельками, перчатками и богато вышитыми носовыми платками, которые в это время стали входить в моду.
В XVI в. впервые появляется нижнее женское белье и чулки. Самыми модными считались флорентийские чулки, сшитые из белоснежной ткани.
В это же время (в конце XVI в.) появились и первые кружева. Их не вязали, а шили иглой. Это была очень трудоемкая работа, и стоили они баснословно дорого. Особенно славились венецианские кружева — рельефные, плотные, с четким геометрическим рисунком. Секрет их производства тщательно скрывался.
В начале XVI в. женский костюм еще мягкий, пластичный и легкий, постепенно утяжеляется, становясь более пышным и декоративным. Появилось глубокое декольте, прикрытое вставкой. Широкая юбка из тяжелой дорогой ткани собиралась в мягкие складки. Рукава нижнего платья были длинные и узкие, а верхнего — короткие, в виде буфов. Пышные широкие рукава собирались в складки, украшались разрезами, сквозь которые виднелась ткань белой рубашки.
В моду вошли черные полумаски, которые женщины надевали при выходе на улицу — отчасти, чтобы не быть узнанными. Это была привилегия дворянства.
Обязательной принадлежностью костюма знатной дамы стали перчатки и носовые платки. Перчатки шили из ткани, украшали вышивкой, драгоценными камнями. Носовые платки тоже были очень красивыми, с вышивкой и кружевами. К поясу итальянские дамы подвешивали небольшие сумочки для ключей и денег. Костюм дополнял веер — вначале это был прямоугольный проволочный каркас, обтянутый шелковой тканью, а во второй половине XVI в. появились складные веера. Вместо веера дама могла использовать опахало или пучок страусовых перьев.
Зимой итальянки грели руки в муфтах, которые шились из шелка и оторачивались мехом.
Венецианский женский костюм XV в. отличался маленьким лифом с глубоким декольте и высокой талией. На рукавах платья красовались фигурные разрезы. В XVI в. женская одежда также приобрела пышность и декоративность. Несмотря на влияние испанской моды (и испанский, и венецианский женские костюмы делались на каркасе), венецианский все же был гораздо свободней и женственней испанского с его строгим графическим силуэтом.
В гардеробе венецианок была верхняя распашная одежда «симара» (в Европе она известна как «марлотт»). Симара состояла из трех частей: длинной складчатой спинки, переходившей в шлейф, и двух более коротких полочек. По бокам симара сшивалась не полностью или могла подвязываться поясом. У нее был стоячий веерообразный воротник.
Женский народный костюм сохранил традиции костюма эпохи Возрождения и в более поздние времена. Типичной крестьянской женской одеждой была рубашка, отрезной лиф, который надевался поверх нее, и широкая недлинная юбка.
Итальянский костюм эпохи Возрождения
К эпохе Возрождения относится расцвет итальянских городов-портов Генуи и Венеции, разбогатевших во времена крестовых походов, Флоренции и Милана — крупных центров производства шелка. Испытывая до сих пор значительное культурное влияние Франции, Византии, стран Востока, Италия с XV в. сама становится законодателем моды среди европейских стран.
В создании итальянской моды принимали участие крупнейшие художники, которые расписывали ткани, создавали ювелирные украшения, узоры для кружев (Бенвенуто Челлини, Чезаре Веччелио и др.).
Широкий, приземистый силуэт костюма, стремление к большим объемам, устойчивые пропорции обнаруживают связь с горизонтальными ” линиями архитектуры и прикладного искусства эпохи, помогают воссоздать эстетический идеал красоты человека.
Мужской костюм
Главной законодательницей моды в XV в. была Флоренция, в XVI в. — Венеция. В костюме флорентийца XV в. сохраняется прилегающий силуэт французской готики. Однако одежда не имела утрированных форм, отличалась удобством и художественным вкусом. Обувь имела округлую носочную часть. Основными видами мужской одежды были: полотняная рубашка различных цветов; узкий, облегающий фигуру жилет с небольшим стоячим воротником и прикрепляемыми различными способами (шнуровкой, пришиванием) съемными рукавами; короткие полотняные нижние штаны по типу средневековых французских и узкие верхние штаны-чулки, которые прикреплялись тесьмой к жилету (рис. 70). Верхней одеждой служил короткий плащ, выкроенный по форме круга, или накладная широкая и короткая одежда с длинными широкими колоколообразными рукавами, отделанными мехом куницы — догалйне (рис. 71). Длина одежды определялась возрастом и общественным положением флорентийца. «Верхняя одежда пожилого горожанина, даже если он не занимал никакой выборной должности, была обязательно длинной, широкой и придавала его внешности отпечаток степенности и важности».
В флорентийском мужском костюме XV в. применялись яркие цвета, контрастные сочетания, вышивка, меховая опушка, обилие драпировки, которая придавала одежде большую пластичность. Характерным был также глубокий квадратный вырез горловины, который отделывали нагрудными вставками из тонкой белой ткани, украшенной вышивкой. Преобладающими в композиции костюма были горизонтальные линии, которые придавали фигуре зрительную устойчивость, а в сочетании с живописными драпировками — величественную простоту. Особенно возросло их значение в одежде Венеции XVI в.
После завоевания Флоренции Испанией итальянская мода испытывает влияние испанцев. Только Венеция, сохранившая свою независимость, продолжает диктовать свой вкус и формы в одежде.
В мужском костюме Венеции значительно реже прибегают к пестрым и ярким тканям, украшениям драгоценностями. Темные бархатные одежды расширяются в объеме за счет конструктивно-декоративного решения: спущенного плеча, низкой глубокой проймы, широкого, книзу суженного рукава, широкой сборчатой или буфированной баски, отрезной по талии. Искусная вышивка или отделка дорогим мехом особенно отчетливо выделяется на темном фоне бархата (рис. 72). Одежда этого периода отличается большим разнообразием, обусловливающимся возрастными, сословными и имущественными признаками. Но большие объемы, пышные формы, применение тяжелых богатых тканей, выразительной отделки являются общей чертой костюма XVI в.
В этот период в итальянском костюме, как в мужском, так и в женском, появляется рубашка из тонкого белого льняного полотна, которая служит бельем и в то же время является частью декоративного решения костюма: в вырезе горловины, в прорезах рукавов на плече и локте, в застежке-шнуровке верхней одежды ее белый цвет и многочисленные мягкие сборки создают яркое контрастное сочетание с верхней одеждой. По горловине такая рубашка обычно имела вздержку или рюш. Во второй половине XVI в. на одежде появляются продолговатые декоративные разрезы, расположенные по всей поверхности ткани. Разрезы отделывают цветной тканью или обшивают через край цветной нитью.
Вначале сквозь них просвечивает белая рубашка, затем их начинают закреплять подкладкой другого цвета, что создает совершенно новую, живописную фактуру костюма в новой цветовой гамме. Колористическое решение костюма, пышность его форм (буфированные рукава и баски, широкие, типа шали, отложные бархатные или меховые воротники), общее увеличение объема, игра светотени в складках, ювелирные украшения — цепи, перстни — все это придает большую художественную выразительность фигуре итальянца конца XV — начала XVI в. Культ роскоши, богатство и великолепие становятся характерной чертой Венеции этого периода.
Мужской костюм дополняла удобная мягкая кожаная обувь с широкими носами («медвежья лапа») на левую и правую ногу отдельно. Головные уборы были очень разнообразной формы: низкие шляпы, береты, фески. К этому же времени относится появление первой вязальной машины и ее продукции — трикотажных шелковых чулок.
Женский костюм
Флорентийская женская одежда XV в. имела мягкие, подчеркивающие фигуру линии, естественные пропорции или некоторое повышение линии талии спереди, что сохраняло средневековые традиции.
Итальянки носили нижнее платье котт и верхнее — симару. По покрою котт — обычно отрезное в талии с прилегающим лифом и широкой, заложенной крупными складками юбкой. Лиф имел декольте — спереди квадратное, сзади удлиненное. Рукава, так же как и в мужской одежде, присоединялись к платью различными способами (рис. 73). Симара состояла из трех частей: удлиненной свободной спинки, заложенной от горловины спинки складками, и более коротких полочек. По бокам симара не сшивалась и только спереди придерживалась поясом на талии. Такой покрой позволял драпировать симару в различных вариантах (рис. 74).
В костюме венецианок XVI в. намечается определенный отход от ясности композиции и строгой красоты линий флорентийского платья, стремление к роскоши, пышности форм, что находится в непосредственной связи с эстетическим идеалом красоты того времени. Величавую пышность и округлость форм подчеркивают широким вырезом облегающего лифа, широкими сборчатыми рукавами, объемной юбкой. Силуэт фигуры приближается к прямоугольнику, в котором отношение ширины плеч к ширине юбки близко к единице. Линия талии подчеркивается на естественном уровне (рис. 75, слева).
В верхнем платье появляются короткие и широкие рукава — буфы, из-под которых виднеются буфированные длинные рукава нижней одежды. Форма платья также становится прилегающей, с отрезной линией талии и тяжелой складчатой юбкой из бархата или парчи. Большое распространение получает иссеченная ткань, сквозь которую просвечивают белоснежные тонкие сборчатые рубашки. Сочетание красных, зеленых, синих тяжелых шелков с золотом парчи и белизной рубашки создает прекрасное живописное решение итальянского национального костюма этого времени. Пышный, живописный туалет венецианки завершался вычурной обувью на очень высокой (до 55 см) деревянной подставке цокколи („коровьи копытца”). Деревянные подошвы и верх туфель обтягивались сафьяном, шелком или расшитым бархатом (рис. 75, справа). Головные уборы итальянок — чепцы, мягкие шляпы, тюрбаны. Прически — гладкие, низкие, украшенные жемчугом, вуалями, лентами, цветами.
В качестве отделки применяли кружево, которым украшали воротник, перчатки, пояс, чулки. Появляется новый вид дополнения к одежде — шелковая муфта на меху, украшенная лентами, кистями, различными безделушками.
maroona_art
maroona_art - Add to friends
- RSS
maroona_art
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем, 1485-1490.
Раннее Возрождение 1420-1500 гг.
Человек эпохи Возрождения трактуется как индивидуум, способный к безграничному прогрессу и всестороннему развитию. Идея единства духа и тела выступает против аскетизма средневековой морали, противопоставляющей их друг другу. Идеалом эпохи является сложная натура человека, в которой гармонически сочетаются глубокая духовная красота и физическое совершенство. Человеческое тело является предметом гордости и любования.
Карло Кривелли. Алтарный полиптих церкви Сан-Франческо: св. Екатерина Александрийская. Фрагмент. Около 1470 г., Италия.
Стиль Ренессанс зародился в Италии. Различия в одежде присутствовали в разделенной на отдельные княжества и свободные города Италии. Весь народ в целом отличался высоко развитым художественным вкусом, но отдельные местности и сообщества позволяли себе пестроту и ассиметрию, причудливые убранства верхних одежд, грандиозные шляпы. Законодательницей моды в XV в. была Флоренция, в первой половине XVI в. – Венеция.
В целом костюм эпохи был более демократичным, чем средневековый и не имел признаков сословной принадлежности. Мода выражала не сословное, а имущественное положение человека.
На смену заостренным вертикальным готическим формам приходят горизонтальные линии деления одежды, естественные соотношения, простые формы, разнообразие цветовой палитры. Костюм стремится к широкому горизонтальному силуэту и большим объемам. Верхняя и нижняя одежда становится широкой, появляются разрезы, дающие возможность свободно двигаться, расширяются плечи и торс.
Красивой считалась женщина, обладавшая большим и «прочным» телом, белой «атласной» кожей розоватого оттенка и имевшая яркие красные губы – признак здоровья и хорошего кровообращения. Картину дополняли красивая, плавно поднимающаяся грудь и мягкие шелковистые волосы золотистого или медного оттенка. Округлые мягкие линии тела гармонично сочетались с одеждой естественных пропорций и форм.
В эпоху раннего Ренессанса женский костюм отличается грациозностью, простотой формы, чистотой линий и силуэта, подчеркивает мягкую женственность. От котт (верхнее платье в эпоху средневековья) в этих костюмах видны только узкие длинные рукава. Очень короткий лиф плотно облегает фигуру, и юбка падает глубокими складками до земли. Сверху надевалась симара. Симара являлась своеобразным плащом, в который итальянка XV века имела возможность свободно драпироваться по своему вкусу и настроению.
Пьеро делла Франческа. Царица Савская поклоняется Священному Древу.
Лишь постепенно начинает появляться стремление к роскоши в женском костюме, и особенно характерным это будет для XVI века. В XV в. в костюме предпочитали ясность композиции, красоту линий и стремились избегать всякой перегрузки в отделке.
Одним из главных признаков женской красоты считались волосы, заботам о которых женщины посвящали много времени. Девушки могли ходить с волосами, распущенным по плечам, а женщины, изящно скручивая волосы с нитями жемчуга, прикрывали их сетками, чепчиками и легкими шарфами, убирая волосы с затылка и лба, так как длинная шея и высокий лоб считались признаком красоты. Для этого сбривали волосы со лба, а иногда и брови.
Алессо Бальдовинетти. Портрет дамы в желтом. Около 1470 г., Италия.
Пьеро делла Франческа. Портрет Баттисты Сфорца. 1472 г., Италия.
Сандро Ботичелли. Портрет Симонеты Виспуччи. Около 1476-1480 гг., Италия. Сложная прическа с украшением жемчугом и лентами. Складки нижнего белого платья выступают в разрезах проймы.
Леонардо да Винчи. Портрет дамы (Джиневра Бенчи). 1474-1476, Италия
Леонардо да Винчи. Портрет Беатриче д’Эсте, 1490-е
Рукава в XIV-XVI вв. представляют собой самостоятельную деталь костюма, пристегивающуюся к корсажу различными способами. Это единственная деталь костюма, которая в полной мере демонстрирует сословные различия. Рукав разрезается по линиям наибольшего напряжения и скрепляется шнурками или лентами.
Доменико Гирландайо. Портрет Джованны Торнабуони. 1488 г., Италия.
В крупных городах – Генуе, Флоренции, Милане и Венеции – развиваются шелковое ткачество и искусство изготовления набивных тканей. Излюбленным ткацким узором становится появившийся в XV в. символ цветка граната во множестве вариаций.
Орнаменты тканей состоят из стилизованных растительных изображений, популярны ананас, виноградная лоза, акант, вытканные на фоне растительных завитков.
В моде рисунок павлиньих перьев, цветков и плодов граната. Изображаются фигуры животных и птиц, гондолы и вазы. В цветовой гамме преобладают яркость и насыщенность, цветовые контрасты на основе красного, сине-голубого, изумрудно-зеленого и золотистого цветов. Сочетания ярких цветов создают сочную, жизнерадостную гамму.
Коричневый, фиолетовый и темно-малиновый цвета считаются траурными.
Белые ткани всегда были дорогими и престижными, поэтому нежнейшее белье выглядывало из выреза лифа, проглядывало сквозь модные щели-прорези в одежде и вытягивалось пышной «пеной» в промежутках между рукавом и проймой.
Высокое Возрождение. 1500-1550 гг.
Быт итальянцев в XVI веке значительно усложняется, возникает стремление к комфорту, появляются первые навыки личной гигиены, заботы об общественных и домашних удобствах.
В моде XVI в. тяжелые мягкие ткани, широкие ниспадающие рукава и величественные шлейфы. Широкие юбки, массивные корсажи, раздутые рукава и широкие декольте придают облику достоинство и значительность.
Рафаэль Санти. Портрет Иоанны Арагонской, 1518 г., Италия. Платье из красного бархата, разрезы пышных рукавов скреплены золотыми пуговицами. Бархатный берет украшен драгоценными камнями.
Лоренцо Лотто. Мистическое обручение свято Екатерины, 1523, Италия.
Лоренцо Лотто. Портрет венецианки в одеянии Лукреции. 1533 г., Италия. Узкий лиф платья со шнуровкой, разрезы рукавов украшены мехом.
Рафаэль Санти. Дама в покрывале. 1516 г.
Высвобождается горизонтальная линия силуэта. Акцент делается на свисающие и волочащиеся элементы, которые формируют медлительные и спокойные движения.
Силуэт стремится к прямоугольному, ширина плеч практически равна ширине юбки, сохраняется естественный уровень линии талии. Платье четко делится на юбку со складками в верхней части и лиф с застежкой спереди. Широкие пышные рукава часто являются самостоятельной съемной деталью, из-под которой видны кружевные оборки нижней рубашки. Рукава больше не скрывают кисти рук, как это было принято в готический период. Костюм дополняется просторным длинным плащом или накидкой, волочащейся по земле.
Костюм этого времени отличался некоторой пестротой – лиф, юбка и рукава часто бывали разных цветов, но их распределение в одежде использовалось как средство для создания определенного линейного рисунка, необходимого для того или иного зрительного впечатления (темная полоса по краю декольте и на плечах расширяла плечи и т.д.).
Рафаэль Санти. Дева с единорогом. 1505-1506 гг.
Женщины-аристократки отдавали много времени костюму и косметике: массажу, втиранию разнообразных благовоний, окраске волос, тщательной и детальной раскраске лица. Увлечение парфюмерией было настолько велико, что во время празднеств натирали благовониями и обливали духами даже мулов.
Большим достоинством женского костюма была обобщенность его форм, большая их четкость при сохранении мягкости и живописности.
Склонность к крупным формам в костюме стоит в прямой связи с культом цветущей земной женской красоты. И костюм еще больше подчеркивает материальную сущность этой красоты. Комбинация лифа из двух частей, широкая юбка, рукав с пышным буфом вверху – все зрительно расширяло фигуру.
Паоло Веронезе. Роспись плафона, фрагмент. 1559-1562
Весомость облику придавали и сами ткани, из которых делали одежду. Плотные и тяжелые, они то играли блеском атласной поверхности сочных красных, зеленых, синих тонов, то мерцали глубиной переливов бархата. В сочетании с нежной белизной рубашки они особенно подчеркивали женственность.
Тициан Вечеллио. Портрет дочери Лавинии.
Тициан Вечеллио. Портрет Элеоноры Гонзага.
Леонардо да Винчи. Портрет молодой женщины. 1490-1496 гг.
В конце 40-х годов, когда в Венецию стали проникать испанские влияния и она невольно подчинилась сложному процессу возникновения и распространения вкусов, сложившихся в Европе, изменяются силуэт и пропорции женского костюма. Новый силуэт в основных чертах сходен с испанским, но объемное решение одежды венецианцы дают иное, соответствующее их традиционному представлению о женском облике.
В изящном женском костюме – отчетливые испанские мотивы. Лиф узкий и напоминает панцирь, рукава имеют буфы лишь сверху, а в нижней части они сильно сужены. В моде квадратные вырезы лифа, закрытые сеткой.
Ювелирные украшения имели крупную сочную форму, и драгоценные камни играли в них роль красочного пятна. Особенной любовью пользовался жемчуг.
Литература:
1. М.Н.Мерцалова «История костюма», «Искусство», 1972 г.
2. Р.В.Захаржевская «История костюма», РИПОЛ классик, 2009 г.
3. Э.Б.Плаксина-Фрелинская, Л.А.Михайловская, В.П.Попов «История костюма. Стили и направления», Академия, 2010 г.
4. Блохина И.В. «Всемирная история костюма, моды и стиля», Харвест, 2007 г.
Тема: Итальянский костюм эпохи Возрождения XV – XVI вв
По предмету: История стилей в костюме
Лекция
Стиль ренессанс зародился в Италии. Сама эпоха с ее гуманистической направленностью, с «воспоминаниями» об античности, со стремлением ко всему возвышенному, идеальному и одновременно земному, реальному, естественному диктовала новые правила красоты в манере одеваться – умеренность, гармоничность, естественность форм, линий, пропорций. Законодательницей моды в XV в. Была Флоренция, в первой половине XVI в. – Венеция. Позже итальянская мода стала испытывать влияние моды Испании и Франции.
Идеал красоты. Эстетика эпохи Возрождения отвергала аскетизм и надуманность форм и пропорций Средневековья, предлагая гармонию духовной и физической красоты и естественность. Красивой считалась женщина, обладавшая большим и «прочным» телом, белой «атласной» кожей розоватого оттенка и имевшая яркие красные губы – признак здоровья и хорошего кровообращения. Картину дополняли красивая, плавно поднимающаяся грудь и мягкие шелковистые волосы золотистого или медного оттенка (образы с картин Боттичелли, Тициана, Рафаэля, Веронезе). Округлые мягкие линии тела гармонично сочетались с одеждой естественных пропорций и форм.
Красивым считался мужчина крепкий, сильный, с глубоким внутренним содержанием и значительностью в манерах и поступках (образ герцога Гонзаго в работах А. Мантеньи и др.).
Виды и формы одежды. Текстиль. Итальянцы носили одежду всех видов: накладную, распашную, драпирующуюся. В это время появились белье, в том числе чулки, а также перчатки и носовые платки.
В экономически развитой Италии вырабатывали различные виды модного текстиля. В Генуе, Милане, во Флоренции, в Венеции, Неаполе и Риме было развито шелковое ткачество, а также производство набивных тканей, узоры которых довольно часто являлись копией узоров с дорогих шелков. Набойки часто выполняли на тафте.
Продолжается производство тонкого высококачественного сукна и белого тончайшего льна, идущего на изготовление, роскошного белья, которому стало придаваться большое значение. Белые ткани всегда были дорогими и престижными, поэтому нежнейшее белье выглядывало из выреза лифа, проглядывало сквозь модные щели-прорези в одежде и вытягивалось пышной «пеной» в промежутках между рукавом и проймой. Ассортимент шелковых тканей был разнообразен: парча с золотым или серебряным фоном, покрытым узорами из бархата или шелка; алтабас – цельнозолотная или цельносеребряная ткань, на которой контуры узора подчеркивались атласным или бархатным кантам; аксамит, на золотом или серебряном фоне которого ткался сложный, рельефный, петельчатый, с разновысоким уровнем петель узор, эффектно «игравший» светотеневыми бликами, и другие ткани. Роскошные растительные узоры, фигуры животных и птиц, «павлинье око», гранат, лоза – все это в изысканном, вычурном плетении орнамента еще более обогащало и без того роскошные ткани.
Модiiыми были цвета: холодные оттенки красного, синего, зеленого, бледный пурпур, золотисто-охристый, золотой и серебряный, винно-красный, изумрудный.
Из Германии и Нидерландов в Италию привозили узорчатый, вышитый и тисненный бархат. Вышивка по бархату или тяжелому шелкув сочетании с отделкой жемчугом или драгоценными камнями делала одежду, роскошной, но очень тяжелой. Масса костюма достигала 20-40 кг, а масса одного метра текстиля – 3 кг.
С конца XV в. в Италии начали производить кружева. Венецианские кружева сначала были шитые из хлопка (белые и кремовые), а затем плетеные (черные, золотые, серебряные) со сложными узорами. Издавались даже каталоги с рисунками узоров для кружев. В XVI в. кружевами стали отделывать края носовых платков, появившихся в обиходе, а также низ рукавов сорочек. Появился гипюр. Набойку на текстиле часто выполняли в виде кружева.
Мужская одежда. В XV в., как и в эпоху готики, мужской костюм состоял из нижней и верхней одежды. К нижней относились сорочка, штаны-чулки и плчевая одежды с рукавами или без них типа средневекового жипона. К нижней плечевой одежде крепились штаны-чулки.
Наиболее распространенной верхней одеждой бьшо джорне – разновидность укороченного до колена европейского упелянда различной формы, но откидными рукавами. Рукава были различной ширины, формы и отделывались разными способами, в том числе экривиссами, мехом и др. Джорне опоясывалось по талии. Вертикальные складки, заложенные по всей высоте лифа, от талии расходились вниз веерообразно. Знатная молодежь наряду с джорне носила претину – одежду типа нарамника, иногда скрепленную в боках. Ее надевали поверх плечевой одежды с рукавами. Выходя на улицу, мужчины всех возрастов надевали широкие плащи разной длины, причем молодежь предпочитала короткие плащи. Верхней одеждой считались также симара и табар. Довольно часто боковые части табара набрасывались на плечи. При этом освобождались руки. Драпированные таким образом табары красиво выглядели на высоких крепких мужчинах.
Мода ХV в. несла в себе некоторые черты готики. Как и в предыдущую эпоху, молодежь предпочитала укороченные варианты костюма, а степенные граждане – длинные одежды, наиболее подходящие к их осанке, возрасту, манерам, например соправесте накладные или распашные.
Чулки – штаны теперь имели гульфик, прикреплявшийся с помощью пуговиц или шнуровки. В манере ношения чулок-штанов видны отголоски моды «мипарти». Мужчины стали носить удобную широкую обувь «медвежья лапа».
В ХV в. появилась джуббоне – верхняя одежда типа куртки, напоминающая средневековый жакет, или пурпуэн. Сначала джуббоне была широкой, большого объема, довольно часто с квадратным вырезом на груди, из-под которого выглядывала сорочка (влияние германской моды). Затем под воздействием испанского костюма она стала напоминать испанский хубон.
Общеевропейское название курток джуббоне и хубона – колет. Свое название колет получил от воротника-стойки (соl – по-французски).
Во второй половине XVI в. мужская одежда подверглась сильному влиянию испанской моды как в силуэте, так и в цветовом решении. Костюм теперь приобрел каркас, которому придавали определенную форму, подбивая отдельные части ватой, конским волосом и др. Одежда аристократов Флоренции XVI в. отвечала требованиям испанской моды. Носил ее и Франческо Медичи, отец будущей королевы Франции Марии Медичи.
Венецианский мужской костюм отличался от флорентийского гораздо большими объемами. Он испытал значительно меньше влияние испанской моды, чем флорентийский, особенно в цветовом решении. Во второй половине ХV в. в венецианском костюме появились разрезы, отделанные кантом по краям и с подкладкой другого цвета. Обилие разрезов придавало костюму особую нарядность.
Женская одежда. Женская одежда в XV в. имела мягкие, округлые формы, подчеркивающие естественные пропорции женского тела, со слегка выcтупающим вперед животом (отголоски готики), что достигалось несколько завышенной линией талии.
Женщины носили котт – платье, отрезное по линии завышенной спереди талии, с облегающим лифом, имевшим квадратное спереди и округлое сзади декольте, с широкой, заложенной мягкими складками юбкой. Котт богатых женщин – платье из бархата или парчи. Его узкие длинные рукава прикреплялись в нескольких точках к пройме, а в промежутки вытягивалась тонкая ткань нижнего белья. Поверх котт надевалась симара. Спинка женской симары, заложенная от горловины складками, была длиннее переда и напоминала шлейф. Имеющий пояс перед состоял из одного или двух полотнищ. Довольно часто симара не сшивалась по бокам, что позволяло дpaпировать ее разными способами. Это была очень красивая, изысканная, элегантная одежда. «Летящая» в виде шлейфа спинка, особенно при быстрой ходьбе, делала флорентийку нежной, легкой, хрупкой. Если женщина стояла или двигалась медленно, то симара придавала ей величавость, женственность, значительность.
Во второй половине XV в. в женском костюме появляются разрезы, в основном на рукаве, локте, предплечье, в пройме. Иногда рукав былразрезан по вертикали полностью и скреплен в четырех и более точках по всей длине разреза. Сквозь овальные вырезы такого рукава была видна ткань белья. Позже в эти места стали подкладывать декоративную ткань другого цвета.
В XV в. рукава стали короче и уже не закрывали кисти рук, как в эпоху готики.
Венеция всегда конкурировала с Флоренцией, в том числе и в искусстве одеваться. Имевшая тесные связи с Византией, Венеция ‘несла в своей одежде черты восточной пышности: тюрбаны, чалмы, фески, напоминающие турецкие, тяжелые шелка, перья птиц. В одежде венецианок наблюдались особые пышность и объемность, часто за счет больших наплечных валиков. Нередко на нижнее платье котт с узкими длинными рукавами надевали верхнее, более объемное, с короткими широкими в виде буфов рукавами до локтя, из-под которых выглядывали длинные, иногда присборенные поперечными складочками рукава нижнего платья котт.
Из-за дороговизны одежды иногда на платье съемные рукава заменяли другими, даже другого цвета.
Венецианские куртизанки носили длинное пышное платье котт и прическу «серп Венеры» или с «рожками», очень высокие цокколи, штаны под колено.
В ХVI в. итальянки начали носить на улице полумаски и маски. Возможно, это вошло в моду из-за множества карнавалов, празднеств, гуляний, фейерверков, где хотелось присутствовать инкогнито. Маска способствовала также сохранению белизны кожи лица.
Во второй половине XVI в. итальянская мода подверглась сильному влиянию испанской моды как в силуэтах, так и в цветовом решении одежды.
Обувь. Венецианская мода ввела в обиход цоколи(«коровьи копытца»), очень высокую обувь на платформе, напоминавшую котурны древнегреческих актеров. Это было необходимо, чтобы вытянуть по вертикали фигуру в одеждах больших объемов. Многие модницы из желания казаться выше носили туфли на такой высокой толстой подошве, что не могли передвигаться без поддержки (толщина подошвы могла доходить до 30 см).
В эпоху Возрождения обувь постепенно приобрела естественные формы, стала удобной, повторяла форму ноги.
Головные уборы, прически, украшения, косметика. В эпоху Возрождения женщины перестали скрывать волосы, поэтому роль головных уборов изменилась: они стали дополнять не только костюм, но и прическу.
Мужчины носили шапочки типа фески, шляпы типа берета из бархата, велюра, парчи, фетра, войлока, плоские маленькие шапочки, как у герцога Гонзаго, мягкие шапероны, тюрбаны и чалмы с брошами и перьями экзотических птиц.
У горожан оставались популярными старомодные капюшоны и колпаки из фетра и войлока, пришедшие из Средневековья.
Прически мужчин делались из полудлинных и завитых волос – «пейзанская» стрижка, «колба» и др. Короткие прически также были популярны.
Со второй половины XVI в. появились высокие гофрированные воротники, из-за чего прически укоротились. Особенно характерно это было для Испании и Франции.
Прически итальянок поражали многообразием и изысканностью. Это различные комбинации из прядей волос, как в прическе Венеры на картине Боттичелли, различные пучки, узлы на затылке в сочетании с локонами у щек. Очень популярна была «флорентийская коса». Модны также сложные комбинации из кос различного плетения в сочетании с перевитыми жемчугом прядями. Часто рядом с нитями жемчуга в прическе закрепляли крупвые жемчужины.
Итальянки любили носить сеточку эскафьон из серебряных или золотых нитей, унизанных жемчугом, которую, как и ленту во «флорентийской косе», «прижимали» к голове ферроньеркой – налобным украшением. Однако ферроньерку носили и без этих дополнений. Поражает популярность жемчуга в украшении причесок.
Прически куртизанок – это поднятые вверх волосы, уложенные на темени двумя баранками в сочетании с локонами в виде «рамки», обрамляющими щеки и лоб. Венецианские куртизанки, как уже было сказано выше, носили прическу «серп Венеры».
Очень модны были вуали, сеточки, драпировки из тончайшего шелка. В качестве головных уборов итальянки предпочитали фески, тюрбаны, шляпы с высокой тульей.
Перчатки тоже считались необходимым условием приличия. Их шили из ткани, украшали вышивками и драгоценными камнями. Носовые платки тоже украшали вышивкой и кружевами.
Деньги итальянские дамы хранили в небольших сумочках из дорогой ткани, подвешенных к поясу. Веера имели вид прямоугольного флажка и представляли собой проволочный каркас, обтянутый шелковой тканью. Со второй половины XVI в. появляются складные веера, а иногда вместо веера дамы держали в руках пучок страусиных перьев.
Украшения выполнялись искусными ювелирами по эскизам известных художников; одним из них был Бенвенуто Челлини. Популярными были шпильки, гребни, броши, кольца, цепочки, блестки, ферроньерки.
Косметикой увлекались все знатные итальянки. Лица белили, щеки румянили, а губы красили краской. Куртизанкам было запрещено пользоваться косметикой. Красивым считался высокий чистый лоб, поэтому волосы в верхней части лба удаляли, а брови полностью или частично выщипывали. Чтобы добиться золотистого цвета волос, женщины подолгу сидели на крыше в специальной будочке, надев шляпу солана без донышка и разложив на ее полях волосы, смоченные специальным составом.
Связь костюма с архитектурой. Жесткие и трудные для шитья ткани диктовали новые покрой, силуэт, форму одежды. Женское платье XV в. в широких симметричных фалдах напоминало своим спокойным ритмом творения архитектуры. В костюме исчезли дробность и преобладание вертикальных линий. Телесность, объемность, устойчивость, благородство естественных изгибов и очертаний предметов одежды, пропорциональное соотношение длины лифа и юбки (1:3,5), роста человека и ширины юбки (2:1), размера головы и роста (1:8) соответствуют идеалу равновесия той эпохи, ассоциируются с итальянской архитектурой, тенденцией которой являлась масштабность по отношению к росту человека, так же как и в античные времена. Архитектура как бы сшита по мерке человека. Во многие времена архитектуру считали «проекцией человека на внешний вид зданий». Стиль ренессанс подтвердил это.
Контрольные вопросы и задания
1. Каким был идеал красоты в Италии XV-XVI вв.?
2. Каковы характерные черты женской одежды XV в.?
3. Каковы особенности женской и мужской одежды ХVI в.?
4. Каковы характерные черты мужской одежды в Италии XV в.?
5. Перечислите элементы женского костюма в Италии XV – ХVI вв.
6. Перечислите элементы мужского костюма в Италии XV – ХVI вв.
7. Каким был текстиль в XV-XVI вв.?
8. Перечислите наиболее популярные женские прически XV – XVI вв.
9. Назовите наиболее популярные мужские прически XV – ХVI вв.
Художник по костюмам Эдит Хэд
Эдит Хэд – это имя знакомо тем, кто интересуется модой, оно стало синонимом дизайна одежды в кино. Да, именно с кино была связана вся творческая жизнь этой женщины. Зрители обычно не знают имён большинства из тех, кто стоит за спиной знаменитых актёров. Старые голливудские фильмы – в них было столько обаяния…
Герои в этих фильмах выглядели настолько безупречно, что многие из них на долгие годы остались в памяти зрителей, которые с восхищением вспоминали и передавали свой восторг и чувства следующим поколениям. А потому образы Мэй Уэст, Одри Хепберн, Элизабет Тейлор, Грейс Келли…, их великолепные наряды, которым подражали многие женщины – высочайшие стандарты гламура и элегантности, живут до сих пор. И в этом не малая заслуга легендарного художника по костюмам Эдит Хэд.
Она одевала актёров Голливуда более пятидесяти лет, создала костюмы более чем для 1000 фильмов. За это время – 35 номинаций на «Оскар» и 8 заслуженных статуэток за лучшие костюмы. А ведь она, когда пришла на киностудию в «Парамаунт», не имела соответствующего образования и даже не умела рисовать.
Никто из художников её времени не сделал столько, сколько удалось Эдит Хэд. Когда она рисовала свои эскизы, одним из главных её принципов было содействие развитию характера персонажа или истории, заложенной в фильме, ведь одежда – это не просто украшение фильма, но один из важнейших элементов воздействия на зрителей.
Эдит Хэд получила высшее признание среди сотен голливудских дизайнеров, благодаря своей уникальной работоспособности, целеустремлённости и умению подать себя. А начиналось всё совсем не так, как многие думают услышать – «…она с детских лет… и т.д.».
Эдит Хэд сначала была Эдит Клэр Познер. Она родилась 28 октября в 1897 году в Сан-Бернардино в еврейской семье. Её мать Анна Леви в 1901 году вышла замуж за Фрэнка Спэра, который удочерил Эдит и дал ей свою фамилию. В 1918 году Эдит окончила Калифорнийский университет в Беркли, и отправилась в Стэнфорд, чтобы продолжить обучение и получить степень магистра по романским языкам.
В 1923 году Эдит Хэд начала преподавать французский язык в школе для девочек, а заодно ходила на вечерние курсы по рисованию в Chouinard Art College. Там и состоялось её знакомство с Чарльзом Хэдом, с сестрой которого она училась. Брак оказался неудачным, они быстро расстались. Второй раз Эдит вышла замуж в 1940 году за дизайнера по интерьеру Виарда Айнена, с которым счастливо прожили вместе до самой его смерти в 1979 году.
Но вернёмся снова в 1923 год. На курсах по рисованию Эдит познакомилась не только с будущим мужем, но и с девушками, которые оказались дочерьми известного режиссёра Сесиля Б. де Милля. Чтобы подзаработать ещё немного, Эдит стала репетиром иностранного языка у девушек.
Однажды они пригласили Эдит соприсутствовать на съёмках очередного фильма де Милля. Это посещение произвело на Эдит неизгладимое впечатление, и она постоянно в мыслях возвращалась к увиденному.
Именно это и побудило её откликнуться на объявление, в котором требовался художник по костюмам. Но она не умеет рисовать, ну и что же – она ведь учится, главное сейчас, пока выпадает счастливый шанс, попасть на киностудию. Наверное, так думала Эдит. Поэтому она тут же отправилась на студию, где главный дизайнер Говард Грир попросил её принести хотя бы несколько эскизов, чтобы оценить способности девушки. Не долго думая, Эдит заняла у студентов художественных курсов рисунки, и на следующий день принесла главному дизайнеру, который был просто восхищён её талантом.
Девушка получила работу, но обман вскоре открылся. Однако, Грира это не разозлило, а позабавило, ведь девушка и правда была способная, а неумение можно исправить, и он начал учить Эдит делать наброски. Она схватывала всё на лету, оттачивала свои навыки, наблюдая за работой Грира и его ассистента Трэвиса Бентона.
Первое время на «Парамаунт» Эдит помогала Гриру и Бентону, затем ей доверили «отдел вестернов», где она работала четыре года, а потом «отдел бабушек», так она называла создание костюмов для бабушек и тётушек главных персонажей фильма. Когда Говард Грир открыл свой магазин и уволился из «Парамаунт», Эдит назначили ассистентом главного дизайнера, им стал Трэвис Бентон. Он доверял ей проектировать костюмы в тех случаях, когда был сам очень занят или актриса, которую надо было одеть, ему не нравилась. Так постепенно Эдит не только училась создавать костюмы, но и дипломатии в этом непростом мире кино.
В 1932 году Бентон отправился в Париж на показ коллекции, а для Эдит выпала удача – создать костюмы для скандальной Мэй Уэст в фильме «Она была неправа». Актриса заявила Эдит, что платья для неё должны быть достаточно свободными, чтобы доказать, что она дама, и достаточно узкими, чтобы в ней видели женщину. Эдит всё поняла, и все наряды были настолько безупречны, что побивший все кассовые рекорды фильм и спасший «Парамаунт» от банкротства, в какой-то степени своим успехом был обязан Эдит.
Следующей проблемной дамой была Барбара Стэнвик, у которой фигура оставляла желать лучшего. Эдит Хэд окутала актрису золотой парчой и осыпала сверкающими стразами. Разве можно в таком прекрасном наряде увидеть, что фигура не самая лучшая. Но наряд не только вызвал восхищение у всех, в Голливуде появился новый секс-символ, а у Эдит – хорошая подруга. В дальнейшем Стэнвик стала одной из самых успешных киноактрис Голливуда. Она снималась в фильмах до 77 лет, и всегда была привлекательна и не терялась на фоне молодых.
После того как Бентон ушёл из студии, Эдит Хэд стала главным дизайнером. Среди дизайнеров того времени она была, можно сказать, единственной женщиной, занимавшей высокий пост. В «Парамаунт» она проработала 44 года, работала по 16 часов в день, делала до 50 фильмов в год. В 1967 году Эдит Хэд подписала контракт со студией «Юниверсал» и проработала в ней до конца своей жизни.
О себе она говорила: «Я знаю, что я не творческий гений. В дипломатии я сильнее эскизов». Из этой фразы, сказанной о себе, можно многое понять, какой была знаменитая Эдит Хэд. В мире кино, где витает слава и тщеславие, зависть и интриги, ей удавалось ладить и находить контакт со всеми. Эдит умела понять каждого, она, как сама говорила, была художником, модельером, портным, историком, агентом по продажам, медсестрой и психиатром в одном лице.
Мэй Уэст в фильме «Она была неправа»
В 1948 году учредили номинацию премии «Оскар» за лучшие костюмы, и Эдит была уверена в том, что она станет её обладательницей, ведь она так много и успешно работала, и к тому же ей было уже 50 лет. Но оказалось иначе, Эдит была настолько огорчена, что первые дни после награды, для неё были одни из самых трудных в жизни. Она молча перенесла эту горечь в себе, не жалуясь и не сетуя ни на кого.
А после этого огорчения последовали награды за наградой. Многие режиссёры доверяли свои фильмы и своих актёров именно Эдит Хэд. С одним только Альфредом Хичкоком она сделала 11 фильмов.
Когда Эдит задавали вопросы: «С кем из режиссёров вам приятнее всех работать? «Кого из актёров вам больше всего нравилось одевать? Какой ваш любимый фильм?», она отвечала: «Посмотрите «Поймать вора». Получите ответы на все ваши вопросы». Хичкок был всегда очень строг к одежде и указывал, какие фасоны и цвета должны быть по сценарию.
С точки зрения стиля фильм «Поймать вора» можно назвать совершенно безупречным. Везде Грейс Келли выглядит потрясающе. Но не только актриса была восхитительна, все её наряды, которые проектировала Эдит, помня свои принципы о воздействии на зрителей посредством одежды и цвета, позволили драматургически обыграть сюжетные повороты фильма.
Премию «Оскар» Эдит Хэд получила за костюмы в чёрно-белом фильме «Наследница» в 1949 году.
В 1950 году последовали ещё два «Оскара» – один за костюмы в фильме своего старого знакомого де Милля «Самсон и Далила» на библейскую тему, второй – за картину «Всё о Еве». В 1951 году она получила «Оскар» за костюмы для своей обожаемой Элизабет Тейлор в фильме «Место под солнцем».
В 1953 году «Оскар» за фильм «Римские каникулы».
Эта картина имела огромный успех у публики, женщины, можно сказать, всех возрастов и национальностей, захотели выглядеть, как блистательная Одри. А всё потому, что Эдит сумела показать все наилучшие достоинства Одри, скрыв худую шею, выпирающие ключицы и большие ступни. Она надела на Одри вместо блузок без рукавов, которые планировала изначально, рубашки с длинным рукавом, которые подворачивались, юбки были сделаны широкими и длинными, на шею надевался шейный платок и т.д.
Эдит Хэд нравилось создавать наряды для женщин, особенно в исторических фильмах, меняя полностью их облик. Она всегда считала, и была абсолютно права, что костюм в фильме и художник по костюмам – это важная часть кинематографа, ведь с помощью одежды можно выразить характер персонажа, «…герою выглядеть как герой, а злодею – как злодей…». А иногда, наоборот, с помощью одежды можно «…слегка поводить публику за нос, одевая положительную героиню как женщину-вамп,…» и т.д.
В 50-х годах Эдит Хэд получила признание Гильдии дизайнеров по костюмам в индустрии кино как ведущий художник. А позже её выбрали президентом этой организации. Наряду с работой в кино, Эдит Хэд появлялась на телевизионных передачах, делала эскизы для модных журналов, вела программу «Заметки о моде» на радио CBS, написала две книги. Книга «The Dress Doctor», написанная в 1959 году, стала бестселлером.
Эдит Хэд была молчаливым и закрытым человеком. Наверное потому, она всегда носила тёмные солнцезащитные очки, а может, как она говорила, – по причине того, чтобы понять, как цветная одежда будет смотреться в чёрно-белом фильме, ведь стёкла очков были тёмно-голубыми. И солнцезащитные очки, и причёска Эдит стали в её образе фирменным знаком.
Плоская чёлка и шиньон на затылке, в подражание актрисе Анне Мэй Вонг, которые она скопировала ещё в 30-х годах, остались с ней на всю жизнь. Эдит Хэд создала свой незабываемый образ. В мультфильме «Суперсемейка» есть один из персонажей – маленькая темноволосая женщина в очках, Эдна Мод, которая придумывает фасоны костюмов. Как вы думаете – чей прототип здесь фигурирует? Да, конечно – это Эдит Хэд.
Эдит Хэд тихо скончалась во сне 24 октября 1981 года.
Эдит прошла длинный творческий путь, прежде чем получила заслуженные награды. Она внесла вклад не только в кинематограф, но и в мировую моду. После выхода каждого фильма, где создавала свои костюмы Эдит, многие женщины во всём мире хотели иметь такие же наряды, и выглядеть точно также, как главная героиня картины. И неудивительно, что мода той эпохи играла главную роль в фильмах, а создатели моды осознали, насколько полезным может быть для них кино. Модным стало то, что носили звёзды, на экране или в жизни, не имеет значения, как впрочем, и сегодня.